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​​VocesdePrimavera #JohannStrauss#AndréRieu VOCES DE PRIMAVERA Voces de Primavera (título original en alemán, Frühlingsstimmen), op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882. En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa. Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal. Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena. El vals se inicia en la tonalidad de si bemol mayor con ruidosos acordes, en un comienzo suave y melódico. La segunda sección invoca las alegrías de la primavera, con una escena pastoral en la que la flauta imita el canto de los pájaros. La tercera sección, en fa menor, quejumbrosa y dramática, parece sugerir la lluvia primaveral, mientras la cuarta rompe ese aire melancólico con una alegre melodía en la bemol mayor. En la coda, vuelve la melodía de la primera sección, tras la que se precipita el final con acordes de los metales en fortísimo sobre un redoble de timbale. Este vals de Strauss hijo ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia. Así por ejemplo, el grupo de actores cómicos estadounidenses, Los Tres Chiflados lo usaron en dos de sus cortometrajes: Micro-Phonies y Brideless Groom. También lo encontraremos formando parte de las bandas sonoras de películas como Carros de fuego o La gran ilusión de Jean Renoir. En 1976, Brian May lo utilizó para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen. @ClasicaAlAtardecer

#OrquestaJohannStrauss#Navidad#AndréRieu CONCIERTO DE NAVIDAD EN CASA CON ANDRÉ RIEU Ejecución:Orquesta de Johann Strauss Director: André Rieu Año: 2012 Repertorio: ▫️ 00:00 Introducción ▫️ 03:25 O Daughter of Zion ▫️ 06:15 White Christmas ▫️ 09:59 Sleigh Ride ▫️ 13:08 Old Toy Trains ▫️ 16:44 Walking in the Air ▫️ 22:23 December Lights ▫️ 27:38 Go Tell it On the Mountain ▫️ 30:03 Jingle Bells ▫️ 32:15 Winter Wonderland ▫️ 34:01 Christmas Rose ▫️ 37:56 The Holy City ▫️ 43:18 Ave Maria ▫️ 48:32 Sleep Little Jesus ▫️ 51:51 Hallelujah ▫️ 56:40 Silent Night Fuente: 🎼 @ClasicaAlAtardecer

#ElDanubioAzul#JohannStrauss#AndréRieu Título:El Danubio Azul Autor:Johann Strauss Interpretación: Orquesta de Johann Strauss - André Rieu Fuente:🎼 @ClasicaAlAtardecer

​​#ElDanubioAzul#JohannStrauss#AndréRieu EN EL BELLO DANUBIO AZUL El Danubio azul, o El bello Danubio azul op. 314, es un vals compuesto por Johann Strauss (hijo) en 1866. Para su célebre vals, Strauss se inspiró en un poema de Karl Beck que cantaba la belleza de Viena (o de una mujer) "a orillas del Danubio, el bello Danubio azul". En su estreno vienés, en 1867, el vals tuvo un éxito moderado (sólo se hizo un bis, muy poco para lo habitual en Strauss), pero cuando unas semanas después el propio compositor lo presentó en París el triunfo fue clamoroso. Pero fue en el extranjero, primero con motivo de la Exposición Universal de París de 1867, y unos meses más tarde en Londres, cuando El Danubio Azul comenzó a conquistar el mundo. Durante una gira estadounidense en 1872, Strauss dirigió El Danubio Azul al frente de 2 mil músicos y 20 mil coristas. Un siglo más tarde, fue la conquista del espacio. Stanley Kubrick integró el vals de Strauss en la banda sonora de su película 2001: Odisea del espacio (1968). La obra se identificaba tanto con Austria que el 27 de abril de 1945, cuando se proclamó la independencia tras la anexión alemana, se interpretó El Danubio Azul delante del parlamento, a falta de un himno nacional para la nueva república austríaca. Hoy, El Danubio Azul es considerada una de las piezas más populares de la música clásica. Las connotaciones sentimentales vienesas lo han convertido en el segundo himno nacional austriaco y es uno de los "bises" indiscutibles del Concierto de Año Nuevo de Viena. Es muy tradicional en Latinoamérica bailar un vals en las fiestas de boda y de XV Años, siendo El Danubio Azul la pieza más utilizada. @ClasicaAlAtardecer

#ElPadrino#NinoRota#AndréRieu Título:El Padrino Autor:Nino Rota Interpretación: André Rieu - Violin La Orquesta Johann Strauss Director: André Rieu Fuente:🎼 @ClasicaAlAtardecer

​​#ElPadrino#NinoRota#AndréRieu EL PADRINO Nino Rota firmó una de las partituras más recordadas de la historia del cine. Una composición evocadora, rebosante de pesadumbre y recuerdo. Una BSO inmortal. El compositor se quedó un tanto sorprendido cuando el director Francis Ford Coppola le llamó para, parafraseando al personaje de Marlon Brando, "hacerle una oferta que no podía rechazar". El italiano quiso ver antes el trabajo y el cineasta se fue hasta Italia (con el primer montaje, que duraba unas cinco horas). Rota aceptó el cargo. Fue idea del propio Coppola usar un vals para acompañar la personalidad de su personaje principal y la de su familia, dado que este baile se basa en movimientos circulares, una referencia a la espiral casi interminable de delitos en la que están envueltos los Corleone. El tema conocido también como el tema de amor, se había compuesto para 'Fortunella'. Dicha composición fue rescatada por Rota dado que iba perfecto para la historia, concretamente para ese viaje de Michael a Sicilia, el momento en el que Michael, un Corleone, se acerca a sus raíces, al inicio de todo. La música tenía que resaltar esa halo de tristeza, añoranza y legado de una estirpe. Lo característico de la famosa banda sonora, y sobre todo ese vals que se reitera a lo largo del metraje, es lo paradójico que resulta: es una música que evoca nostalgia. Rota traduce en su creación esa nostalgia de la relación padre-hijo. El vals para la cinta establece la naturaleza particular del poder de la familia Corleone: arraigado en una nostalgia perenne y en búsqueda de constante renovación. La película parece ser consciente de lo que depara el futuro, pero mientras Coppola hace que el público y los personajes de la película vayan descubriendo ese final, Rota da pistas a través de su tema principal. Es como si el Vals musitara la frase "Nunca quise esto para ti, Michael", antes de que el mismo Vito Corleone la pronuncie. La música por tanto funciona como nexo: ese vals se coloca entre las escenas que hacen la transición de padre a hijo, es un vínculo más de ambos personajes, señala el camino que recorrerá Michael hasta convertirse en el Don. Rota consiguió que ese legado mafioso se pudiera convertir en notas musicales. Todo lo que no se verbaliza en la película se hace melodía, como un apunte más de lo que le depara a Michael en su futuro. @ClasicaAlAtardecer

#VocesdePrimavera#JohannStrauss#AndréRieu Título:Voces de Primavera Autor: Johann Strauss II Interpretación: Orquesta de Johann Strauss - André Rieu Fuente:🎼 @ClasicaAlAtardecer

#OFortuna#CarminaBurana#AndréRieu Título:O Fortuna (Carmina Burana) Autor: Carl Orff Movimientos: 🎵Fortuna Emperatrix Mundi 🎵 Primo Vere 🎵 Uf Dem Anger 🎵 In Taberna 🎵 Cours Damour 🎵 Blanziflor et Helena 🎵 Fortuna Emperatrix Mundi Interpretación: Orquesta Sinfónica de Galicia Director: André Rieu Fuente:🎼 @ClasicaAlAtardecer

​​#OFortuna#CarminaBurana#AndréRieu O FORTUNA O Fortuna es un poema goliardo escrito en latín medieval a principios del siglo XIII que forma parte de la colección conocida como Cármina Burana. Carl Orff compuso Carmina Burana entre 1935 y 1936, apoyándose de 24 poemas del códice original que encontró Johann Christoph von Aretin en Benediktbeuern, Alemania en 1803. Carl Orff compuso la música, de inspiración medieval, con amplia cantidad de recursos: gran orquesta y coro, con melodías que contienen fuertes cambios de intensidad, impetuosos contrastes tímbricos -vocales e instrumentales-, y un uso destacado de instrumentos de percusión. La obra fue estrenada en 1937, en Frankfurt. Carmina Burana es una cantata escénica que pertenece a una trilogía que se encuentra dividida en tres actos: Catulli, Carmina, y El triunfo de Afrodita, donde Carmina es sin duda la más conocida. Carmina Burana significa literalmente "Cánticos de Beuran" (Carmina en latín significa "cánticos"). Los temas de los poemas son cantos al amor, a la naturaleza, al destino (como en el caso de ¡Oh, Fortuna!), a la bebida; contiene, también, danzas de los goliardos y cantos sacros. Todos ellos escritos en latín medieval mezclado con alemán antiguo y francés. Se dice que en la Edad Media eran cantados por los goliardos (monjes y estudiantes errantes) de aldea en aldea. Esta composición representa la lujuria, el poder, la vida y la muerte, el destino, los vicios, el deleite por la naturaleza, los deseos mundanos y la desesperación por pedir a la diosa de la Fortuna que tenga piedad e intervenga en el destino y felicidad del hombre. Todo lo cual se contrapone al pensamiento conservador de la época medieval, pues el propósito de la cantata es mantener una posición crítica frente a quienes ejercían el poder, como eran el clero y los reyes; y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de aquel tiempo. Carmina Burana está concebida en la forma musical “Cantata”, que traducido significa “Cantada”. Esta forma musical involucra a coros, solistas y orquesta, y la misma se puede concebir de manera sacra o profana. La forma Cantata posee un estilo similar al de la ópera italiana, la diferencia radica en que no existe mayor movimiento de escena en esta. En Carmina Burana, Orff se centraría en el ritmo y su expresión fundamental como elemento inherente y primitivo del ser humano. Carl Orff, para concebir Carmina Burana, escogería los temas centrados en la suerte inconstante, la estación de la primavera, el gusto por los placeres como el vino y la comida, y también los placeres sensuales. Esta composición posee una estructura melódica, armónica y rítmica bien compleja, influenciada además por la música atonal y el serialismo musical del siglo XX. La composición de Orff consta de 7 partes, donde la última es la repetición de la primera: 🎵Fortuna Emperatrix Mundi 🎵 Primo Vere 🎵 Uf Dem Anger 🎵 In Taberna 🎵 Cours Damour 🎵 Blanziflor et Helena 🎵 Fortuna Emperatrix Mundi La misma posee una estructura armónica y melódica compleja, y su atención central fue el de crear patrones rítmicos impresionantes y llamativos al espectador, con una ambientación sonora que prepararía el clima de la trama encontrada en su Lírica, que se centraría en el amor y el gusto por los placeres mundanos. La estructura de las partes de esta obra supone un ciclo que se repite, ya que el final es el principio mismo, es decir, la vida misma. @ClasicaAlAtardecer

#OrquestaJohannStrauss#AñoNuevo#AndréRieu CONCIERTO DE NAVIDAD EN CASA CON ANDRÉ RIEU Ejecución:Orquesta de Johann Strauss Director: André Rieu Año: 2012 Repertorio: ▫️ 00:00 Introducción ▫️ 03:25 O Daughter of Zion ▫️ 06:15 White Christmas ▫️ 09:59 Sleigh Ride ▫️ 13:08 Old Toy Trains ▫️ 16:44 Walking in the Air ▫️ 22:23 December Lights ▫️ 27:38 Go Tell it On the Mountain ▫️ 30:03 Jingle Bells ▫️ 32:15 Winter Wonderland ▫️ 34:01 Christmas Rose ▫️ 37:56 The Holy City ▫️ 43:18 Ave Maria ▫️ 48:32 Sleep Little Jesus ▫️ 51:51 Hallelujah ▫️ 56:40 Silent Night Fuente: 🎼 @ClasicaAlAtardecer

#OMioBabbinoCaro#GiacomoPuccini#AndréRieu#MicaelaOeste Título:O Mio Babbino Caro Autor:Giacomo Puccini Interpretación: Orquesta de Johann Strauss - André Rieu - Micaëla Oeste Fuente:🎼 @ClasicaAlAtardecer

#TheLonelyShepherd#JamesLast#AndréRieu#GheorgheZamfir Título:The Lonely Shepherd Autor:James Last Interpretación: Orquesta de Johann Strauss - André Rieu - Gheorghe Zamfir Fuente: 🎼 @ClasicaAlAtardecer