Найти похожее

«Ничего вы не понимаете!» Примерно с таким возгласом Уильям Хогарт в 1753 году обращался к представителям классицизма и сторонникам строгих пропорций. Они брали за основу своих работ античное искусство и говорили: ну вот, греки за нас уже все рассчитали, есть же четкие пропорции, по которым нужно писать. Вот только они упустили из виду, что греческие каноны основаны на изгибе, S-образной линии. Там все таки бедро чуть в сторонку, плечи на разных уровнях. А эти классицисты всех буквально выпрямили и сделали искусственными, считал Хогарт. Доля правды в его словах была. Четкие прямые линии в искусстве связывают с характером власти в то время. Классицизм оформляется в официальное направление в эпоху Людовика 14 (1643-1715). Это абсолютная монархия, строгое подчинение правилам, жесткая вертикаль власти и все в таком духе. Куда тут изгибаться, всем нужно ходить по струнке. Кстати, Версаль, буквально олицетворение Людовика 14, Хогарт терпеть не мог как раз из-за его прямых и четких пропорций. Видимо, сказывается английское происхождение Хогарта: в Англии к тому времени уже прошли революции, королей казнили, а страна успела побывать республикой. Но если посмотреть картины и статуи эпохи классицизма, то возникают вопросы. Да, есть очевидно прямые и топорные фигуры. Но есть и те, где S-образная линия очень даже видна. Например, Хогарт критиковал даже статуи Бернини (уж у кого, а у Бернини все очень даже изгибаются!). Связано это с тем, что Хогарту не нравилась искусственность этих линий: то они слишком правильные и выверенные (это Пуссен, например, фото 1), то слишком выкрученные (это Бернини как раз). Естественности нет, товарищи художники! А это одна из главных черт S-образной линии по Хогарту: так изгибается позвоночник человека, в природе по такой линии текут реки, возвышаются холмы и растут стебли растений. Сам художник даже композицию своих работ старался подчинить этой линии. Из-за этого они кажутся довольно динамичными (фото 2-3). Вообще Хогарт попал в нерв времени: как раз при его жизни искусственное барокко сменяется более легким рококо, в котором S-образная линия очень четко проявляется. Но Хогарт и это направление не любил: слишком легкомысленно) Мне взгляды Хогарта кажутся слишком уж радикальными и излишне критичными, но его учение нашло отражение и в работах поздних мастеров. Например, в изогнутых ножках кресел Томаса Чиппендейла (фото 5), в философии прерафаэлитов и орнаментах ар-нуво. А вам больше нравятся «неправильные» Пуссен (фото 1) и Жак-Луи Давид (фото 4) или S-образный Хогарт (фото 2-3)? #кто_это_нарисовал

Последнее время в конце рабочих недель чувствую себя, как вот эта собачка на автопортрете Уильяма Хогарта (1745). Эту собаку, кстати, зовут Трамп) Он запечатлен на многих работах Хогарта, и у животного страница на Википедии объемнее, чем у некоторых художников. А сам автопортрет интересен несколькими вещами. Он считается изображением vanitas — бренности жизни. Проявляется она тут в том, что собаке, будто единственному живому персонажу на картине, безразлично все, что ее окружает, все эти человеческие художества и книги. Ну еще бы ей было это интересно! Думаю, она хочет просто, чтобы ее отпустили поскорее и не заставляли сидеть и позировать) Есть и другая интересная деталь: портрет будто оживает, потому что ткань халата художника уже выбежала за рамки картины и слилась с зелеными занавесками на фоне. И последнее: на палитре Хогарт нарисовал так называемую линию красоты. Искусство в стремлении к гармонии и композиции подчинялось S-образной линии задолго до Хогарта, но именно он впервые объяснил эстетические качества этого изгиба и сделал эту линию своим фирменным знаком. Но про это уже завтра) #кто_это_нарисовал

Какая музыка играет в аду Ответ на этот вопрос можно узнать на триптихе Иеронима Босха «Сад земных наслаждений». Художник оставил для нас целое произведение) И не где нибудь, а на попе одного из грешников на правой створке, которая называется «Музыкальный ад». 12 лет назад эти ноты расшифровала студентка из Оклахомы, а потом эту мелодию сыграли на лютне, арфе и колесной лире (я даже не знала, что есть такой инструмент). Запись прилагаю🔽 Не знаю, насколько правдива запись, но есть точка зрения, что Босх срисовал эти ноты с вполне реального произведения его времени. Но художник вряд ли планировал, что кто-то потом будет играть эту мелодию😅 #кто_это_нарисовал

В это пасмурно-снежное утро заряжаемся красками на пейзажах Густава Климта. Пейзажи занимают примерно четверть от всего творчества художника. И этот формат был для Климта отдушиной: он не планировал их продавать, а просто писал, что ему нравилось, и экспериментировал со стилем. Так он выработал некоторые особенности своих пейзажей: на них почти нет неба и каких-то лишних деталей или персонажей — только будто пойманный кадр чистой природы. #кто_это_нарисовал

С утра пораньше очень меня позабавила картина голландского живописца 17-го века Габриеля Метсю — «Завтрак молодой пары» (1667 год). Казалось бы — завтрак и завтрак, вышла пара в таверну на условных Патриках. Но женщина явно чем-то недовольна или очень уж озадачена. Дело в том, что мужчина предлагает ей вино, что у голландцев равняется «пошли уже из этой таверны ко мне или к тебе». Вино пока не в бокале (очень красивый, почти прозрачный, бокал у женщины в левой руке), а значит она еще не приняла предложение и пока только решает, надо оно ей или нет. Но ее лицо очень красноречиво говорит о перспективах молодого человека) Честно говоря, если бы мне на завтрак предложили кусочек хлебушка, как на тарелочке у женщины, то у меня было бы такое же лицо, как у нее)) Не говоря уже о том, чтобы беззастенчиво предлагать что-то еще #кто_это_нарисовал

Готова поспорить, что вы не угадаете, кто написал эти картины) Итак, это Пикассо! Работа на фото 1 называется «Первое причастие» и датируется она 1896 годом. В это время Пикассо всего 15 лет, и он только заканчивает художественное обучение. Будущий художник учился в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Но с дисциплиной у него было плохо, уроки он часто пропускал, поэтому его обучением в итоге занялся отец. Тот сам был художником и преподавал искусство. Именно отец Пикассо и выбрал сюжет этой картины. Дело в том, что на носу была выставка искусств и ремесел в Барселоне, а подобные картины обычно получали там награды. Так появилась первая широкомасштабная картина Пикассо — размер «Первого причастия» 165 x 117 см. В образе девушки художник изобразил свою младшую сестру Лолу, а священник — это отец Пикассо (некоторые еще предполагают, что это друг семьи, а не сам отец). Картина получила хорошие отзывы критиков, и отец подающего надежды художника решил, что надо двигаться и дальше в этом направлении. Он арендовал для сына отдельную мастерскую, где молодой Пабло написал свою следующую картину «Наука и благотворительность». В 1897 году 16-летний Пикассо получил за нее почетную награду, а позже — и золотую медаль. После такого успеха у отца художника уже все было расписано: он видел карьерный путь сына в академическом искусстве, с множеством наград и почестей. Правда, у самого Пикассо были другие планы) В итоге «Наука и благотворительность» стала последней академической работой молодого художника. А дальше — невероятные и всевозможные эксперименты и поиски своего стиля, по которым мы и знаем Пикассо. #кто_это_нарисовал

Революция, террор и одна смелая женщина — все эти слова про известную картину «Смерть Марата» французского художника Жак-Луи Давида. Кто такой Марат Жан-Поль Марат после Великой французской революции 1789 года переквалифицировался из врача в издателя журнала «Друг народа». Видимо, таковым считал себя сам Марат, так как на страницах этого издания писали про революционный порядок во Франции, критиковали богатых и говорили о необходимости раздать их имущество нуждающимся. Еще в «Друге народа» активно изобличали врагов народа, которых, как считал Марат, по-хорошему стоило бы казнить. Если человек попадал в эту газету, то вероятность того, что его арестуют и казнят, кратно увеличивалась. И неважно, были ли доказательства вины. Марат был сторонником якобинцев —политической силы времен Французской революции, которая выступала за решительные меры: гильотина есть, проблем нет! Такой террор, мягко говоря, смущал другую политическую группу — жирондистов. Они тоже были против монархии, за республику, но придерживались умеренных методов и выступали за законность. В итоге они начали критиковать Марата и даже попытались осудить его. Но суд отпустил друга народа, а ряды жирондистов стали редеть. Что с ним случилось В общем, у Марата была и серьезная фан-база (бедняки в основном), и серьезные недоброжелатели. Во вторую группу попала дворянка и в то же время сторонница Республики 24-летняя Шарлотта Корде. Девушка так впечатлилась всеми кознями Марата и якобинцев в целом, что решилась на убийство. 13 июля 1793 года она попала на аудиенцию к Марату, сказав, что знает о заговоре жирондистов против него и хочет сдать заговорщиков. Марат в это время принимал ванну, так как вода успокаивала его страдания от экземы. Он начал читать «донос» Шарлотты, а та присела к нему и дважды ударила его ножом. Марат умер почти сразу. Судьба Шарлотты дальше незавидна. Её чуть ли не убили прямо на месте, она чудом доехала живой до тюрьмы, но только для того, чтобы выслушать смертный приговор. Судьба картины После смерти Марата другой видный якобинец, художник Жак-Луи Давид, принялся за картину. Он нарисовал её буквально за три месяца, изобразил Марата мучеником, почти что святым. И это обеспечило картине успех: её выставили в здании Конвента, и художник сделал не одно повторение. Правда, как у многих таких личностей, звезда Марата-мученика и борца за революцию просияла недолго. Потом политический курс сменился, его деятельность стали очень критиковать, а картину любезно вернули художнику. И пристроить её куда-то было очень сложно. В итоге только в конце 19-го века «Смерть Марата» купил художественный музей Брюсселя. Оригинал картины и сейчас там, а в Лувре висит копия. #кто_это_нарисовал

Сейчас идет весна, потом лето — обычный порядок вещей. Но по древнегреческим мифам мы могли навсегда лишиться этих прекрасных времен года из-за одного семейного скандала. Речь идет о похищении Персефоны. Она была дочерью Зевса и богини плодородия Деметры. И вот однажды случилась беда — в нее влюбился бог подземного царства Аид. Персефоне такой жених не нужен был, но кто ее спрашивал. Аид уже обо всем договорился с Зевсом и приехал на колеснице похищать себе невесту. Персефона только вскрикнуть успела — и уже в подземном царстве. Этот крик услышала её мать, Деметра, которая отчаянно бросилась на поиски дочери. И пока это продолжалось, она забросила свои обязанности богини плодородия: на земле ничего не росло. В итоге Деметра узнала, где Персефона, устроила скандал Зевсу и сказала возвращать дочь. А тому как-то и неудобно перед братом Аидом, да и что брак теперь расторгать? Не по-людски это все как-то, подумал Зевс и придумал хитрую схему: верну Персефону, если она в подземном царстве ничего не ела. А та и не ела! Но Аид больно уж не хотел расставаться с женой и дал ей в самый последний момент гранатовые зерна. И Персефона их съела. Деметра, конечно, снова со скандалом к Зевсу. И ей было, чем шантажировать его: от нее-то зависит плодородие земли. А в тоске по дочери как-то и не плодородится ничего. Тогда Зевс решил «ни вашим, ни нашим»: полгода Персефона проводит на земле с матерью Деметрой, а полгода под землей с мужем Аидом. И пока богиня с матерью, наступает весна и лето. А когда покидает ее, в свои права вновь вступают осень и зима. Этот сюжет очень любили люди искусства. Одна из самых известных работ — это просто потрясающая скульптура Бернини. Даже не верится, что это мрамор: видны все складочки и мышцы, как Аид своими лапищами прям продавливает мягкую плоть Персефоны, а она его так яростно отталкивает, и эти слезы на её лице. Кажется, что на самом деле можно услышать её крик… Представляете, Бернини сделал эту скульптуру, когда ему было всего 23! Надеюсь, что однажды увижу этот шедевр вживую🤩 #кто_это_нарисовал (а точнее слепил)

Этой весной мне как-то особенно близко японское искусство: такое оно тихое, спокойное, умиротворенное. Эти две работы написал Цутия Коицу, художник 20-го века, который следовал традиционной японской гравюре укиё-э. И на этих полотнах во всей красе виднеется цветение сакуры и любование ею. Для этого процесса (любование цветением сакуры, сливы) есть даже отдельное слово — ханами. Именно этим и занимается девушка на первой картине в парке Уэно в Токио. Это место и сейчас особенно популярно для ханами, так как там растет больше 1000 деревьев сакуры. Ханами появилось в Японии ещё в 8 веке: тогда крестьяне наблюдали за цветением сакуры и по нему определяли, насколько хорошим будет урожай риса. В конце 8 века сакура становится национальным цветком, и императоры организовывали целые походы к местам ее цветения — «цветочные пиры». Это дерево в то время росло в горах, в северных широтах, поэтому нужно было совершать некое паломничество к сакуре. Цветочные пиры продолжались ежегодно с 813 года до 1930-х. После победы в значимых битвах и при важных достижениях тоже организовывали массовые ханами. В 17-м веке феодалов обязали не меньше года жить в городе, поэтому походы к сакуре стали не такими простыми. Но японцы не были готовы отказываться от любования этим деревом, поэтому сакуру стали культивировать в городе. В таком любовании сакурой есть и большой философский смысл. Дело в том, что дерево цветет очень мало, всего 5-10 дней. И японцы видят в этом олицетворение быстротечности жизни в целом. Поэтому пока этот миг не пролетел, стоит остановиться, полюбоваться им и по-настоящему прожить его, а не просто пройти мимо. P.S. Призываю всех, кто за окном наблюдает хорошую погоду, выйти на улицу, устроить себе ханами и полюбоваться чем-то красивым! #кто_это_нарисовал

Всем изменщицам посвящается Пожалуй, стакими словами британский художник Викторианской эпохи Август Эгг мог бы выставить свой триптих «Прошлое и настоящее» (1858), который показывает целое кино. Часть 1 — разоблачение На первой картине триптиха у нас разоблачение измены: муж сжимает в руках письмо (вероятно, от любовника жены), а сама жена уже в обмороке от всего случившегося. Об измене говорит и множество символов: 🟥 На стене, по обе стороны от зеркала, висят портреты супругов. Над мужем — картина английского художника Кларксона Стэнфилда с сюжетом кораблекрушения и говорящим названием «Покинутый». А над женой — иллюстрация изгнания Адама и Евы из рая за грехопадения последней. 🟥Сюжет грехопадения продолжается и в половинке яблока, которое лежит на полу возле жены. Вторая половинка яблока — на столе, и ее сердцевина проткнута ножом. 🟥В отражении зеркала видна распахнутая дверь, которая говорит о том, что будет дальше. 🟥А браслеты на руках у женщины похожи на кандалы. Но что они значат: неизбежность наказания за совершенное или узы брака с нелюбимым человеком, из-за которого жизнь похожа на тюремное заключение? Некоторые еще обращают внимание на двух девочек в левом углу, а точнее на зеленую книгу, на которой они построили карточный домик. Считается, что это книга Бальзака. Там нет названия, но есть подпись с автором. Я упорно не вижу там никаких слов, но допустим, что это Бальзак) И это интересная отсылка, потому что Бальзак как раз много писал про брак и про то, как нелегко в нем и мужчинам, и женщинам) Часть 2 — спустя 5 лет На второй картине девочки уже выросли и стали сиротами: мать ушла из дома, а отец только-только умер. Об этом говорит траурный наряд одной из сестер и описание картины Эггом, сделанное в форме вымышленной записи из дневника: «4 августа. Только что узнал, что Б. умер больше двух недель назад, так что его бедные дети теперь потеряли обоих родителей. Слышал, что последний раз мать видели в пятницу возле Стрэнда, очевидно, ей негде было преклонить голову. Каково же было её падение!» Девушки сидят в еле освещенной комнате, одна, скорее всего, плачет от горя, ведь будущее очень туманно и неясно. Часть 3 — судьба матери А в другой части города под мостом прозябает их изгнанная мать. О том, что это один и тот же момент, говорит одинаковая Луна на двух картинах. Если присмотреться, то можно заметить на руках у женщины маленькие ножки. Возможно, этот ребенок появился после той злосчастной измены. Говорящие и афишы на заднем плане. Это «Жертвы» Тома Тейлора (1857) и «Лекарство от любви» Тома Парри (1842). Обе пьесы рассказывают как раз о несчастливых браках. А рядом с афишами видна реклама «увеселительных экскурсий в Париж» — возможно, еще одна отсылка к Бальзаку. Интересно, с какими мыслями художник делал этот триптих: с желанием сказать «чтобы неповадно было» или обратить внимание на трагичную судьбу викторианских женщин? Видимо, этот ответ каждый зритель должен найти сам для себя. #кто_это_нарисовал

Чтобы как-то скрасить впечатление после предыдущего поста) Верещагин написал 13 картин, 81 этюд и 133 рисунка для Туркестанской серии. Часть из них, конечно, про ужасы войны. Но другая часть — это очень колоритное и яркое изображение народов Средней Азии, их быта и культуры. Эта часть как раз в подборке) Интересно, что серию изначально не приняли и критиковали. Многим художникам работы казались чужеродными и не вписывающимися в русское искусство. Картины Верещагина называли «цветными заплатками» на строгих одеждах всех остальных. Но это не помешало Павлу Третьякову в 1874 году выкупить всю серию полностью (это было условием художника). Не разделяю мнение критиков: мне эти работы по душе! #кто_это_нарисовал

Я думаю, многие хотя бы раз видели эту картину. Написал ее Василий Верещагинв 1871 году, называется она «Апофеоз войны». И если присмотреться, то на заднем плане можно заметить характерные пейзажи Средней Азии. А все потому, что Верещагин написал ее после путешествия в Туркестан. Во второй половине 19-го века Российская империя завоевывает Среднюю Азию. В ходе этих событий подчинили Кокандское ханство, Бухарский эмират, Хивинское ханство, взяли Ташкент и Самарканд. В этих действиях участвовал и Верещагин: в августе 1867 года он отправился в Ташкент, затем в Самарканд. Там он оборонял осажденный город, был ранен и получил Орден Святого Георгия 4-го класса «В воздаяние за отличие, оказанное во время обороны цитадели г. Самарканда, с 2 по 8 Июня 1868 года». В 1871 году художник селится в Мюнхене, где и начинает писать целую серию картин, посвященную Туркестану. Среди них был и «Апофеоз войны». Изначально Верещагин назвал работу «Торжество Тамерлана» (того самого Тимура, духом и архитектурой которого буквально пропитан весь Самарканд): по легенде его войска после завоеваний оставляли после себя такие горы черепов. Но множество трупов художник видел и в его современности, во время военных действий в Самарканде и Ташкенте. Еще одно событие случилось в Западном Китае: в 1864 году повстанцы-мусульмане вырезали местное китайское население, оставив на своем пути груды непогребенных скелетов. Так что, к сожалению, «источников для вдохновения» было достаточно. К картине Верещагин сделал еще раму, на которой есть подпись: «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». #кто_это_нарисовал