(не)Культурные заметки Ди

Кто написал «Тихий Дон»? Нет, это не вопрос с контрольной работы по литературе. Это многолетний спор с целымиисследованиями. Я сейчас читаю «Тихий Дон», и параллельно изучаю разные материалы по книге, чтобы лучше понять произведение. И почти первое, на что наткнулась, — это рассуждения, а Михаил ли Шолохов написал эту эпопею. Почему вообще возникли сомнения? Есть несколько причин. Дело в том, что Шолохов начал писать первую часть романа в 20 лет. До этого у него было только несколько рассказов. Многим сложно поверить, что в столь юном возрасте можно написать что-то значимое. Я сама всегда удивляюсь таким случаям. Но это не единственный пример. Мэри Шелли написала «Франкенштейна» в 19 лет, Франсуаза Саган и Френсис Скотт Фицджеральд стали популярными за свои первые романы в 20 с небольшим лет, Лермонтов написал «Героя нашего времени» в 23, а Пушкин «Руслана и Людмилу» — в 19 лет. Понимаю, что масштаб не тот, но все же. Вторая причина — подозрения в плагиате. Они появились еще во время публикации романа в журнале «Октябрь». Первые шесть частей прошли в печать без проблем, а потом начались проблемы с возможным плагиатом. Так, с 20-х годов прошлого века и по сей день проводят самые разные исследования «Тихого Дона». Одни приходят к выводу о раздробленности и несогласованности разных частей текста, другие уверены — роман мог написать только Шолохов. Я, конечно, не исследователь, но в ответ первой группе людей могу сказать только одно: когда роман пишется почти 20 лет, очевидно, что условно стиль первого тома будет отличаться от стиля четвертого тома. Но оставим это на усмотрение профессионалов. При этом Шолохова не просто обвиняли в плагиате, а называли даже якобы настоящих авторов «Тихого Дона». Первый — это донской писатель и участник Белого движения Федор Крюков. У него есть повесть «На тихом Дону» и он был знаком с тестем Шолохова — Петром Громославским. На втором факте и строилась вся версия авторства Крюкова: мол Громославский убил Крюкова, забрал его архив и передал его зятю, а тот выдал творчество героя Белого движения за свою работу (по крайней мере первые шесть частей романа). Второй предположительный автор «Тихого Дона» — журналист и литературный критик Вениамин Краснушкин. Израильский литературовед Зеев Бар-Селла выдвинул такую гипотезу: Краснушкин ещё в 1913 году начал писать роман о любовном треугольнике в казачьей станице. Но потом журналист попал в плен, в 1920 году его расстреляли красные, а рукописи пропали. Бар-Селла предполагает, что они попали в руки Шолохова, а тот выдал их за свой роман. Как бы там ни было, именно Шолохов получил Нобелевскую премию за роман. И именно его я, пожалуй, поблагодарю за удивительный слог с изощренными метафорами и возможность пошевелить мозгами, чтобы понять и вспомнить многие южно-украинские слова (пробираться сквозь текст ох как непросто иногда). И его же мысленно поругаю за несчастье многих персонажей, которые его совсем не заслуживают💔

Сегодня рассажу про еще один #культурный_визит — выставку «Наш авангард» в Русском музее в Питере (музеи будто решили устроить нам авангардный марафон этим летом). Честно говоря, я шла на выставку с опаской. Я не понимаю это направление искусства, мне ближе понятные стили прошлых веков. Но решила, что быть в Питере и не посетить одну из крупнейших выставок авангарда — это упущение. И к собственному удивлению я вышла из музея очень радостной от того, что все-таки сходила на выставку. «Наш авангард» — это около 400 картин (!) авангардистов, которые работали и создавали самые разные направления. Тут есть все возможные «измы»: импрессионизм, примитивизм, сезаннизм, кубизм, футуризм, супрематизм, абстракции и конструкции. Некоторые вещи так и остались далеки от меня, но некоторыми я прониклась. Например, очень понравились работы примитивистов, которые вдохновлялись народным искусством, иконами, культурами Востока, древних цивилизаций и детскими рисунками. В этой яркости, красочности, преувеличении и намеренном упрощение есть что-то, что трогает. И удивительно, что передовое творчество основывали на очень древнем и базисном. Еще открыла для себя другого Малевича. Мы привыкли, что это разноцветные фигуры, в которых будто нет смысла. Но на выставке есть ранние работы художника и его творчество уже после супрематизма. А если узнать идею за всеми этими кругами и квадратами, то и на них можно посмотреть другим взглядом. Соглашаться с ней необязательно, но порассуждать можно) Кстати, очень советую почитать про авангард (например, на Arzamas есть две статьи: один и два). Узнав, как и в какое время это направление появилось, можно лучше понять, что художники не были бездарными неудачниками, которые кроме кружочков и детских каракуль не могли ничего нарисовать. Мне они показались очень талантливыми визионерами и даже философами, которые не боялись пробовать, шли на самые дерзкие эксперименты и выходили за все привычные рамки. Пусть это и не всегда понятно и не всегда можно оценить, но, мне кажется, что попробовать можно. Тем более, сейчас музеи предлагают много вариантов знакомства и погружения в авангард. Из больших институций это «Русские дикие» в Музее русского импрессионизма, «Илья Машков» в Третьяковке и «Наш авангард» в Русском музее. Есть еще подобные экспозиции по городам России, например, «Искусство 20-го века» в Нижнем Новгороде. А «Наш авангард» идет в Русском музее до 1 декабря.

Прочитала роман Франсуазы Саган «Здравствуй, грусть!». Это первый роман писательницы, который сделал её в 19 лет миллионершей. Читая, ты сначала беспечно плаваешь по волнам и греешься под солнцем Французской Ривьеры, а потом задумываешься о природе родительско-детских отношений, своих поступках и окунаешься в легкую ностальгию. Сюжет сводится к тому, что 17-летняя Сесиль прожигает свою жизнь вместе с беспечным отцом на вилле во Франции. Жили они не тужили, гуляли и веселились, но потом в их жизни появляется Анна — женщина с совсем другими взглядами. Она строга, сдержана, любит порядок. И оказывается, что на этой женщине отец Сесиль будет жениться. Девушка воспринимает Анну как угрозу свободному образу жизни и начинает плести интриги, чтобы разрушить их отношения. Получится у нее или нет — оставляю этот ответ без вопроса для вашего прочтения. Почти все время, что читала, задумывалась, что за свойство такое у людей: мыслить рационально, все понимать и одновременно действовать эмоционально и вопреки здравому смыслу. И ещё раз убедилась, что дети совсем иначе и по-своему воспринимают многие ситуации по отношению к своим родителям. Честно говоря, иногда узнавала в главной героине себя. Из-за этого не винила Сесиль в ее интригах, хоть они были и жестокими. «Здравствуй, грусть!» напомнила мне романы Фицджеральда: и там, и там персонажи прожигают свою жизнь, делают больно себе и другим и пытаются заполнить какую-то пустоту внутри. Делают они это красиво и даже романтично. Но повторять, честно говоря, не хочется. И ещё одно сходство Саган с Фицджеральдом — это послевоенные писатели. Франсуаза писала после Второй Мировой, а Френсис — после Первой Мировой. Отсюда, видимо, это сходство потерянности персонажей, которые пытаются найти себя в алкоголе и случайных связях. Если читали эту книгу, то поделитесь, как вам. P.S. Сейчас в кинотеатрах идет экранизация 2024 года. У меня уже в планах, хотя обычно просмотр фильма сразу после книги — это плохой вариант и не в пользу фильма) #время_на_книги

Мошенники и ослиные хвосты На выставке «Русские дикие» есть работы представителей двух художественных объединений — «Бубнового валета» и «Ослиного хвоста». Если первое название ещё более менее звучит, то второе совсем какое-то странное. И именно этого добивались входившие в «Ослиный хвост» художники. В целом как и бубнововалетцы. И названия выбрали соответствующие и со своим скрытым смыслом. Что значит «Бубновый валет»? До 1917 года «бубновыми тузами» называли каторжников, потому что они носили серый балахон с ромбом на спине. Кроме этого, во французском карточном жаргоне бубновый валет означал мошенника или плута. Еще одно значение: бубновая масть — это горячее увлечение, порыв, а валет — молодость. Такие ассоциации участники объединения выбрали не случайно. Это были молодые дерзкие художники, которые отвергали реализм передвижников и предлагали новые непривычные идеи в искусстве. Их работы называли сумасшедшими, безобразными, жалкими и уродливыми. А им все было ни по чем. Вот как описывал объединение один из его участников Илья Машков: Это название нравилось большинству... тем, что оно вызвало в тогдашнем московском сытом мещанстве, и купечестве, и дворянстве чувство удивления, изумления, брезгливости... Некоторые... находили в этом названии молодость, юность, задор... Я представлял арестанта, на спине которого был бубновый знак. Мне казалось, что этот бубновый арестант не должен в то время никого признавать, ничего бояться. Что значит «Ослиный хвост»? После первой выставки в «Бубновом валете» произошел раскол, часть художников решила отделиться и делать свою выставку. Назвали они её «Ослиный хвост». И это была ещё более дерзкая отсылка. В это время как раз ходила история об ослике из Парижа, который кистью, привязанной к хвосту, создал картину. И её якобы признали шедевром. Мне кажется, получилось очень иронично и остро, потому что эта история отчасти ожила: сначала работы художников ругали за их примитивизм, мол так могут нарисовать даже дети. Но потом признали шедеврами. Несколько таких шедевров в подборке: 1. Аристарх Лентулов, «Небозвон», 1919 2. Михаил Ларионов, «Портрет Владимира Татлина», 1911 3. Михаил Ларионов, «Венера», 1912 4. Илья Машков, «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского», 1910 5. Петр Кончаловский, «Портрет режиссера Всеволода Эмильевича Мейерхольда», 1938 6. Наталья Гончарова, «Портрет Михаила Ларионова и его взводного», 1911 #кто_это_нарисовал

На выходных был #культурный_визит на выставку «Русские дикие» в Музее русского импрессионизма. Если кратко — очень ярко и от этого воодушевляющее! Мне в целом очень нравится это буйство красок, которое заполнило музеи («Русские дикие» в МРИ, Илья Машков и Борис Кустодиев в Третьяковке, «Наш авангард» в Русском музее). Так по-летнему и глаз радуется от этой яркости. «Русские дикие» рассказывают про фовизм и его влияние на русских художников. Фовизм возник во Франции и происходит от слова fauve — «дикий». Именно так назвали художников, которые показывали свои яркие работы во время Осеннего салона 1905 года. Тогда это буйство красок стало настоящим вызовом всем существующим правилам: это были бесформенные пятна с темными контурами, искаженные перспективы и пропорции, отсутствие света и тени. Но нас таким уже не удивить. Поэтому чтобы раззадорить зрителя на эмоции, выставку открывает единственная в России картина Жана-Мишеля Баския, которую он написал вместе с Энди Уорхолом – «Без названия» (фото 1). Пожалуй, она может взывать столько же непонимания и даже неприятия, как и картины фовистов в свое время. Фовизм в России не вылился в отдельное направление, но стал одним из источником для вдохновения наших художников, который пробовали себя в зарождающемся авангарде. И зная, куда они потом дошли, я бы сказала, что наши соотечественники были более дикими в своих экспериментах)) Часть этих экспериментов показана на выставке — в работах русских фовистов, которые были одновременно импрессионистами, символистами, кубистами и много еще кем. А рядом с ними скромно приютились работы французских мастеров — Матисса, Андре Дерена, Анри Мангена и других. Говорю «скромно», потому что внимание волей-неволей обращается все же на наших мастеров, оставляя французов чуть позади. В общем, все грани красок, яркости, экспериментов и безумства начала 20-го века — на выставке «Русские дикие», которая идет до 28 сентября.

Рассказываю я вам про дворцы Питера и планирую еще про две выставки. А было бы на дворе лето 1908 года и будь я каким-то удальцом с деньгами в Российской Империи, то рассказала бы про удивительное выступление одной женщины. Хотя тогда таким делились, наверно, только с близкими друзьям) Но так как мы не связаны никакими ограничениями, то вот вам история и картинки 18+ Итак, лето 1908 года. В Санкт-Петербург с гастролями приезжает некая Ольга Десмонд. Это немецкая актриса и натурщица, у которой душа стремилась к прекрасному. Чтобы реализовать свой порыв, Ольга вместе с мужем решила основать «Ассоциацию идеальной культуры». Эта организация проводила так называемые вечера красоты. На них Ольга выступала в качестве Венеры и показывала живые картины. Как мы понимаем, Венера на всех картинах если не полностью голая, то полуголая. Собственно, Ольга так и выступала - почти голой. Сначала она просто стояла и повторяла позы богинь с древних полотен. А потом Десмонд решила, что нужно придать наготе движений. Так она стала танцевать. Сначала с шалью, а потом и вовсе только в набедренной повязке. Десмонд не считала это пошлым или развратным. Она хотела показать всю красоту античной наготы и тела. Но ее взгляды не разделяли власти городов, в которые она приезжала с концертами: ее выступления запрещали, просили ее одеться и не двигаться. Но фурор был бешеный. Так Десмонд доехала и до Питера. В России у нее было всего два выступления: на одном она была полностью голой, а на втором уже одетой. В первом случае ее раскритиковали за разврат, а во втором — за его отсутствие) И каждый считал себя ценителем высокого искусства и обвинял другого в том, что тот ничего не понимает. Критика критикой, а популярность у Ольги была безумная. И она хорошо на ней зарабатывала. Билеты на ее вечера красоты стоили очень дорого, люди скупали фотографии с ее выступлений, сама Ольга потом стала лицом косметических брендов, снималась в кино и писала книги про танец. В 1922 году она ушла со сцены и посвятила себя преподаванию. И насколько я почитала, в Германии она считается неплохим хореографом, который воспитал известных танцовщиц и оставил после себя свое наследие. #история_из_истории А вы как считаете, такой формат — это искусство или все же что-то ближе к эротическим развлечениям?

В этот #культурный_визит в Питер посетила три дворца: Большой дворец в Петергофе, дворец Юсуповых на Мойке и Зимний дворец. Каждый красив и впечатляет по-своему. Но я поняла, что я не фанат такого стиля, и всю эту роскошь надо принимать дозировано. Поэтому если бы надо было выбрать всего один дворец, то это, конечно, был бы Зимний. А ниже кратко про каждый посещенный дворец и почему в другие разы можно выбрать и их🔽 ✨Большой петергофский дворец (фото 1-3) Ему больше 300 лет, но есть одно «но»: в годы Великой Отечественной войны дворец взорвали, и почти все сгорело. В 60-е годы 20-го века отреставрированный дворец вновь открылся. Во времена Петра I Большой дворец был совсем не большим: всего два этажа нешироких палат. Текущий облик ему придали уже императрицы - Елизавета Петровна и Екатерина II. Сейчас для посетителей открыто не так уж много комнат. Но среди них есть деревянный кабинет Петра I, где сохранились некоторые резные деревянные пластины его времен, два очень аутентичных китайских кабинета и Танцевальный зал - самый роскошный во дворце. И меня особенно завораживали шелковые обои в каждой комнате, которые по сути ткали вручную. За 8-часовую смену делали всего 10 см. ✨Юсуповский дворец на Мойке (фото 4-6) Это один из 57 дворцов династии Юсуповых, в котором успели пожить пять поколений. Тут же в 1916 году убили Распутина (советую брать экскурсию с частью про это событие тоже, чтобы посмотреть, где все происходило). Многое во дворце сохранилось со времен его последних обитателей. Советская власть сделала в здании сначала музей, а потом передала его в пользование работникам просвещения. В этом дворце я задумалась, что Юсуповы, может, и правда были богаче Романовых. Убранство в их дворце не менее роскошное: потрясающая входная лестница, дубовая столовая и даже свой театр! Он, кстати, действующий, афишу можно посмотреть на сайте дворца. ✨Зимний дворец (фото 7-9) Думаю, тут не стоит много писать) Мои фавориты во дворце - это Гербовый и Павильонный залы. Небольшой интересный факт про Гербовый зал: в нем узоры на полу повторяют лепнину на потолке (фото 7). Но на полу нет двуглавого орла и Георгия Победоносца, потому что по знаменам и государственным символам нельзя ходить. А находясь в Павильонном зале, будто переносишься в восточный дворец (фото 9). И там же можно посмотреть известные часы «Павлин». Делитесь своими любимыми дворцами Петербурга и пригородов. Соберем список для следующих посещений💫

В этом году праздную день рождение в Петербурге. Мне хотелось прям в этот день поехать в Петергоф. Но день рождение в понедельник, с культурной программой и в Питере - это целый квест, потому что почти ничего не работает😅 Поэтому поехали в Петергоф вчера) Это, конечно, очень красиво, величественно, масштабно. Но самые яркие впечатления оказались не столько от роскошного дворца (про него расскажу отдельно), сколько от простых вещей. Вот что стоит сделать, если вы едете в Петергоф: 😆добирайтесь до места не на машине или автобусе, а возьмите скоростной корабль «Метеор». Во-первых, это намного быстрее (30 минут всего от Дворцовой площади). Во-вторых, там можно выйти на открытую палубу и ловить ветер и морские брызги. Мы попали в сильный ветер и дождь и это только добавляло острых ощущений и веселья) Но можно намокнуть. 😆не ограничивайтесь в Петергофе только центральным каскадом фонтанов и Большим дворцом. Обязательно погуляйте по остальному парку. Он огромный, в нем есть ещё другие фонтаны и дворцы, которые можно посетить. По территории можно ещё поискать фонтаны-шутихи. Смысл в том, что вы не узнаете, что фонтан есть, пока не пройдете мимо него) Тогда включится вода и хорошенько окатит вас) Звучать может страшно и неприятно, но это очень весело (видео 7)😅 😆возьмите в ларьках какую-то еду. Не столько даже для себя, сколько для местных чаек. Они привыкли к людям, сами подходят и на своем языке прямо требуют поделиться) Мы устроили небольшое развлечение и кормили чаек с руки. Благодаря этому ветер с дождем не были помехой, а визит в Петергоф оказался неожиданно очень веселым)

Постепенно иду по своему списку литературы на лето. И первой законченной книгой стала «Под маской, или Сила женщины» Луизы Мэй Олкотт. Легкая небольшая книга, которая напомнила мне мини-сериал Netflix. Если не хочется нагружать себя сложной и тяжеловесной литературой, то это то, что нужно. За пару или даже за один вечер можно легко прочитать. Интересные ощущения у меня вызвала главная героиня - Джин Мюир, эта коварная гувернантка. Мне этот персонаж был максимально неприятен, но в то же время я ей по-своему восхищалась. Я уже несколько раз в рамках книжного клуба жаловалась, что персонажи все недеятельные и просто плывут по течению жизни. И тут появляется Джин Мюир, которая не то, что не готова сдаться на волю судьбы, а просто с когтями вырывает свое счастье всеми правдами и неправдами. Это и то, как искусно Мюир все проворачивает и с каким самообладанием, невольно вызывает уважение. Но осадочек, конечно, все равно остается) Она для меня точно не положительный персонаж, как в общем-то и все остальные в книге. И теперь немного про саму книгу. Вообще её в 1866 написал некий мужчина - А.М. Барнард. И только в 70-е годы прошлого века, спустя больше 100 лет, выяснилось, что это Луиза Мэй Олкотт. Все дело в том, что на таких небольших детективно-драматично-романтичных рассказах Олкотт очень хорошо зарабатывала - такой жанр был очень популярен у читателей того времени, а бестселлера писательницы, «Маленьких женщин», еще пока даже не было в планах. Хоть и популярный, но жанр считался не самой высокой литературой. Олкотт не хотела прославиться как автор таких романов. Да и как может женщина в довольно строгом и даже ханженском американском обществе 19-го века писать про таких активных и ни капли не благопристойных femme fatale. Так и появился А.М. Барнард, которому все можно) Книга на самом деле показывает другую Олкотт: без приторной правильности «Маленьких женщин», а с реальными проблемами обычных женщин, которым надо было как-то устраивать свою жизнь. Так что тут можно только сказать спасибо тем исследователям, которые вычислили, кто на самом скрывается под этим именем. И Яндекс.Книгам, которые решились перевести не самое известное произведение не самого известного у нас автора. Если читали, то пишите в комментариях, как вам эта книга Олкотт. Интересно обсудить) #время_на_книги

Пока собирала картины Моне времен его жизни в Аржантее, погрузилась в перипетии его личной жизни. И оказалось, что художник жил одновременно с двумя женщинами под одной крышей и воспитывал 6 чужих детей. Ниже детали того, как так вышло 🔽 На дворе 1876 год. Моне с женой Камиллой и сыном Жаном живут в Аржантее. В это же время художник знакомится с Алисой Ошеде. Они встретились благодарю мужу Алисы, коллекционеру Эрнесту Ошеде, который покупает работы художников, в том числе Моне, и приглашает их работать в своем имении. У четы Ошеде 6 детей. В следующем году Эрнест разоряется и убегает от кредиторов в Бельгию. Но семью решает оставить во Франции (видимо, слишком накладно было переезжать всем вместе). И тут Алиса Ошеде решает переехать к семье Моне. Как по мне, это, как минимум, странное решение. Но его объясняют так: Алиса одна с 6 детьми, без денег и дома, муж все профукал и поминай, как звали. А Моне в это время наблюдает, как постепенно угасает жизнь его жены Камиллы, которая болела раком. Двоим тяжело, поэтому они решают объединить усилия, так сказать.Чисто хозяйственные и рациональные соображения, но скорее всего, к этому времени у них уже были если и не отношения, то симпатия точно. Так под одной крышей, уже в деревне Ветёй, начинают жить 8 детей (6 Алисы Ошеде и еще 2 Моне и Камиллы), 3 взрослых и прислуга (все их семейство на фото 2). К Моне приходят кредиторы Эрнеста, с деньгами плохо, жена сильно болеет и всех надо кормить. Картины Моне в это время не сильно хорошо продаются, и семья была в долгах даже за продукты и стирку белья. Алиса в это время ухаживает за умирающей женой Моне и всеми детьми, ведет хозяйство. Ее муж, Эрнест, периодически зовет ее вернуться, но женщина уклончиво отвечает, что в деревне и так кучу расходов, куда еще в город переезжать. И остается с Моне. В 1879 году умирает Камилла, жена художника, а еще через пару лет дети Алисы называют Моне своим папой. Из Ветёй сожители переезжают в Пуасси, а потом и в Живерни. И тут стоит напомнить - все это время Алиса замужем за другим мужчиной и такое сожительство, мягко говоря, выглядело странно в те времена. Сама же женщина отрицала какую-то связь с Моне, даже в переписке обращалась к нему на «вы» и говорила, что он просто ей помогает деньгами, а все расходы она записывает и отсылает мужу сметы. В таком непонятном положении Алиса и Клод жили десятки лет, до 1892 года. В 1891 году умер Эрнест. Алиса год проходила в положенном трауре и вышла наконец-то замуж за Моне. Они были вместе вплоть до смерти Алисы. Считается, что именно она создала в доме все необходимые условия для творческого развития художника и во всем его поддерживала. И еще одно забавное стечение обстоятельств: сын Моне от брака с Камиллой, Жан, женился на дочери Алисы и Эрнеста, Бланш Ошеде. Художник был против этого союза (все-таки они почти как брат и сестра были), но Алиса поддержала детей. Нравится эта история тем, что несмотря на все предрассудки и стереотипы, которые есть и сегодня, эти двое стояли на своем и выбирали, прежде всего, себя и свое счастье. И все ни по чем было.Рациональный расчет тут, конечно, тоже был, но все же) #история_из_истории

Пару дней назад начался третий сезон сериала «Позолоченный век», который рассказывает про жизнь в 1880-е в США. А сегодня я попала на такое сравнение костюмов героинь сериала с реальными нарядами того времени. Если верить создателям сериала, то они прям заморочились с костюмами. Они собрали библиотеку из 36 000 фотографий и картин за период с 1877 по 1900 года и тщательно их анализировали. В целом по фото видно, что копирование довольно точное. За два предыдущих сезона команда костюмеров сделала для сериала 1200 женских платьев, 1000 мужских костюмов, 750 женских шляпок и 400 мужских, 100 тиар и 4000 пар обуви! Мне «Позолоченный век» понравился. Я люблю, когда красивая картинка хорошо совмещается с более менее достоверными историческими событиями (но не забываем, что это художественное произведение). Так вроде и отдыхаешь, но и узнаешь что-то новое) Жду выхода всех серий и устрою себе вновь #культурный_просмотр

Многие знают Клода Моне и его сад в Живерни. Это уже будто неотделимые друг от друга вещи) Но у Моне был период в жизни, когда он жил в другом не менее прекрасном загородном месте - Аржантей. Художник провел там 7 лет и нарисовал за это время около 250 работ. На многих запечатлен сам город и его знаковые места. Но мне особенно понравились картины из личной жизни художника. На них он рисовал свой сад, жену Камиллу и сына Жана. Сюжеты из повседновсти художника и его семьи в Аржантее как раз в этой подборке. #кто_это_нарисовал