Bidibidobidiboo

Вы знаете, что уже два года мы с Simply делаем выставки не как институциональные проекты, а как напоминание: искусство – это центр повседневной жизни, а не периферия. Оно создаёт атмосферу, смыслы, помогает чувствовать и рефлексировать. Серию про балет Настя Медведева писала специально для этого проекта, хотя первое обращение к теме было несколько лет назад. Когда работы были готовы, я долго искала название. Хотелось не термина и не красивой метафоры, а слова, которое обнажает. Адажио в балете – это упражнение, где нельзя спрятаться. Никакой скорости, никакого эффекта. Только способность удержать себя в моменте: не рассыпаться, не поторопиться, остаться верной форме, когда тело уже хочет остановиться. Смотря на картины, я понимала: Настя видит балерину не так, как смотрит зрительный зал. Зал видит результат: отточенный, невесомый, сияющий. Она видит то, что этому предшествует. То, что остаётся за кулисами любого совершенства. В её холстах живёт не хрупкость, а собранность, не мечта о полёте, а ежедневный труд, благодаря которому полёт однажды становится возможен. Эта серия – про цену невесомости. Про то, что плавность рождается из сопротивления, равновесие – из напряжения, а красота – не как дар, а как структура, выстроенная изнутри. И ещё – про каждую из нас. Про ту тихую силу, которая не нуждается в том, чтобы её заметили. Которая живёт не в жесте, а в способности этот жест повторять снова и снова, не теряя в нём себя. «Адажио» – не выставка о балете. Это выставка о современной женщине, которая умеет держать равновесие в мире, требующем от неё одновременно нежности и выносливости, лёгкости и труда. У меня была именно такая ассоциация. Интересно, какая будет у вас).

Друзья, хочу поделиться). Собралась и подготовила лекцию о жизни и творчестве Василия Верещагина. Василий Верещагин был художником мирового масштаба: его выставки становились событиями в России, Европе и Америке, его знали, обсуждали, критиковали, им восхищались. Но за этим триумфом стояла удивительная и противоречивая судьба человека, который видел больше, чем хотел видеть зритель. «Светлая, правдивая личность. Я не представляю себе русскую живопись без Верещагина», – говорил о нём Жан-Леон Жером, один из самых знаменитых французских художников XIX века. Верещагин объездил полмира: Средняя Азия, Индия, Палестина, Япония. Он отправлялся туда не за экзотикой, а за правдой – за лицами, светом, воздухом, за живой тканью мира. Он умел смотреть на «чужую» культуру не свысока, а внимательно, с уважением и почти документальной точностью. И при этом дома его ждали жена и дети. Он знал, как пахнет утро в собственном саду, как звучит детский смех, как выглядит счастье в самом простом, человеческом виде. Рядом с ним часто была жена Лидия – спутница, участница экспедиций, свидетельница его странствий. В этом и есть главный нерв его искусства: Верещагин писал огромный мир глазами человека, которому было что терять. Поэтому его картины – не холодные исторические сцены, а напряжённые письма из реальности. В них есть масштаб империй, дальние страны, сила пути и одновременно невероятная бережность к человеческой жизни. На лекции Юлия Климко расскажет о Верещагине через его путешествия, любовь, семью, славу, внутреннюю независимость и картины, которые сделали его одним из самых узнаваемых русских художников в мире. Это будет разговор о художнике, который добился триумфа,но заплатил за него правом видеть правду острее других. Билеты по ссылке: https://kino.vl.ru/films/73549/#seanceId=MTE3NTE7MzIxODQ7MjAyNi0wNi0wNCAxOTowMDowMDs3MzU0OQ==

Друзья, мы давно обсуждаем, как сделать так, чтобы художники Дальнего Востока получили надежный выход на арт-рынок. Не просто выставку ради выставки, а реальную возможность продавать, быть замеченными, войти в профессиональную среду. И вот — это случается. В мае на форуме креативных индустрий «Создано на Дальнем Востоке» в Улан-Удэ мы запускаем «Дальневосточный арт-рынок» — первую межрегиональную площадку, где работы художников ДФО можно будет не только увидеть, но и купить. Плюс цифровой каталог, показы на экранах форума и постоянный раздел на платформе Bizar. Для многих это может стать первым настоящим шагом в рынок. Участие бесплатное. Отбор кураторский. До 5 работ. Заявки — до 15 мая. 👉https://forms.yandex.ru/u/69fb639484227c001a1c2209 Если вы художник из ДФО, подавайтесь. Если знаете таких, поделитесь. И можно написать мне в личку, расскажу об условиях сотрудничества с Bizar.

Друзья, хочу пригласить вас поговорить о творчестве художников, которых сама очень люблю. 30 апреля в 19:00 в Уссури состоится лекция «Неповторимый или незаменимый: Дюрер и Кранах». Есть два способа добиться того, чтобы тебя запомнили.Первый — стать настолько уникальным, что тебя невозможно скопировать. Второй — стать настолько нужным, что без тебя невозможно обойтись. Эти две стратегии придумали не в Кремниевой долине и не в эпоху личных брендов. Их придумали пятьсот лет назад два художника, которые жили в одно время, дышали одним воздухом и выбрали абсолютно противоположные пути. Один из них написал автопортрет, который до сих пор вызывает лёгкое беспокойство. Он смотрит на вас в упор,спокойно, почти надменно, и вы чувствуете: этот человек знал себе цену. Его звали Альбрехт Дюрер, и он первым в истории превратил своё имя в гарантию качества. Фактически — в бренд. Другой не тратил время на самолюбование. Он выстроил мастерскую, которая работала как машина, наладил связи при дворе, дружил с Мартином Лютером, открыл аптеку и типографию, и создал визуальный язык, которым говорила целая эпоха. Его звали Лукас Кранах Старший, и о нём знают в десять раз меньше, хотя его картин написано в сотни раз больше. Кто из них был прав? Этот вопрос неожиданно острый,потому что он про каждого из нас. Про то, как мы строим карьеру, репутацию, отношения. Быть незаменимым или быть неповторимым. Уходить в глубину или расширять присутствие. Искусствовед Юлия Климко разбирает эти два сценария, через биографии, через картины, через детали, которые обычно остаются за кадром учебников. Это не только лекция для тех, кто разбирается в живописи. Это разговор для тех, кто думает о том, как прожить свою жизнь ярко и наполненно. Билеты доступны по ссылке: https://illuzion.ru/tickets/seats?showId=uss_238904

Мне лестно, что Александр Куликов решил написать про выставку «Столкновение», и вчера был такой приятный разговор, что не могу не поделиться этим. И заодно приведу небольшое стихотворением Александра: Ничего не говори! Ничего не говори! Все, что нам сегодня надо, — Помолчать немного рядом. В мире птичьих голосов Все понятно и без слов, С полувздоха, с полувзгляда, С полутрепета внутри От тепла ли, от прохлады... Ничего не говори! Может, завтра все иначе Будет, как и быть должно... Что ж, наверно, не заплачу, Просто посмотрю в окно. На закат, который начат Был вчера строкой зари... Что ж, подальше в память спрячу День вчерашний — на удачу. Ничего не говори!

Друзья, хочу пригласить вас на открытие выставки, которая стала для меня по-настоящему важной как для куратора. Не потому, что художники представляют новые работы. И не только потому, что сама экспозиция получается сильной и визуально эффектной. Эта выставка важна, потому что она касается истории приморской школы живописи - через очень точный и в то же время рискованный фокус: абстракцию и обнажённую натуру. На первый взгляд, это несовместимые вещи. Обнажённая натура — основа академического рисунка, школа формы, точка отсчёта для понимания тела и пространства. Абстракция — язык XX века, в котором живопись освобождается от фигуры и начинает говорить через цвет, ритм и материю. Но выставка «Столкновение» как раз о другом. О той неожиданной встрече, которая меняет ход вещей. В приморской школе этот диалог особенно выразителен: линия ню, идущая от Вениамина Гончаренко и Кирилла Шебеко, и линия абстракции - от Александра Пыркова и Геннадия Омельченко. Начиная с середины XIX века, обнажённая натура сама начинает трансформироваться: жёсткая форма распадается, линия теряет границу, тело перестаёт быть только объектом и становится процессом. И в какой-то момент ню начинает двигаться в сторону абстракции. Мне кажется, особенно важно увидеть эту трансформацию здесь, внутри приморской школы, рядом с работами иностранных авторов, которые включены в экспозицию для точного и наглядного сопоставления. Это выставка не про противопоставление. Это выставка про сближение. Выставка посвящена одному из самых напряжённых и плодотворных диалогов в истории искусства — встрече фигуративного и абстрактного, тела и живописной материи, образа и фактуры. 📍 9 апреля 2026 года, 17:00 📍 Владивосток, ул. Алеутская, 14а, Залы Приморского отделения ВТОО «Союз художников России». Открытие выставки «Столкновение». Очень жду встречи со всеми, чтобы обсудить ваши впечатления). Выставка 18+

Что-то ностальгическое есть в этих фото… Когда-то после открытия выставок мы шли в Муншайн. А эту выставку я особенно хорошо помню). Это был мой кураторский проект с художником 13 лет назад, назывался он «Стихия», такие деликатные объекты получились. И я ждала Веронику Стахееву, а она меня сфотографировала через окно… и я до сих пор считаю, что это самая красивая персоналка Олега Батухтина была ☺️

Пару часов назад стало известно, что ушла из жизни Любовь Берчанская. Журналист, которая много писала о культуре: о выставках, художниках, событиях. И писала не формально, а с собственным взглядом, с вниманием и глубиной. Мы не дружили и не были слишком близко знакомы, но при встречах почти всегда останавливались поговорить, обменяться мыслями или своими ощущениями, просто относительно жизни. В позапрошлом году встретились на премьере фильма «9 секунд». Вышли обе со слезами на глазах и, увидев друг друга, улыбнулись, как будто поняли без слов, что одинаково отреагировали на эту историю, случившуюся в нашем городе. Очень простая, но почему-то важная для меня сцена. А несколько месяцев назад пересеклись в библиотеке на презентации картины, которая теперь украшает читательские билеты. Люба увидела удивление в моих глазах и прямо сказала, что ей диагностировали рак. Есть люди, с которыми ты живёшь в одном поле. Даже если не общаешься часто. И когда они уходят, это очень чувствуется. Наверное, это ещё одно напоминание о том, как важно замечать друг друга, поддерживать и не проходить мимо.

Ещё один эпизод третьего дня поездки складывался как цепочка едва уловимых совпадений, которые только к вечеру начали обретать форму. Утром мы были на Art Basel Hong Kong, и одной из остановок стала работа Де Кирико, посвящённая Венеции, поздний период, не самый типичный для него сюжет, в котором, художник сосредоточился на образе города как пространстве памяти. Директор галереи обратила внимание на Венецию как на город, встроенный в систему арт-мира благодаря Венецианской биеннале. И в этом прочтении картина обретает контекст, в котором продолжается история искусства, а с другой стороны, в ней автор отдает дань уважения Каналетто, с его вниманием к архитектуре и свету. Другими словами, утром мы задержались у этой работы чуть дольше, соответственно зафиксировали её в памяти крепко). А вечером наш день продолжился в частном музее Guwei, куда мы отправились по приглашению Виктора Моисейкина. Именно там состоялось знакомство с Франко Кутрупиа, основателем музея и бывшим президентом Итальянской торговой палаты в Китае, человеком, в котором опыт большого бизнеса органично переплетается с ролью мецената. Он говорил о русской культуре с таким уважением, что невольно захотелось понять глубину этого знания, и разговор естественно развернулся в сторону его личного опыта. И тогда, почти между прочим, выяснилось, что именно он приобрёл ту самую работу Де Кирико, у которой мы задержались утром, и не просто приобрёл, а соединил её в своей коллекции с произведением Хуан Юнюя, который также обращался к образу Венеции, но делал это, используя другую культурную оптику. И в этот момент утреннее впечатление обрело продолжение, как если бы между двумя эпизодами дня выстроилась невидимая линия, соединяющая выбор коллекционера и случайность встречи. Именно из таких, на первый взгляд, незначительных совпадений и складывается большая картина, которая буквально открывает новые миры).

Расскажу несколько точечных историй, которые оставляют приятное послевкусие и ощущение, что мы всё успели в Гонконге. Например, предаукционная выставка Christie’s. Это особое пространство, не совсем выставка, но и не прямая продажа произведений. Состояние между. Когда работы ещё не разошлись по коллекциям, но уже несут на себе напряжение будущей сделки :). Я бы сказала, что это особое состояние: смотришь на работу и понимаешь, что она здесь ненадолго. Есть ожидание, что кто-то вскоре будет ей обладать, но неизвестно кто именно. Есть цена, которая пока ещё не произнесена вслух. В этом и есть парадокс предаукционных показов: они максимально открыты и одновременно предельно закрыты. Это, пожалуй, самое ценное: короткое состояние доступа. Когда ты находишься внутри процесса, который обычно виден только в финальной точке на торгах. В следующий раз пойдем снова 😎. К слову, позавчера 100% лотов было продано

Друзья, и еще один анонс встречи. В рамках выставки «Богу богово» 15 марта 2026 г. (воскресенье) в 16:00 в ЦСИ "Артэтаж" состоится открытая дискуссия о перформансе, одном из самых живых языков современного искусства. Мы живём в мире, где почти всё можно увидеть через экран. Опыт всё чаще заменяется изображением, присутствие — трансляцией, а тело — аватаром. На этом фоне перформанс кажется странным и почти устаревшим жестом. И всё же именно он сегодня остаётся пространством, где искусство возвращает себе реальное присутствие, время и тело. Разговор будет не столько о жанре, сколько о способе существования искусства в современной реальности. Мы обсудим: 1. почему художники всё чаще отказываются от объекта в пользу действия? 2. что сегодня означает жест, присутствие и телесный опыт? 3. может ли перформанс быть формой сопротивления эпохе симуляций? 4. почему именно перформативные практики становятся точкой встречи искусства, философии и социальной реальности? Участники Наталья Малкова – философ Светлана Руснак – искусствовед Таня Олгесашвили-Каганская – художник-практик Юлия Климко – модератор, искусствовед и куратор выставки.

Друзья, небольшой анонс кураторской экскурсии и встречи с молодыми художниками в рамках выставки «Письма из будущего». Каждый художник, создавая работу, на самом деле пишет письмо. Письмо в будущее. Иногда оно зашифровано в линиях, знаках, цвете. Иногда – в интонации, в жесте, в той мысли, которую невозможно произнести словами. Выставка «Письма из будущего» – это попытка увидеть искусство как язык посланий: о времени, о человеке, о мире, который все еще формируется. В рамках выставки состоится кураторская экскурсия Юлии Климко и встреча с молодыми художниками. Это будет не лекция и не формальная встреча. Это разговор о том, как рождаются художественные идеи, как формируется выставка, почему сегодня особенно важно искать собственный художественный язык и что значит быть художником в мире, который меняется так быстро. Мы приглашаем молодых художников, студентов, тех, кто только начинает свой путь и тех, кто уже ищет новые смыслы в искусстве. Возможно, эта встреча станет местом, где появятся новые вопросы, новые знакомства и новые идеи. Потому что искусство всегда начинается с одного простого действия: кто-то решает написать своё письмо в будущее. 13 марта 2026 г. в 17:00 Галерея «Арка» Светланская, 5