Sound Bistro

#tips Что такое дизеринг и зачем он нужен? Дизеринг — это процесс добавления очень тихого шума при понижении битности аудиофайла, например, с 32 до 24 бит или с 24 до 16 бит. Битность отвечает за количество амплитудных (громкостных) значений в сигнале, то есть это ось Y для фазы (волны) звука. Понижение битности в теории может привести к появлению артефактов, таких как потрескивание или искажения звука, особенно в тишине или на затухающих элементах микса (например, в хвостах реверберации или сустейнах инструментов). В теории. Алгоритмы дизеринга: - Rectangular (RPDF) — простейший алгоритм дизеринга, который равномерно распределяет шум по всему диапазону. Используется в простых случаях, когда требуется минимальная обработка. - Triangular (TPDF) — более универсальный метод, который является стандартом для большинства лимитеров. Это также используется в рендере Ableton в стандартном режиме дизеринга, так как он эффективно скрывает шум в большинстве случаев. - Noise Shaping — продвинутый метод, который перемещает добавляемый шум в менее заметные частотные диапазоны. Он используется в профессиональных инструментах, таких как FabFilter Pro-L2, iZotope Ozone и Waves L2, и позволяет достичь более высококачественного результата. Дизеринг имеет смысл применять при экспорте, когда вы понижаете битность сигнала с 32/24 бит до стандартных 16. Использовать этот процесс несколько раз или на каждом этапе сведения/мастеринга — не нужно, так как это может привести к накоплению шума и ухудшению качества звука. А если битность экспорта вообще не меняется, то дизеринг применять не стоит.

#tips 10 советов от Брайана Ино: как создавать музыку с вдохновением? Брайан Ино - легендарный музыкант, продюсер и новатор, поделился своими ключевыми принципами создания музыки на одном из недавних мастер-классов. Эти уроки — не просто советы, а философия его творчества, которая может помочь вам вдохновиться на новые идеи. 1) Музыка — это процесс, а не результат. Ино подчеркивает, что важно наслаждаться самим процессом создания, а не фокусироваться на конечном продукте. Экспериментируйте в моменте и находите радость в собственном творчестве. 2) Ограничивайте себя. Установите себе рамки. Используйте ограниченный набор инструментов или техник. Соберите весь трек из одного лупа в конце концов. Избыток выбора приводит к стагнации. 3) Случайности не случайны. Случайно полученные звуки или даже ошибки могут стать источником вдохновения или фишкой всего трека. Не бойтесь отклоняться от плана или общепринятых норм. 4) Мыслите "звуковыми ландшафтами”. Музыка — это не только мелодии, но и атмосфера. Думайте о том, как звуки взаимодействуют друг с другом, создавая целостный мир в воображении слушателя. 5) Работайте быстро. Быстрые наброски чаще всего бывают самыми искренними и интересными. Не зацикливайтесь на деталях на ранних этапах и старайтесь отключить внутреннего критика. 6) Технологии это инструмент, а не цель. Технологии должны служить вам и вашим идеям, а не диктовать их. Не позволяйте новым модным плагинам управлять вашим творчеством. 7) Сотрудничайте с артистами. Коллаборации с другими музыкантами могут открыть новые горизонты для всех участников проекта. А разные взгляды обогащают творческий процесс. 8) Не бойтесь правок. Музыка — это живой организм. Будьте готовы пересматривать и переделывать свои работы от начала до конца. 9) Создавайте правила, а затем нарушайте их. Попробуйте установить для себя правила, а потом их специально нарушить. Если это приведет к новому и интересному результату - все в выигрыше. 10) Музыка — это эмоции. В конечном итоге, ваша музыка должна вызывать чувства. Не забывайте, что вы создаете искусство, которое должно трогать сердца: заставляя их биться сильнее на танцполе или замирать в ожидании финального аккорда. Вдохновляйтесь, пробуйте новое и ищите собственный почерк в музыке!

#guide#tips Clipper vs Limiter? Клиппер и лимитер — два типа динамической обработки, работающие с пиковыми уровнями сигнала. Как правило, они ставятся финальной точкой обработки на мастер-шине или дорожке. Клиппер - откусывает (клиппирует) пики сигнала, не давая им превысить заданный порог. Это может происходить жёстко (hard clipping) или мягко (soft clipping). Излишний клиппинг волны приводит к сильному хрусту звука, напоминающему эффект перегруза. Что не всегда плохо, а скорее даже приветствуется в EDM музыке и саунд-дизайне. Примеры: StandardCLIP, Newfangled Audio Saturate, бесплатный GClip и встроенные клипперы ваших DAW. Лимитер — это компрессор с очень высоким Ratio (близко к бесконечности). В отличие от клиппера, он не обрезает пики, а динамически снижает их громкость, как бы “вдавливая" их обратно, чтобы они не превышали заданный порог. Как следствие, если сигнал чересчур громкий, это может вызвать неестественные перепады динамики - pumping эффект. Но и работает он более прозрачно. Примеры: FabFilter Pro-L2, iZotope Ozone Maximizer, Waves L2, Invisible Limiter, бесплатные Wave Breaker и Frontier, и встроенные лимитеры ваших DAW. На практике, если вы работаете с HDR (High Dynamic Range) музыкой вроде эмбиента, оркестра, джаза или поп-баллады, то лучше обойтись лимитером — он сработает мягче и не навредит динамике. Если нужен громкий микс, то без клиппера уже не обойтись. Лучший порядок обработки — сначала клиппер, затем лимитер: - первый срезает пики, сокращая динамический диапазон и сатурируя сигнал; - второй уравнивает общую громкость перед финальным экспортом.

#tips#guide Памятка по видам компрессоров. FET-компрессор 1176— один из самых популярных компрессоров в аудио-индустрии. Использует технологии полевых транзисторов (Filed Effect Transistors), что позволяет ему очень быстро реагировать на изменения звука. Отличный вариант для обработки ударных, вокала, гитары и других инструментов, которым нужны плотность и выразительность. Дубина с характером. LA-2A — оптический компрессор, известный своим мягким и музыкальным звучанием. Работает с помощью светочувствительных элементов, которые плавно сглаживают динамику, вместо агрессивного продавливания FET. Особенно хорош в работе с вокалом и басом, так как добавляет приятную теплоту и насыщенность тембру. Берите его, если нужен “прозрачный” контроль громкости, с естественным ламповым звуком. VCA-компрессор — он же Voltage Controlled Amplifier, отличается очень высокой точностью срабатывания. Один из самых известных примеров — SSL Bus Compressor, который используют на шинах или даже при мастеринге трека. Умеет сглаживать динамику микса, придавая ему плотность и панчовость, что создает ощущение “склеенного” микса. Отличный выбор для ударных, баса и синтов. Fairchild — культовый Tube компрессор, ставший стандартом во многих AAA-студиях. Его фирменное звучание достигается благодаря сочетанию ламповой схемы и оптической компрессии, придавая сигналу богатый и теплый оттенок. Идеален для вокала, струнных, клавишных и других “живых” инструментов. Мультибенд-компрессор — более сложный инструмент, разделяющий сигнал на несколько частотных зон для независимой обработки. Это даёт возможность более точно управлять динамикой микса, решая комплексные задачи и сохраняя при этом целостность звучания. Чаще всего применяется на этапе мастеринга или в особо сложных кейсах (например, фортепиано), но имеет и художественное применение в EDM музыке.

#tips Три правила аранжировки. Многие продюсеры электронной музыки сталкиваются с проблемой аранжировки. Как превратить свой квадрат на 8 тактов в законченную композицию? Если вы из их числа, вот три простых правила, которые помогут завершить трек, даже если вас настиг творческий кризис. Правило 1: Каждый квадрат (8 тактов) должен быть уникальным! Не стоит понимать это правило буквально. Нет нужды менять темп, размер или тональность по несколько раз за трек, если это не часть вашей концепции. Речь идет о том, что в готовой композиции не должно быть квадратов, расположенных по принципу "копировать-вставить". Добавляйте микро-паузы в конце и иногда в начале квадратов. Начинайте дропы с минимальным количеством элементов, чтобы каждый следующий квадрат привносил новые детали. В некоторых жанрах достаточно только кика и баса, чтобы дроп произвел сильное впечатление. Используйте автоматизацию эффектов и параметров синтезаторов (например, cutoff). Правило 2: У каждого квадрата должен быть вход и выход! Любую завершенную композицию можно представить как аттракцион для слушателя. Представьте себе американские горки без плавных подъемов и спусков, где все углы по 90 градусов. Согласитесь, не хотелось бы кататься на таких после плотного обеда. Вот так же будет восприниматься трек, если вы не подготовите слушателя к смене элементов или даже квадратов. Для плавных переходов используйте спецэффекты: sweep up, sweep down, райзеры, impacts, sub drop, reverse vocal, перевернутые крэши. Чтобы вход в квадрат не был слишком навязчивым, можно использовать реверберационный хвост от выхода предыдущего квадрата. Правило 3: Делайте переходы уникальными! Для обычного слушателя спецэффекты будут заметны только в том случае, если они либо отсутствуют, либо повторяются из квадрата в квадрат. Худшее, что можно сделать — это скопировать один sweep up и вставить его в каждый переход на протяжении всего трека. Проявите креативность и продумайте разные решения для каждого перехода. Если вдохновения не хватает, используйте хотя бы разные семплы спецэффектов. Примечание. Сначала сосредоточьтесь на создании разнообразных и интересных переходов без использования спецэффектов. Работайте с автоматизацией, сбивками и паузами, а затем, только после того как эти элементы будут настроены, добавляйте эффекты и саунд-дизайн в виде wav-семплов. Это поможет избежать зависимости от спецэффектов и не даст вам схалтурить.

#tips#guide Как добиться Lo-Fi звучания? Изначально термин относился к звуку с низким качеством, в противовес Hi-Fi. Но уже давно стал обозначать определенную эстетику и характер звучания. Вообще забавно наблюдать, как технические недостатки записи, от которых пытались избавиться десятилетиями, теперь превратились в особую фишку. Сегодня многие артисты специально «состаривают» свои треки, чтобы добиться того самого «лампового» звука. 1 -Приглушённый верх Представьте, что смотрите видео на старом бабушкином телевизоре: в глаза сразу бросаются пиксели, рябь и нечеткость картинки. То же самое применимо и к звуку: когда качество аудио падает (например, из-за сжатия в MP3 формат), первыми пострадают частоты. В Lo-Fi звуке этот эффект можно легко повторить с помощью мягких фильтров высоких частот (LPF), делая звук более глухим и тёплым. Рекомендуем для этого использовать аналоговое оборудование или плагины с нелинейной обработкой — тогда они добавят необходимые текстуру и глубину, а не просто отрежут верх. 2 - Гармонические искажения (сатурация) Lo-Fi часто создают с помощью «бюджетного» или винтажного оборудования: кассетных дек, старых семплеров, виниловых проигрывателей. Эти устройства (и их цифровые эмуляции) добавляют сатурацию — мягкую перегрузку сигнала, которая обогащает звук новыми гармониками. Когда сигнал проходит через лампу, транзистор или кассету, он слегка искажается, а потом «выравнивается». Это как цветокоррекция для фото или видео! Так мы можем буквально «окрасить» звук, добавив в него совсем немного «хруста» и тепла, ну или испортить его в хлам. 3 - Wow & Flutter Эти эффекты также имитируют артефакты старого оборудования. А именно, колебания тона или громкости (как будто звук «плывет») из-за неровного вращения пленки в магнитофоне. Но с ними важно не переборщить, так как они могут легко нарушить хрупкий баланс в миксе. И на выходе вы получите уже не Lo-Fi, а просто кашу. 4- Узкая стерео-картинка Старые кассетные деки или радио-приемники 80-х годов, помимо своей визуальной эстетики еще и часто «сливали» стерео каналы в моно, теряя пространство и объем звука. Поэтому в Lo-Fi иногда искусственно сужается стереополе, хоть и менее консервативно чем раньше. К примеру, можно применить эту технику только к отдельным инструментам в миксе, а не всему треку сразу. 5 - Агрессивная компрессия Следуя логике винтажного железа, нам также понадобится довольно сильно «прижать» динамику звука. Для этого отлично подходят компрессоры с «характером» вроде 1176 или SSL G-Master, и подобные им аналоговые эмуляции. Жмите как следует! В завершении, вот небольшой список плагинов по теме: - Waves J37 — эмуляция катушечного магнитофона - Waves Abbey Road Vinyl — звук винила со всеми его артефактами - Wavesfactory Cassette — эффект кассетной записи - Tape Sculptor — собери свой эмулятор пленки - RC-20 Retro Color — мульти-эффект для порчи звука Знаете еще отличные инструменты? Делитесь в комментариях!

#tips#tutorial Отличный пример креативного использования эффекта Auto-Shift из Ableton Live 12, от продюсера Ned Rush. Очевидно, что питч-коррекция годится не только для вокала, но и для создания интересных тембров. Рекомендуем еще поиграться с Vocoder, это кладезь современного «ликвидного» звука в bass музыке. Вообще использование эффектов не по назначению - классический способ добиться уникального саунд-дизайна, еще со времен первых гитарных педалей 🤔

#tips Слышали про East Coast и West Coast синтез? 🤔 East Coast прежде всего ассоциируется с девайсами от компании Moog. Основной подход это субтрактивный синтез: использование осцилляторов с базовыми волнами и фильтров для вырезания ненужных частот. Этот стиль ориентирован на создание музыкальных тембров, часто с теплым, гармонически насыщенным характером. West Coast синтез связан с разработками Don Buchla. Здесь на первый план выходит уже аддитивный синтез, где каждая синусоида соответствует определенной гармонике (то есть частоте в Hz, кратной основной), и полу-модульный подход к патчам. Управляя амплитудой, частотой и фазой, можно создавать множество звуков со сложным окрасом. Этот подход чаще всего ассоциируют с аудио-экспериментами и созданием уникальных текстур, нежели классических музыкальных тонов, ставших классикой в 70-80х годах. К счастью, большинство современных синтезаторов сочетают в себе сразу несколько типов и школ синтеза. Например, в легендарном Serum, помимо субтрактивного и аддитивного, также используются FM (Frequency Modulation) и таблично-волновой синтез. А Phase Plant предлагает еще и гранулярныйподход. О них мы тоже обязательно расскажем.

#tips Понимание различных методов измерения громкости — пикового уровня, RMS и LUFS — критически важно для создания качественных миксов. - Peak отражает максимальный уровень сигнала, указывая на самые громкие моменты в треке (как и True Peak). Однако, не дает представления о средней громкости сигнала. - RMS (Root Mean Square) измеряет уже среднее значение уровня громкости. Правда, RMS не учитывает особенности психоакустики, что может привести к неточной оценке реально воспринимаемой громкости. - LUFS (Loudness Units Full Scale) является современным стандартом измерения громкости, который учитывает физиологические особенности человеческого слуха. Благодаря этому, LUFS стал основным инструментом для нормализации громкости на всех стриминговых платформах. Так Spotify, Apple Music и YouTube, анализизируют LUFS и True Peak (должен быть -1db) ваших треков, и используют специальные алгоритмы для нормализации громкости, чтобы обеспечить единый и комфортный уровень звучания в плэйлисте. А вот тот же SoundCloud, например, этого не делает. Примерные рекомендации по уровням LUFS для различных жанров: • Rock: -10 LUFS. Обеспечивает баланс между громкостью и сохранением динамики • Pop: -8 LUFS. Чуть громче, чтобы выделяться в эфире • House: -9 LUFS. Сочетание динамики и плотности звучания • Techno: -8 LUFS. Высокая громкость с четкостью звука • Trance: -8 LUFS. Мощное и насыщенное звучание • Drum & Bass: -6 LUFS. Очень громкое звучание с минимальными паузами • Ambient: -14 LUFS. Широкий динамический диапазон для расслабленного восприятия Важно отметить, что эти значения являются ориентировочными, и выбор конкретного уровня LUFS зависит от вашего художественного замысла и требований конкретной платформы. Например, Spotify рекомендует целевой уровень громкости около -14 LUFS, в то время как Apple Music предпочитает -16 LUFS. Помните, что громкость не заменяет качества. Музыка с хорошей динамикой и выразительностью всегда звучит лучше, чем перегруженные треки с излишней компрессией. Так что доверяйтес своим ушам и ориентируйтесь на похожие референсы.

#tips Загрузка собственных семплов на Splice.com. Если вы давно мечтали стать саунд-дизайнером, у нас хорошая новость! Мы нашли форму, заполнив которую есть шанс продавать свои семпл или пресет-паки на Splice.com Контент должен соответствовать требованиям платформы. Если коротко: - Оригинальность: Весь контент должен быть новым и не лицензированным ранее - Соответствие техническим требованиям платформы - Точность описания: Профессиональное и аутентичное представление жанров и регионов - Инклюзивность: Уважение ко всем музыкантам, независимо от происхождения - Ценность для пользователей: Вдохновляющий, оригинальный и доступный контент Splice стремится создать экосистему, где креативность музыкантов и поставщиков звуков процветает. Контент включает аудиосемплы, пресеты, текстовые и визуальные материалы. Компания оставляет за собой право отклонять или ограничивать контент, не соответствующий принципам качества. Цель Splice - предоставить пользователям наиболее полный каталог высококачественного контента, способствующего творческому процессу.

#tips Хотите уметь создавать собственные экосистемы с помощью синтеза? Нашли отличное видео по звуковому дизайну природного окружения с использованием Ableton Live и Phase Plant. Автор подробно объясняет не только сам процесс создания, но и особенности подобных звуков. "В этом видео рассказывается о создании полностью синтезированного, процедурного/генеративного звукового пейзажа "Biota". Это инопланетная звуковая среда, которую я разработал в Ableton Live. Я подробно объясню, как генерировать различные геофизические и биологические звуки, а также обсудим другие аспекты создания звукового пейзажа." Подобные техники саунд-дизайна довольно активно используются уже многие годы в игровой индустрии - где звуки окружения генерируются синтезаторами в реальном времени (World of Tanks, GTA V и т.д.).

#tips Одной из основных фич в новой версии Ableton Live 12 стали встроенные MIDI инструменты для генерации идей. Каждый генератор это самостоятельная цепочка алгоритмов, которые умеют автоматически заполнять нотами любой MIDI-клип: Rhythm - создает готовые ритмические паттерны. Играя параметрами, можно перейти из сложных абстрактных рисунков в более привычные ритмы; Seed - генератор мелодических рисунков. Выбранный паттерн зависит от значения seed, что позволяет очень быстро экспериментировать с различными идеями; Shape- “фразировщик” мелодий, задающий контур или форму. Можно указать как ведут себя ноты: поднимаются, падают, или следуют какой-то иной траектории; Stacks - инструмент для генерации аккордов и интервалов. Будет особенно полезен тем, кто испытывает трудности с написанием гармонии; Euclidean - основанный на популярном алгоритме Евклида, этот инструмент умеет группировать ноты (или барабаны) в интересной ритмической манере, чаще всего применяемой в полиритмах; Это уже AI или еще нет? 👀