Bidibidobidiboo

Друзья, всех с наступающим праздником, который у меня ассоциируется с ценностью женщины и необходимостью чувствовать ее присутсвие в жизни). Именно поэтому темой новой лекции в кинотеатре "Уссури" будут Музы. История искусства привыкла направлять свет на художника. Мы знаем его биографию, его манифесты, его кризисы и победы. Но искусство почти никогда не рождается в одиночестве. Муза — не украшение судьбы и не сноска в каталоге. Это тихая энергия, которая незаметно меняет направление стиля, темперамент линии, плотность цвета. Так, Ольга Хохлова принесла в мир Пикассо ясность и классическую строгость, вместе с ней появилась дистанция, холодный свет формы. Эмилия Флёге была рядом с Климтом как равная по вкусу и чувству модерна: её линия, её текстиль, её ощущение ритма будто растворились в золотой орнаментальности его полотен. Лидия Делекторская стала для Матисса не просто моделью, а присутствием, которое поддержало его в поздний, почти аскетический период, когда цвет становился тишиной. Иногда муза превращается в стиль эпохи, как Кики де Монпарнас, чьё лицо стало дыханием Монпарнаса. Иногда — в легенду с привкусом утраты, как Элизабет Сиддал, исчезнувшая внутри прерафаэлитской мечты. Иногда — в самостоятельную силу, как Сюзанна Валадон или Викторина Мёран, шагнувшие из роли модели в пространство автора. Есть музы, которые выбирают гениев, словно чувствуя их ещё до славы, как Альма Малер. Есть те, кто превращает вдохновение в соавторство, как Йоко Оно. Есть и те, кто остаётся в тени, как Роза Бёре, прожившая долгую жизнь рядом с Роденом, не требуя аплодисментов. Муза — это не обязательно страсть. Иногда это выдержка. Стратегия. Молчаливое служение. Иногда — тонкая власть. Цена вдохновения не измеряется только созданными шедеврами. Она измеряется временем, которое отдаётся другому таланту. Теплом или холодом личной истории. Степенью видимости или почти полной прозрачности. Лекция «Музы: цена вдохновения» — это не разговор о романтическом мифе. Это попытка услышать вторую линию истории искусства. Увидеть, как меняется живопись, когда рядом с художником появляется конкретная женщина, со своим характером, вкусом, интонацией, болью. И, возможно, почувствовать, что муза — это не роль и не украшение. Это особая форма присутствия. Та, без которой искусство звучало бы иначе. Дата и время: 19 марта 2026, 19:00 Билеты по ссылке: https://illuzion.ru/tickets/seats?showId=uss_237573

Друзья, хочу пригласить вас на открытие выставки, которую я курировала. Она стала для меня особенной по нескольким причинам - они все в основном личные). Итак, 27 февраля в 17:00 в залах ЦСИ «Артэтаж (ул. Фокина) состоится открытие выставки Екатерины Михайловой «Богу богово». Проект задумывался как цельное пространственное высказывание, а стал выставкой памяти, где важнее не реконструкция замысла, а бережное сохранение того, что успело сложиться в творческое наследие художницы: тем, образов, интонаций и вопросов, к которым Екатерина возвращалась в своей работе. Изначально проект мыслился как движение внутри условного храма, олицетворяющего собой модель мира. Пространство выставки выстраивалось вокруг идеи храма как точки встречи внешнего и внутреннего, человеческого и большего, чем человек. Это должен был быть путь не к готовому ответу, а к усилению самого вопроса об ответственности и смысле жизни человека. После ухода художницы выставка поменяла оптику и стала пространством памяти. Однако это не мемориальный жест и не итог. Напротив, выставка «Богу богово» раскрывается как живой, многоголосый проект, где сосуществуют разные периоды, техники и регистры авторской практики. Здесь нет одной интонации, как и в настоящем храме, здесь звучит хор. Через живопись, керамику, текст и символ автор размышляла о жизни и смерти, любви и утрате, служении, времени и природе – о том, как человек пытается выстоять в мире перемен. Экспозиция объединяет разные художественные языки: от пленэрных пейзажей Приморья до символических и почти иконных образов, от исторических и архетипических сюжетов до натюрмортов, керамики и незавершённых работ. Эта разностильность не случайна: в практике Екатерины идея всегда выбирала медиум, а не наоборот. Выставка показывает не «систему», а траекторию – путь художницы, её рост, поиски и внутреннюю честность.

Сегодня я спланировала свой день так, чтобы усталость к вечеру просто захлестнула бы меня. Такая хорошая результативная суета… С другой стороны, в Арке почти сделана экспозиция работ Лены Фургал, потом в одну мастерскую картины вернулись, из другой картины уехали в кафе Симпли, где завтра уже будет другая атмосфера. И так случилось, что мастерская Сергея Горбачева, картины которого до этого были в Симпли, находится напротив мастерской Жени Пихтовникова, работы которого переместились в кафе). Сижу теперь, смеюсь с их шуток 😎))

Понедельник обычно начинается с планирования недели. Поэтому, чтобы никто не забыл: в среду 18.02 в 17:00 в галерее «Арка» открывается персональная выставка Елены Фургал. Лена проделала огромную работу, чтобы эта выставка случилась. И у меня самой сердце уже начинает биться быстрее, думаю, каждому куратору знакомо это состояние перед открытием. К выставке написана большая статья, поэтому приведу небольшую выжимку: Персональная выставка Елены Фургал «Письма из будущего» объединяет графические работы, выполненные в технике асемического письма – письма без языка, которое невозможно прочитать, можно только прожить. В этих работах линия перестаёт быть изображением или знаком. Она становится следом внимания, способом зафиксировать момент таким, каким он ощущается изнутри. Художница не рассказывает историю и не предлагает символов, вместо этого она приглашает зрителя замедлиться и всмотреться в само течение времени. Как отмечает сама Елена: «Я не пытаюсь что-то сообщить зрителю. Для меня важно сохранить состояние внимания – момент, в котором время как будто перестаёт спешить». Художница работает с тем, что обычно ускользает от взгляда: с длительностью, с состоянием присутствия, с тем коротким промежутком между «уже» и «ещё». Каждая работа создаётся в режиме высокой концентрации и требует времени, как от художницы, так и от зрителя. В этом смысле её практика близка к тому, что философы описывали как переживаемое, а не измеряемое время. Недаром Анри Бергсон писал, что «время – это не то, что измеряется, а то, что проживается», и именно такое проживание становится здесь предметом художественного опыта. Название выставки отсылает к идее времени как нелинейного и открытого процесса. Эти «письма» не сообщают фактов и не делают прогнозов, они сохраняют опыт движения, адресованный будущему восприятию. Это не послания и не тексты, а попытка зафиксировать то, что обычно не поддаётся фиксации: напряжение и длительность человеческого внимания. Экспозиция разворачивается в одном зале и воспринимается как единое пространство. Здесь нет начала и конца, нет маршрута и сюжета. Работы образуют среду, в которой зритель постепенно переходит от попытки понять к способности просто быть. «Письма из будущего» – это выставка не о времени, а о присутствии внутри времени. Надеюсь, у вас получится зайти и посмотреть. И не забудьте делиться впечатленями).

Время для нового анонса лекции в Уссури). Я всегда рада затронуть тему любви, а тут такой повод. И чтобы было красиво, умно, тонко… Сразу на ум приходит Сальвадор Дали. И даже не его отношения с Галей, а его живопись, вдохновленная отношениями художника с музой. У него есть такие потрясающие произведения, которые просто бомбически смотрятся на большом экране. Поэтому, 19 февраля предлагаю поговорить о любви не как о романтическом мифе, а как о силе, способной менять форму реальности. Для Сальвадора Дали любовь была не утешением, а напряжением; не гармонией, а полем эксперимента. Его отношения с Галой стали одной из самых странных, сложных и влиятельных историй ХХ века – союзом, в котором страсть, зависимость, расчёт и вдохновение сплелись в единый художественный жест. На лекции мы увидим более 100 знаковых работ Дали, от ранних опытов до поздних, многослойных образов. Но речь пойдёт не о наборе известных символов: плавящихся часах, муравьях или ящиках памяти, – мы попробуем увидеть, как именно работает его разум: почему иррациональное у Дали подчиняется строгой логике; как личные страхи превращаются в универсальный язык и каким образом игра становится серьёзнейшим методом познания. Дали однажды сказал: «Единственная разница между мной и сумасшедшим в том, что я всё контролирую». Эту фразу можно считать ключом к его искусству. За внешней эксцентричностью скрывалась холодная дисциплина, почти научный интерес к психике, времени, памяти и желанию. Его друг и соратник Андре Бретон, позже ставший одним из самых жёстких критиков Дали, язвительно называл его «Avida Dollars» – анаграммой имени художника, обвиняя в коммерциализации сюрреализма. Но именно Дали сумел сделать сюрреализм частью массового воображения, не упростив его, а заразив им целую эпоху. Эта лекция – не повтор биографии и не пересказ известных историй. Это смещение акцентов: разговор о Дали как о мыслителе, режиссёре собственного образа и художнике, который превратил любовь и разум в сцену бесконечной игры. Мы попробуем разобраться, почему его искусство до сих пор тревожит, где проходит граница между гениальностью и манипуляцией, и почему Дали по-прежнему современен. Билеты доступны по ссылке: https://illuzion.ru/tickets/seats?showId=uss_236569

На прошлой неделе я читала лекцию о творчестве Лоуренса Альмы-Тадемы. Но, как это у меня часто бывает, когда рассказ уже завершён, я ещё несколько дней мысленно возвращаюсь к материалу. Где-то продолжаю размышлять, где-то переживаю, все ли акценты были расставлены достаточно точно. Сегодня я решила втянуть в этот внутренний разговор и вас. Но с пользой 🙂 Речь пойдёт о стоимости произведений искусства. В качестве иллюстрации я прикрепила две работы одного и того же художника. Первая – небольшой камерный натюрморт «Японские пионы». Холст, масло, 17,8 × 21,6 см. В 2013 году он был продан на аукционе Christie’s за 40 тысяч фунтов стерлингов, это примерно 60–65 тысяч долларов по курсу того времени. Почти интимная вещь. На мой взгляд, очень привлекательная, тонкая, мастерская, почти волшебная. Работа словно из более утончённого мира. И, что мне особенно приятно, с деликатной отсылкой к Дальнему Востоку. И совсем другая история – «Обнаружение Моисея». Большой холст, 136,7 × 213,4 см, сложная многофигурная композиция, поздний, зрелый Альма-Тадема. В 2010 году на аукционе Sotheby’s эта картина была продана за 35 922 500 долларов. Разница почти неприличная. И дело здесь не только в размере, сюжете или количестве персонажей. В этом, собственно, и заключается соль аукционов. Аукцион – это место, где цена становится видимой. Как правило, это пространство вторичных продаж, где у картины уже есть прошлое: память, репутация, история владения, история ожиданий. И очень часто там сходятся не вкусы, а интересы; не эмоции, а стратегии. Именно поэтому аукционы так важны для художника, даже посмертно. Они формируют публичную шкалу цен, ту самую точку отсчёта, к которой затем будут обращаться галеристы, арт-дилеры, консультанты и коллекционеры. Но это лишь одна сторона истории. О том, как цена рождается в мастерской художника, у галериста или арт-дилера, на территории первичного рынка, мы поговорим в следующий раз :). Там всё ещё интереснее.

Друзья, уже послезавтра 29 января, в четверг, в 17:00 (Алеутская 14а) состоится открытие молодёжной выставки «Где начинается море». На мой взгляд, выставка получилась очень искренней. Другими словами, мне уже всё нравится. Я написала экспликационную статью, которую можно будет прочитать в зале, а здесь хочу поделиться её началом, чтобы сложилось общее ощущение проекта (и для тех, кто ещё не читал интервью 🙂). Название выставки «Где начинается море» – безусловно, метафора. Для Дальнего Востока море — не образ и не пейзаж, а часть повседневной реальности. Мы живём рядом с ним, движемся в его ритме, считываем его настроение. Оно формирует не только ландшафт, но и способ чувствовать время, пространство и самих себя. Море влияет на наше эмоциональное состояние: оно может одновременно манить и тревожить, успокаивать и держать в напряжении. Оно бывает опасным и притягательным, открытым и непроницаемым, и в этом смысле становится универсальной моделью человеческого опыта. Именно поэтому обращение к морю в контексте молодёжной выставки оказывается не иллюстративным, а глубоко содержательным жестом. Для молодых художников эта метафора особенно органична. Она соединяет личное и общее, эмоциональное и визуальное. «Море эмоций» здесь – не фигура речи, а реальное состояние, знакомое каждому, кто находится в процессе становления, поиска собственного языка и художественной позиции. Море – это встречи с друзьями и возможность остаться наедине с собой. Очень часто к морю приходят не для того, чтобы купаться, а чтобы просто сидеть и думать: о жизни, о выборе, о ситуациях, которые могут не иметь к морю прямого отношения, но требуют внутренней тишины и дистанции от мира. В этом смысле вопрос «где начинается море?» — не географический. Это вопрос о моменте, когда человек начинает слышать себя. О точке, в которой внешнее отступает, а внутреннее становится различимым. Думаю, вы согласитесь, что тигр, ныряющий в морскую глубину, – очень точный образ для коллективной выставки. Хочу сделать небольшое отступление. Выставки для художников – это не только выход в публичное пространство, где начинается интерпретация и создание новых смыслов. Коллективная выставка — это всегда режиссированный жест {куратора}, и мне важно, чтобы она стала для участников ступенью вверх: и в ремесленническом мастерстве, и в силе художественного высказывания. В статье я уделила внимание авторам, чья художественная позиция уже вызывает профессиональный интерес, но при этом не менее важно видеть и точки роста. Отдельно хочу обратить внимание на работу Елены Фургал. Через месяц у неё откроется персональная выставка, и в этом смысле проект «Где начинается море» становится точкой отсчёта, моментом, от которого отталкивается иное присутствие автора. Её работа в экспозиции — это приглашение следить за тем, как художник раскрывается, усложняется и находит собственную интонацию. Буду рада видеть вас на открытии, чтобы все обсудить, включая все жизненные коллизии))

⚡️«Где начинается море» и почему искусство во Владивостоке «точно будет»: Юлия Климко о молодых художниках Имена художников Сергея Черкасова, Владимира Погребняка, Сергея Горбачёва и многих других мастеров давно стали визитной карточкой Приморья. Но сегодня на сцену выходит новое поколение, готовое ярко и смело заявить о себе. В преддверии открытия молодёжной выставки «Где начинается море» (12+) корреспонденты PRIMPRESS побеседовали с её куратором – директором фонда культурных инициатив «ЭНСО», членом ВТОО «Союз художников России» и Ассоциации искусствоведов Юлией Климко. Мы узнали, кто из молодых авторов уже зарекомендовал себя, как пробиться в профессиональное сообщество другим талантам, как в этом помогают выставки и почему новая экспозиция помогает зрителю удерживать внутренний курс в бушующем мире. ➡️ПОДРОБНЕЕ ЧИТАЙТЕ НА PRIMPRESS ❗PRIMPRESS в❗MAX🤪ДЗЕН💭ЧАТ-БОТ

художники сказали, что читать было интересно)

Друзья, кто был на лекции о творчестве Джеймса Тиссо, наверное, помнят, что он продал свой дом коллеге, когда решил покинутьАнглию и вернуться во Францию. Так вот, коллегой был Лоуренс Альма-Тадема, и мне очень хочется, чтобы вы окунулись в мир и этого художника. Поэтому надеюсь на встречу 29 января на лекции "Светский шик: Лоуренс Альма-Тадема". Он создавал Рим, в котором хотелось жить: ванна из мрамора, жасмин в воздухе, солнце на коже, ленивое «carpe diem» и ощущение, что античность никогда не заканчивалась. Лоуренс Альма-Тадема стал художником, который превратил археологию в чувственность. Его картины говорят не про прошлое, а про мечту. Он не реконструировал античный мир, а сочинял его как идеальный отпуск: белые ступени, бирюзовое море, женщины в шелках, которые не спешат. Викторианская публика обожала эти иллюзии. В Лондоне конца XIX века, где даже газ был серым, Альма-Тадема продавал солнце литрами, и покупатели выстраивались в очередь. Критики морщились: «слишком красиво», но королева Виктория приглашала художника на ужин. Его картины стоили дороже, чем у Моне, а студия в Лондоне напоминала римский дворец. В наше время на его мраморе воспитываются режиссёры Голливуда. Без Альма-Тадемы не было бы «Гладиатора» Ридли Скотта и «Бена-Гура». Он создал визуальный язык античности, который живёт дольше самой античности. Почему зритель до сих пор верит его свету? Как художнику удалось превратить археологическую точность в поэзию? Почему его картины снова возвращаются в моду: на аукционы и в музейные залы? На лекции вы узнаете, как человек с северным темпераментом построил собственный юг. И почему иногда для того, чтобы оживить историю, нужно просто влюбиться в неё. Билеты доступны по ссылке: https://illuzion.ru/tickets/seats?showId=uss_235655

Речь об этой выставке молодых художников, хотя даты скорректированы. Открытие состоится 29 января 2026 г. Концепт выставки "Где начинается море": Море кажется границей, но на самом деле оно – начало. Оно начинается не за горизонтом, а внутри взгляда: в момент, когда человек перестаёт просто смотреть и начинает видеть. Каждый художник знает это состояние, когда линия воды превращается в чувство пространства, света, движения. Владивосток – город, который живёт у края. Здесь всё время чувствуешь присутствие моря: в воздухе, в цвете неба, в звуке, в паузах. И искусство становится способом говорить с этой стихией: не описывать, а слышать, быть соразмерным ей. Эта выставка о границах видимого. О том, где человек встречается с пространством, где взгляд становится течением, а цвет – дыханием. Художники, участвующие в проекте, ищут собственный ответ на вопрос: где начинается море для вас? В линии горизонта, в воспоминании, в теле, в тишине, в самом акте видеть?! Море – это не то, что перед нами, это то, что в нас. Море чувств, надежд, желаний, жизни. Темы, которые можно затронуть (как вариант): 1. Море и память – как вода хранит воспоминания: детства, любви, утраты, возвращений. – личные истории, связанные с морем, побережьем, ветром, берегом. 2. Тело и пространство – ощущение моря через движение, дыхание, звук, ритм. – граница между телом и стихией, момент растворения или сопротивления. 3. Город у моря – Владивосток как место постоянного перехода: порт, граница, точка пересечения культур. – город как «пристань» и как «край». 4. Свет и туман – визуальные состояния: рассвет, закат, мгла, отражения, мерцание воды. – эксперименты с цветом, прозрачностью, светом в материале. 5. Голос моря – звук как образ, дыхание ветра, плеск волн, ритм воды. 6. Море внутри – эмоциональные состояния: покой, ожидание, тоска, свобода, вдохновение. – метафора внутреннего моря — то, что движется в человеке. Если есть сомнения, пишите - звоните). [email protected]

Друзья, поскольку последние два дня мне задают один и тот же по сути вопрос относительно выставки молодых художников, решила написать здесь. В итоге планируются две выставки: «Где начинается море» и «Портовая» (они пройдут в одни даты и по одному адресу в залах Союза художников). Это два разных, не связанных между собой кураторских проекта, поэтому относительно выставки «Портовая» я ничего комментировать не могу. Да, так тоже бывает и, надеюсь, никому не будет скучно 🙂. Как я понимаю, триггером ситуации стала моя принципиальная позиция. Я не рассматриваю для проекта студенческие работы, выполненные в рамках образовательного процесса и «на оценку». При этом я искренне считаю, что студентам можно и нужно участвовать, но как возможность попробовать себя через независимую работу: показать свой индивидуальный и уникальный творческий процесс, поиск собственного художественного языка, поделиться своими размышлениями и личным видением мира. Именно поэтому для проектов с молодыми художниками я выбираю достаточно широкие темы. Выставка «Где начинается море» - не исключение. Само название - это метафора, внутри которой «море» может интерпретироваться по-разному. Если у вас есть сомнения или вопросы по акцентам, их, безусловно, можно обсуждать со мной лично. Я уверена, что такой подход помогает взрослеть и как художнику, и как человеку. К слову, в выставке "Где начинается море" участие предполагается для художников до 35 лет включительно. К сожалению, второй проект из-за схожести темы (на уровне этимологии заглавных слов) только увеличивает у вас количество вопросов, но опять же можно найти плюсы - вы сможете чуть глубже подумать о содержании своих произведений. И ещё хочу вас поддержать: какое бы решение вы ни приняли (в каком проекте участвовать), для вас оно будет верным. Помните, что не только куратор выбирает художника, но и художник выбирает куратора. Единственная техническая просьба, отправляя работы на почту, пожалуйста, указывайте в теме письма, для какого проекта они предназначены. P.S. Конечно, можно мне напрямую писать и отправлять материалы)