Найти похожее

Мы запускаем одну из наших основных рубрик — туториалы от российских креаторов! Раз в несколько дней Request будет предоставлять слово одному из представителей креативной индустрии, чтобы научиться новому на языке практика совершенно бесплатно. Наши спецы сами выбирают формат и тему, которой они хотели бы поделиться с подписчиками. Сегодня мы делимся статьей иллюстратора Даниила Илиминского про определение светотени на рисунке с помощью шкалы Ламберта. Художник простым языком рассказывает о настоящем проценте падающего света при наклоне поверхности — прямо сейчас это самый доступный для художников русскоязычный материал. Изучаем! Читать статью #re_tutorials #re_txt 😈Подписаться | Предложить пост

Обязательная классика на канале — туториалы по pixel art от игрового художника Педро Медейроса. В своем (огромном) сборнике Педро рассказывает, как правильно подбирать палитру, определять свет, формы и движения для пиксельных анимаций, а также находить нестандартные художественные решения. Весь сборник на сайте #re_tutorials 😈Подписаться | Предложить пост

Сегодня делимся курсом по практической композиции от Стефана Вута. Художник рассказывает, как с помощью абстрактных миниатюр и тональных пятен можно определить композицию для будущего произведения. Данному способу посвящены первые три части курса. Бесплатно для пользователей на ArtStation #re_tutorials 😈Подписаться | Предложить пост

Cнова туториалы для любимых 2D-художников. Великий Joel Dos Reis Viegas, концепт-художник и арт-директор Ubisoft, записал небольшой курс (1 час) о том, как рисовать персонажей в динамике и с динамичными ракурсами. Весь курс на английском языке, но если вы его не практикуете, советуем включить синхронный перевод. Для зарегистрированных пользователей на ArtStation #re_tutorials 😈Подписаться | Предложить пост

Объединение сетки в Blender от Александра Айвака. #re_tutorials 😈Подписаться | Предложить пост

✋✋Погадаем после праздников? Предсказываем тренды в цифровом искусстве на 2026 год: 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 Цифровое искусство само по себе связано с гибридными медиумами, так как создается с помощью множественных инструментов (вроде кода, софта, мыши и т.д.), но в этом году особенно ярко почувствуется нужда в экспериментах с носителями, экспонированием и любым физическим воплощением. Прошло достаточно времени, чтобы понять, что сама суть этой гибридности может отражаться в направлении работы, а мода на исследования это только развивает В общем: даже самые красивые рендеры и качественный ИИ редко отражают глубину задумки, так как сюжетные истории становятся менее актуальными. Обращаем внимание на работы, вскрывающие и критикующие суть своего существования, экспериментирующие с физическими инструментами. Похожее писали здесь 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 🔮🔮🔮🔮🔮🔮 Во многих теоретических и художественных контекстах произведение перестаёт рассматриваться как автономная и завершённая единица, оно становится звеном одной цепи творческого процесса. Художник всё чаще выступает как канал с трансляцией своего исследования, выбора подхода, создания, трудностей, мыслей и фиксирования всего этого в тексте или ролике для соц.сетей Мы видим рост практик, которые сознательно демистифицируют технологию. Художники публикуют training logs, описывают свои пайплайны, работают с собственными датасетами, обращаются к теме невидимого труда В общем: кто-то поймет это как важность фиксирования процесса создания работы для своей аудитории в соц.сетях, кто-то поймет это как категоричную смену подхода к творчеству, которое теперь должно обрастать небольшими целями и множественными процессами с двух сторон. И все будут правы: художник — это медиа, а не инфлюенсер 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 Алгоритмическая меланхолия и усталость от навязчивых продаж берут верх: доступность и видимость больше не увеличивают значимость. Здесь мы объединяем две общие похожие тенденции в одну, чтобы не уйти в анализ социальных явлений: (1) лучшая стратегия — нерегулярность, паузы и создание дефицита, (2) переоценка глобального арт-рынка и массовое закрытие галерей. Западные критики предлагают уйти в невидимость, но важно учитывать множество тенденций (свои сообщества + художник — медиа). Поэтому мы скорее ставим на популярность и качественность небольших артист-ран-спейсов, локальных неофициальных выставок, закрытые круги при институциях, арт-групп и тусовок В общем: сильный хайп вне соц.сетей не дает больше профита, чем его отсутствие. Продажа искусства "своим" без галерей всё ещё идёт проще 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 🔮🔮🔮🔮🔮 Тут наблюдается тенденция на генеративный арт с простыми формами и символами в духе 90-х, возвращение net art и работы с интернет архивами. Всё это поддерживается и институциями, например, New Museum в Нью-Йорке Да и ИИ уже достаточно долго с нами, чтобы вспомнить о том, как всё начиналось. Многие художники с ростом популярности идеальных гиперреалистичных картинок всё чаще предпочитают обращаться к фрактальным цветным образам и работе напрямую с собственными алгоритмами В общем: мода на Web1 трансформировалась из diy дизайнов в настоящую ностальгию, но теперь требует глубокой работы со смыслами и архивами 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮🔮 Анализ дискурса об AI-искусстве показывает перенасыщенность футуристическими нарративами — постоянным обещанием того, что будет дальше. В ответ художники отказываются от спекуляций о будущем и работают с настоящим моментом или архаикой: текущими конфликтами, несовершенством технологий и их последствиями здесь и сейчас. Происходит заражение новой искренностью от традиционного искусства, которое последние годы акцентировало внимание на чувствах и эмоциях в моменте В общем: цифровое искусство в 2026 всё реже обещает будущее и всё чаще обращается к прошлому или документирует настоящее #re_txt

да, мы не осуждаем художников, поэтому выпускаем руководство Как работать с художником, который всегда сдаёт работу на грани дедлайна 💥💥1. Понимание индивидуальной 💥💥рабочей траектории 📁📁 Во многих креативных профессиях авторы зачастую игнорируют календарную логику, опираясь на внутренние ощущения о ходе работы. Это не всегда означает хаос и несобранность: у некоторых специалистов этапы подготовка–сборка–финал идут плотными блоками ближе к сроку. Наблюдение за этой траекторией даёт больше, чем попытка стандартизировать процесс под единый шаблон 💥💥2. Настройка структуры 💥💥под реальную практику Исследователи художественного и творческого производства вроде Харальда Зеемана или Клер Бишоп много писали о том, что качественный результат зависит от точной настройки условий. В работе с авторами это означает, что структура должна быть гибкой, но понятной. Избегайте давления и давайте ясную рамку, в которой все участники знают очередность шагов и зоны ответственности 💥💥3. Короткие циклы связи 💥💥вместо больших отчётов Творческие проекты лучше собираются через короткие и регулярные обновления: черновой вариант, быстрая демонстрация, промежуточная версия макета, небольшой отрывок анимации. Такой режим снижает риск расхождений и позволяет корректировать направление на ранних этапах. Он же создаёт рабочий ритм, который не конфликтует с индивидуальной скоростью автора 💥💥4. Резерв времени — 💥💥часть планирования Во всех сегментах индустрии — от дизайна до выставочных проектов — финальные правки появляются ближе к окончанию производства. Это, к сожалению, естественный этап. Поэтому в графике должен быть предусмотрен резерв, который никому не афишируется и не перегружает участников. Мы не называем это «запасом на форс-мажоры», а относимся к такому времени как к инструменту точного планирования 💥💥5. Сопровождение 💥💥вместо контроля Продюсер или арт-директор уже давно не исполняет роль «надзирателя за сроками». Более эффективная модель — это партнёрское сопровождение: участие на ключевых этапах, помощь с организацией среды, синхронизация команды и автора. Да, чаще это означает постоянные созвоны и попыткой разобраться во всём вместе, но именно такой подход снижает напряжение и создаёт условия, в которых проект развивается устойчиво и предсказуемо 💥💥6. Сборка проекта — 💥💥общая ответственность Надёжность процесса строится на распределённой ответственности: автор отвечает за содержание, продюсер — за структуру, команда — за производственные шаги. Когда это проговорено заранее, финал проекта перестаёт быть точкой нервного напряжения и становится рабочим этапом, где у каждого есть чёткая зона действий. Такая система держит даже сложные проекты спокойно, без лишних перегрузок и без драматизации в финале. И, возможно, самое важное напоминание здесь — не стремиться подгонять всех под один ритм, а создать условия, в которых разные ритмы собираются в работающую систему. Удачи! 🗑️🗑️🗑️ 🗑️🗑️🗑️ 🗑️🗑️🗑️ #re_txt

😖😖😖😖😖😖😖😖😖 😖😖😖😖😖😖😖😖😖😖😖 😖😖😖😖😖😖😖😖😖😖😖 ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀как работать в среде алгоритмов 1. Визуальная ценность Благодаря развитому формату коротких видео, изображение стало объектом оценки. Внимание теперь измеряется секундами, и за это время работа должна быть распознана как значимая. Ценность искусства внутри социальных сетей формируется не столько концепцией или техникой, сколько способностью работать в условиях визуальной перегрузки. Произведение должно быть мгновенно считываемым, иметь ясную структуру и способность к самоутверждению в потоке Эта логика формирует новую экономику внимания. Художественный успех тех, кто выбрал продвижение через ленту, определяется скоростью отклика онлайн-зрителя 2. Эстетика эффективности Принято считать, что художественное производство в рамках произведения контента подчинено принципам визуальной эффективности. Стратегию видимости художника-блогера образуют простота образов, популярные звуки, мемы и узнаваемый стиль. Работа проектируется с учётом формата и среды: для ленты и 16:9 В этом случае сам процесс создания как-то плавно смещается от идеи к изображению. Художник должен учитывать алгоритмическую структуру восприятия, вынуждено загоняя себя в визуальные и идейные рамки 3. Всё зависит от алгоритма Алгоритмы определяют, какие изображения будут видимы, а какие останутся вне поля внимания потенциального зрителя. Критерии выбора здесь основаны, к сожалению, не на содержании, а на вероятности вовлечения. Алгоритм анализирует поведение зрителя и формирует визуальные ряды Эта система влияет на сам процесс творчества. Зная, какие форматы получают больший отклик, художники адаптируют под это свою практику, не учитывая скорость изменчивости таких форматов. В результате творчество существует в режиме постоянного самокорректирующего отбора и такой формат продвижения довольно быстро ведет к выгоранию за счет несоразмерности вложенных ресурсов и итогового выхлопа 4. Совершенство Когда произведение становится слишком выверенным, трендовым и правильным с точки зрения создания контента, оно теряет глубину восприятия. Изображение, полностью соответствующее визуальному стандарту коротких роликов, не может создать у зрителя внутреннее напряжение. Оно выполняет свою функцию, но не вызывает переживания Eсли ваша художественная практика изначально работает по другому принципу, то не нужно ее ломать. Не загоняйте в рамки то, что отвечает внутреннему творческому запросу 5. Несовершенство Помните, что именно в несовершенстве, в неидеальной форме сохраняется возможность отклика. Там, где работа не соответствует логике алгоритма, возникает пространство для внимания. Искусство сохраняет смысл, пока допускает неопределённость Репрезентуйте своё искусство, не теряя собственного видения и мнения. Любые инструменты продвижения хорошо работают в симбиозе с другими. Важнее сохранять творческую индивидуальность #re_txt⠀

🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵 🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵 🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵🫵 что это? Термин описывает физическое искусство 20-х, выросшее из алгоритмической среды. Это живопись, скульптура, объекты, которые переносят в материальный мир визуальные паттерны соцсетей — от «core»-эстетик (angelcore, weirdcore, coquette) до вирусных мемов и трендовых цветовых схем Эти работы вы уже встречаете на ярмарках, в галереях и институциях и они напоминают стильный контент из вашей For You Page в чем суть? Маршалл Маклюэн писал, что медиа меняют само содержание, а не только способ передачи Шошана Зубофф в свою очередь отмечала, что алгоритмы соцсетей формируют наши желания, а не просто угадывают их Художники сейчас сами являются частью аудитории в тех же потоках рекомендаций. Их вкус тоже рождается внутри ленты и художественная практика часто становится материальным продолжением личного скролла как распознать? ✱ TikTok/Tumblr vibes; ✱ опора на «core»-эстетики и быструю моду; ✱ темп производства, синхронный с жизнью трендов; ✱ гибридный рынок — от NFT (так как цифровые художники часто стараются реализоваться внутри сети) до институциональных выставок (так как интернет-эстетики в конце 10-х стали частью массовой культуры). на этой неделе мы рассмотрим работы и художников, созданных (и собранных) из ленты рекомендаций #re_txt

⠀⠀⠀Неочевидные факты из истории развития медиаискусства в рубрике >> История: AV начался с осциллографа. В 1950-х художники подключали к нему звук и наблюдали, как синусоиды превращаются в визуальные формы. Это были первые эксперименты, где изображение рождалось напрямую из аудиосигнала. Да, за десятилетия до цифровых экранов и VJ-культуры ^ Погружаем в контекст В посте: @ProtoG42,@jfitzmanmusic #re_txt

⠀⠀⠀Неочевидные факты из истории развития цифрового и медиаискусства в рубрике >> История: Всего 10 лет назад были найдены оригинальные цифровые портреты Энди Уорхола, которые он рисовал с помощью компьютерной мыши на первом мультимедийном компьютере Amiga 1000. Эти работы долго считались утерянными, а последний нашли только в 2024 году. Да, Энди — один из первых диджитал-художников ^ Погружаем в контекст #re_txt

⠀Статья : << Как создать интерактивную инсталляцию 📺📺📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺📺📺 📺📺📺📺📺📺📺📺 Этот текст будет полезен художникам и командам художников, которые мечтают делать масштаб, но пока не знакомы с точным пайплайном для создания инсталляций. Обращаем внимание, что речь пойдет, в первую очередь, об интерактивной части идеи и о том, как её правильно сопровождать. ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀ЧИТАТЬ #re_txt