(не)Культурные заметки Ди

Начинаем день с очень «вкусных» натюрмортов голландской художницы 17-го векаКлары Петерс. Чего только стоит текстура сыра и этот блеск на сухофруктах (фото 1)! Кстати, такое изображение сыра — это, вероятно, отсылка к торговле Нидерландов. В 17-м веке страна активно производила сыр и торговала им. А известные нам сорта, такие как Эдам или Гауда, — это на самом деле голландские города, где эти сыры производят уже сотни лет. Но углубимся немного в детали первойкартины. Прямо по центру на столе лежит нож (очень красивый кстати). На нем художница выгравировала свое имя (фото 2). Но это еще не все. Если присмотреться к крышке кувшина справа, то мы увидим в отражении автопортрет художницы (фото 3). Для Клары это был способ закрепить свое авторство за картиной. Поэтому автопортрет можно найти в отражениях посуды и на других работах Петерс (фото 4-5). В этом плане Петерс прям окончательно «застолбила» за собой авторство другого натюрморта с цветами и золотым кубком (фото 6-7), изобразив на картине сразу 6 своих автопортретов. И нарисовала она себя не просто: мы видим ее стоящей с палитрой в руках прям в процессе работы. Такое стремление оставить свой след на картине понятно: женщины тогда не учились в художественных академиях и не состояли в творческих объединениях. Нет даже никаких свидетельств, где и у кого училась Петерс. Соответственно, художниц было очень мало. И если они не подписывали свои работы, то их часто атрибутировали другим мастерам, просто потому, что про них могли ничего не знать. А Петерс смогла оставить свой след и сейчас считается даже одной из первых, кто в целом начал рисовать натюрморты. К такому выводу приходят еще благодаря тому, что художница датировала свои работы. #кто_это_нарисовал

Я сейчас читаю книгу Аны Триго «Проклятые драгоценности». И только написав пост про прически Марии-Антуанетты, я встречаю в книге главу, посвященную скандалу с ожерельем королевы. Это довольно известная история, по которой можно было бы снять сериал. Тут и интриги, и политические амбиции, и попытка дальних потомков королевской линии выбраться из грязи в князи, и любовные страсти, и начало Революции. Постараюсь кратко рассказать😅 Людовик 15 однажды заказал придворным ювелирам Бемеру и Бассенжу бриллиантовое ожерелье для своей фаворитки мадам Дюбарри. Но король заболел оспой и довольно быстро скончался. А ювелиры-то свои деньги уже потратили на закупку бриллиантов. Тогда они попробовали продать ожерелье новой королеве, Марии-Антуанетте. Цена - 1,6 млн ливров. Для сравнения: содержание всего Версаля обходилось короне в 80 тыс ливров в год, а средний заработок рабочего того времени составлял 3-10 фунта в день. По легенде Мария-Антуанетта ответила, что лучше эти деньги потратить на французский флот. Дальше на сцену выходит кардинал Роган. Он был одновременно человеком церкви и страшным распутником. И якобы из-за этого его презирала королева. А Рогану очень хотелось добиться расположения Марии-Антуанетты и даже стать премьер-министром. В этом ему пообещала помочь его любовница, графиня де Ламотт. Статус графини у женщины был фальшивый, хотя она была дальним потомком прошлой королевской династии Валуа. Но зато «графиня» была очень предприимчивой и любила роскошный образ жизни. Она смогла убедить Рогана, что она дружит с королевой и во всем ему поможет. Для этого много не надо: просто давать королеве деньги и закрывать её долги (а на самом деле долги самой «графини» и ее мужа). В итоге «графиня» узнает про ожерелье и решает пойти ва-банк. Она говорит Рогану, что остается последний этап на пути к его признанию — купишь королеве ожерелье и сразу публично войдешь к ней в расположение. Роган поверил и заключил договор на покупку. Правда, в контракте указали имя королевы. И когда все отказались платить деньги, ювелиры пошли к Марии-Антуанете и все ей рассказали. Дальше скандал и суд, за которым следили все французы. И тут важна политическая подоплека. Во-первых, Рогана публично арестовали. Он был из знатной семьи, и это было очень унизительно. В итоге все высшее сословие коллективно оскорбилось таким отношением со стороны монарха. Дальше его судили, и судьями были те самые представили знатного сословия. Поэтому Рогана оправдали. Но король лишил его высоких должностей и сослал в отдаленные уголки Франции. Это расценили как неуважение к решению суда. То есть уже прям очевиден конфликт знати и монархии. Одновременно обычный народ был в шоке с того, что творится у этих богачей. Кардинал - распутник, королева тратит баснословные деньги на украшения, все врут. А обычным людям иногда просто есть нечего. Тут уже недовольство растет и среди простого населения. Дальше Революция 1789 года и свержение монархии. А бриллианты в свою очередь перекочевали в Лондон. Их распродала «графиня» с супругом (их кстати осудили). В 2023 году предположительно именно эти бриллианты с того самого ожерелья попали в музей Виктории и Альберта. #история_из_истории

В музее Виктории и Альберта в Лондоне открылась просто шикарная выставка, посвященная стилю Марии Антуанетты и его влиянию. В репортажах с выставки увидела, что там кроме красивых платьев и туфелек и роскошных украшений показывают карикатуры на прически королевы. Тут собрала лишь некоторые из них (фото 1-3). Дело в том, что Мария Антуанетта ввела моду на такие громадные прически, которые назывались пуф. Прическа могла доходить до 1 метра. Такая высота достигалась на счет того, что на голову клали специальную подушку-подкладку и заматывали ее волосами и шиньонами. Потом стали использовали крепления из проволоки, набитые конским волосом, ватой, тканью и всякой всячиной. Делали такие прически иногда несколько дней. Все это добро, конечно же, украшали, и в дизайне не ограничивались ничем, кроме как своей фантазией. Были простые варианты, когда в волосы вставляли всякие фигурки и украшения, которые показывали настроение дамы или событие из ее жизни. Это могли быть разные цветы, ленточки, драгоценности, фрукты, палки — в общем, кто на что горазд) Но были и настоящие перформансы и statement образы. Например, одна герцогиня сделала себе прическу-отсылку к рождению ребенка. У нее в волосах были фигурки сиделки, которая держала младенца, а у ее ног сидел негретенок. Еще там были попугаи и больше 10 метров ткани. Но самая известная прическа — это, пожалуй, прическа-корабль (фото 7-9). Это была не просто безумная задумка. В июне 1778 года французский фрегат La Belle Poule победил английский корабль. Это была первая морская победа Франции в войне за независимость США. И Мария Антуанетта с придворные дамы решили поддержать свою страну и отпраздновать это событие прическами. На головах начали делать полноценные корабли, с мачтами, парусами и флагами. Еще одна прическа с неким политическим подтекстом — это пуф-«прививка». В 1774 году муж Марии-Антуанетты, король Людовик 16, сделал себе некое подобие прививки от оспы (полноценной вакцины тогда еще не были). Через процедуру прошли братья короля и сама Мария Антуанетта. Такое событие решили отметить специальной прической: со змеей — символом медицины, с солнцем — символом короля, и с цветущей оливковой ветвью — символом мира и радости. Стоит ли говорить, что с такими прическами невозможно было спать. Да и нельзя было позволить разлохматить ее в первый же день: такие прически стоили дорого, занимали много времени и делать новую каждый день — это было слишком, даже для королевы. Благодаря таким прическам появились специальные приспособления для головы, чтобы можно было более менее комфортно спать, а в некоторые прически даже вставляли пружины, чтобы их можно было сложить и хотя бы зайти в карету. Но, думаю, что это все равно не спасло от множества конфузов. Ладно еще когда одна такая девушка, а вы представьте целый зал женщин с такими прическами. Тут уже красота требовала жертв не только от девушек, но и от всех окружающих) #история_из_истории

Неделю назад у меня случился #культурный_визит на мюзикл «Опасные связи», который идет в Белорусском академическом музыкальном театре. Я люблю мюзиклы: для меня это хорошее сочетание искусства с отдыхом. Но, честно говоря, на «Опасные связи» я шла с опаской. Летом я читала книгу (вот тут мои впечатления), и мне было очень тяжело, потому что столь гадких и неприятных персонажей я еще не встречала. Из-за них же я не смогла досмотреть экранизацию 1988 года: на экране Вальмон и маркиза де Мертей оказались еще неприятнее, чем в моем воображении. Поэтому от персонажей мюзикла я ожидала очередной порции цинизма, расчетливости, манипуляций и слизских соблазнений. Отчасти это все и было, но итоговые впечатления остались совершенно противоположные книге и фильму — мне прям понравилось! Создатели мюзикла немного изменили сюжет, истории некоторых персонажей, но что самое главное, как мне показалось, — они сделали главных героев более человечными. В книге они играют в свои жестокие игры будто просто потому, что им скучно и они могут себе это позволить. В мюзикле у маркизы де Мертей была понятная мотивация, а Вальмона показали не просто ловеласом, а человеком, который умеет испытывать глубокие чувства. И что еще важно и что мне особенно понравилось: в конце каждый осознал, что все эти игры человеческими судьбами не от хорошей жизни (не в материальном плане). Мертей и Вальмон признали, что они одинокие люди, которые пытаются хоть как-то заполнить эту пустоту внутри. В итоге под конец их было жалко, но никакого негатива герои не вызывали. Еще одна тема, которую подняли в мюзикле — это противостояние между мужчинами и женщинами. С самого начала герои говорят, что бороться друг с другом — это глупо. Только каждый понимает под этим свое превосходство и очевидный проигрыш другого. И тоже только под конец раскрывается истинный смысл этой фразы: глупо бороться в целом, и нет тут победителей, все по итогу проигравшие. Мне это напомнило вывод Вирджинии Вульф в ее эссе «Своя комната», где она говорила примерно о том же: не надо бороться и пытаться показать превосходство одного пола над другим, нужно органично дополнять друг друга сильными сторонами каждого. Еще на позитивное впечатление повлияла «техническая» часть постановки: шикарные костюмы, веселые и ироничные диалоги, некоторые песни были очень хороши. В общем, если будете в Минске, то мюзикл «Опасные связи» — отличный вариант для вечера, который подойдет даже если не читали книгу или не очень любите традиционные оперу, балет или драматический театр. P.S. В Москве тоже нашла такой мюзикл. Создатели те же, так что все должно совпадать.

Книжный клуб октября — «Грозовой перевал» Эмили Бронте «Грозовой перевал» — это единственный роман Эмили Бронте, который рассказывает довольно мрачную, но страстную историю любви двух людей. Действие разворачивается в суровой английской пустоши, где старинное поместье становится ареной человеческих чувств, гордости и мести (идеально для осени!). Но это не обычный любовный роман. Герои Бронте неоднозначны: им можно сочувствовать и одновременно испытывать к ним неприязнь. А вся история показывает, что любовь — это не только хорошее. Она может возвысить и разрушить все вокруг, породить ненависть, сделать человека неукротимым зверем и в итоге стать проклятьем. Погружаться в готическую английскую атмосферу будем на встречах клуба: 🌼12 октября я расскажу про жизнь Эмили Бронтеи историю создания «Грозового перевала». К этой встрече книгу читать не нужно — книга будет ждать вас на лекции; 🌼26 октября мы соберемся, чтобы обсудить прочитанное и порассуждать о человеческой природе. Стоимость участия в клубе: 3500 руб. В стоимость входит печатная книга, две встречи в Москве, дополнительные материалы по книге и отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

Посмотрев на картины из прошлой «свечной» подборки, можно еще вспомнить картины Леонардо да Винчии подумать, что он был прадедушкой таких темных сцен. Ведь многие его работы тоже довольно темные, особенно если их сравнивать с работами современников Леонардо. Но все не так просто. Дело в том, что многие работы мастера со временем темнеют, изначально они не были такими. Связно это по сути с характером самого Леонардо — он, как великий экспериментатор и творец, все время искал и пробовал новое. И одной из таких новелл стала техника сфуматто. Буквальный перевод сфуматто — туманный или дымный. А на практике это значит, что на картине нет четких границ и линий, контуры расплывчаты, а все переходы очень плавные. Чтобы добиться такого эффекта, Леонардо наносил очень-очень тонкие мазки на картины. Рентген его картин в 2010 году показал, что толщина мазка была тоньше человеческого волоса! Техника потрясающая и дает ту самую дымку и загадочность на картинах Леонардо. Вот только со временем проявилась проблема. Дело в том, что Леонардо, как и все художники, использовал свинцовые белила. Ими рисовали светлые участки картины, а потом наносили остальные цвета. Но другие художники делали это толстыми слоями краски. А у Леонардо все было тоненьким. Поэтому свинец начал активно вступать в химические реакции с воздухом и темнеть. Добавить к этому лак, который всегда темнеет со временем, и вот уже работы да Винчи традиционно воспринимаются как темно-коричневые, хотя изначально они были в других цветах. Как пример на фото, это «Мона Лиза» Леонардо и копия картины, которую отреставрировали в музее Прадо. Есть версия, что копию писал один из учеников Леонардо одновременно с работой художника. Другой пример такого эксперимента да Винчи — это «Тайная вечеря». Леонардо хотел на этой росписи тоже сделать свое фирменное сфуматто, но существующая в то время техника росписи стен не позволяла этого. Тогда художник решил придумать свой состав грунта для стены. Но вышло не очень — смесь Леонардо не выдерживала влажности в комнате, где была роспись, и картина начала разрушаться еще во время работы. Что ей предстояло пережить потом — это просто ужас и заслуживает отдельного поста) #кто_это_нарисовал

Небольшой факт про меня — я люблю все, что связано с огнем. Я всегда радовалась, когда дома выключали свет и можно было долго жечь свечи. Я люблю стоять у костра (при этом не особо умею его разводить) и в целом что-то жечь. Эти выходные я провела у камина, и с тех пор меня не отпускает это изображение огня и ощущение тепла и уюта от него. Так что сегодня у нас тематическая подборка, которая отлично подходит для уютного осеннего вечера и заодно показывает мастерство художников и их умение работать со светом. Некоторые перечисленные тут мастера прямо специализировались на таких ночных сценах, и у них можно найти много подобных работ. А зажег эти огоньки в ночи во многом Караваджо — именно он одним из первых стал использовать сильный контраст между светом и тенью. В подборке: 1️⃣«Молодая женщина с прялкой в руках перед зажженной свечой», Адам де Костер, 1625-35 (одна из моих любимых в подборке: красивое лицо, наряд и очень мягкий свет) 🔟«Кающаяся Мария Магдалина», Жорж де Латур, 1638-40 3️⃣«Святой Иосиф-плотник», Жорж де Латур, 1652 4️⃣«Вечерняя школа», Герард Доу, 1660-65 5️⃣«Молодая девушка со свечой», Годфрид Схалкен, 1670-75 (посмотрите, как рука буквально впитывает в себя свет от свечи! Очень красиво!) 6️⃣«Портрет Вильгельма III, принца Оранского», Годфрид Схалкен, 1692-97 (не видела, наверно, еще таких темных портретов первых лиц государства, а еще и со свечой) 7️⃣«Гадающая Светлана», Карл Брюллов, 1836 (видела ее вживую на выставке в Русском музее — картина просто волшебная!) #кто_это_нарисовал

Я рассказывала вам про разные достопримечательности Парижа, а до самой главной так и не дошла. Речь, конечно же, про Эйфелеву башню. Про нее можно много рассказать, но сегодня остановлюсь на удивительной истории удивительного человека. Итак, 1925 год, Париж. Бизнесмен Андре Пуассон вот-вот будет пить шампанское — он скоро закроет сделку и купит Эйфелеву башню за 4,2 млн евро по сегодняшним ценам. Продает ненавистную всем парижанам железную палку само Правительство. А точнее заместитель генерального директора Министерства почты и телеграфа. Зовут его Виктор Люстиг. Он рассказал Пуассону, что городские власти планируют избавиться от этой страшной башни и хотят продать ее на металлолом. Был бы Пуассон серьезным современным бизнесменом, то нанял бы кучу юристов, чтобы проверить этого заместителя и что за актив он покупает. Но это не тот случай. Никто не рассказал Пуассону, что Люстиг раньше был богатым немецким графом, который просил у обеспеченных старушек «в долг до завтра». Долг, конечно же, никто не возвращал, а драгоценности, оставленные в залог, оказывались подделкой с позолотой. А еще у Люстига была на удивление богатая коллекция писем и других документов Марии Кюри и Авраама Линкольна, тайные и нигде не опубликованные рассказы Марка Твена и много подобных вещичек. У этого заместителя отлично получалось все это продавать разным доверчивым людям. Поэтому он решил замахнуться на что-то посерьезнее. Подружился с этим несчастным Пуассоном и буквально втюхал ему Эйфелеву башню. Предложение о покупке кстати рассылали очень многим богатым людям. Стороны уже подписали контракт, дело оставалось за малым — надо было дать взятку. Все это выглядело очень правдоподобно. Так, Люстиг получил 200 тысяч евро «взятки» наличными и еще чек на 4,2 млн евро за «продажу» башни. Когда Пуассон понял, что вообще произошло, Люстиг был уже в Вене. Бизнесмен в полицию не пошел, слишком уж стыдно было. А Люстиг посмотрел на это и решил — гулять так гулять и нашел еще одного покупателя на Эйфелеву башню. Но этот оказался посмышленее, заподозрил неладное и обратился в полицию. Тогда Люстиг сбежал в США, где стал фальшивомонетчиком. Там он недолго был на свободе — его вскоре арестовали и приговорили к 20 годам в Алькатрасе. Провел бы Люстиг хоть минимальный предварительный анализ, то узнал бы, что Эйфелева башня, которая должна была недолго простоять во время Всемирной выставки 1889 года, останется в Париже надолго. Дело в том, что строительство башни обошлось в баснословную сумму — почти 30 млн евро на современные деньги. А окупилась она уже за время работы той самой выставки. Недовольство недовольством, но кто будет отказываться от такого источника дохода) Сейчас Эйфелеву башню ежегодно посещает больше четверти миллиарда человек. В этом году я оказалась среди них) Как туристу, впервые посетившему Париж, считаю, что простительно) #история_из_истории

Возвращаюсь к Пикассо и сегодня расскажу про #культурный_визит в его музей в Париже. Первое, что меня впечатлило, — это здание, в котором находится музей. Это особняк Сале, который построили еще в 17 веке! Хороший такой контраст был: классические интерьеры в сочетании с совсем не классической живописью Пикассо. Первым собственником особняка был некий Пьер Обер де Фонтеней, который сколотил себе состояние благодаря налогу на соль. Собственно, отсюда и название особняка: Salé значит соленый. Потом тут было посольство Венеции, затем зданием владели другие люди, а после Французской Революции оно перешло в собственность государства. Сначала в особняке сделали школу, в которой учился Бальзак. А в 1829 году открылась Центральная школа искусств и ремесел, которую посещал Густав Эйфель. Но в итоге здание осталось пустым, и в 1985 году тут открылся музей Пикассо. Произошло это снова из-за налогов. Дело в том, что во Франции есть налог на наследство. То есть после смерти Пикассо его наследникам надо было заплатить просто гигантскую сумму за все предметы искусства, которые они получили после смерти художника. А получили они много, потому что многие работы Пикассо хранились у него самого. Чтобы заплатить налоги, наследникам пришлось бы распродавать предметы искусства — на руках таких денег просто не было. И чтобы не размывать коллекцию, решили использовать механизм dation. Это значит, что вместо денег налог можно заплатить искусством. В итоге государству перешло 200 картин, 160 скульптур, более 3000 рисунков и гравюр. Это работы самого Пикассо разных периодов его творчества и картины других мастеров из его коллекции. Вот так и образовался музей Пикассо. Мне удалось посмотреть только один этаж, потому что я ходила в музей в тот день, когда во Франции была национальная забастовка. Музей поддерживал бастующих и потому закрыл для посещения остальные этажи. Но я, честно говоря, не сильно расстроилась, потому что пока творчество Пикассо мне не близко. Из всего увиденного мне больше всего запомнилась работа «Купальщица» (фото 9 справа). Обычно этот сюжет изображают так: обнаженные девушки, которые резвятся в воде. Но у Пикассо это какая-то кракозябра) И этим она и привлекла внимание, потому что сразу вспомнилось купание в волнах или в небольшой шторм, когда море буквально так же крутит-вертит тебя вместе с камнями и песком. И ты уже никакая не изящная дама, прикрывающаяся полотенчиком, а эта самая краказябра. Программа минимум на следующее посещение Парижа — узнать поглубже творчество Пикассо и вернуться в музей не во время забастовки, чтобы посмотреть все собрание.

Думаю, что каждая из них в какой-то момент была счастлива с художником. А может они только думали, что счастливы. Но что точно хорошего некоторых из них получили от Пикассо — это деньги. Фернанда Оливье и Франсуаза Жило написали мемуары про жизнь с художником. Первая договорилась с Пикассо не рассказывать то, что ему не хочется, и получила пожизненное содержание. Вторая написала все, ничего не скрывая, и получила кучу денег от публикации книги — в свое время продали больше 1 млн экземпляров. Жаклин Рок после смерти Пикассо стала управлять его огромным состояниеми коллекцией искусства и строила козни детям художника от других женщин. В итоге, чтобы прийти к какому-то общему знаменателю и не платить кучу налогов, наследники решили сделать музей Пикассо в Париже. Про него уже расскажу попозже)

7 женщин Пикассо Художник говорил: Женщины — либо богини, либо тряпки И так получалось, что сначала вроде все были богинями, а потом некоторые как-то становились тряпками. 1️⃣Фернанда Оливье (фото 1) Фернанда жила на Монмартре с разными художниками, позировала им, а потом ее нашел Пикассо. Она была той, кто узнал художника еще до его славы и денег. Им было по 23 года, оба бедствовали. Вместе с Пикассо она прожила 7 лет. В ее бытность художник переходит от мрачных голубых оттенков к нежно-розовым, а одна из Авиньонских девиц художника списана как раз с Фернанды. Именно в отношениях с ней Пикассо начинает получать славу, как художник. И одновременно начинает задумываться, что ему нужна другая женщина — эта слишком буйная, резкая и напоминает о трудных временах. 🔟Марсель Умбер Они познакомились в 1911 году в парижском кафе. Она была тоненькой, изящной, летящей. Пикассо сразу стал называть ее Евой, Ma Jolie и изображал в виде музыкальных инструментов. Марсель посвящена, например, картина «Моя прекрасная. Женщина с гитарой» (фото 2), где художник за грудой треугольников и не самого приятного коричневого цвета спрятал ее силуэт. С Марсель они были недолго: девушка умерла от туберкулеза. 3️⃣Ольга Хохлова В 1917 году Пикассо занимался декорациями для балета «Парад» Дягилева и познакомился с русской балериной Ольгой. Она его так пленила, что в 1918 они обвенчались. Пикассо был на седьмом небе от счастья и даже обещал отказаться от богемного образа жизни ради семейного гнездышка. Потом Ольга забеременела и у художника открылось новое дыхание: он начал чаще обращаться к образам Ренессанса и рисовать мать с ребенком. Но потом что-то пошло не так и вместо красивой девушки, которую Пикассо рисовал на своих картинах в первые годы их совместной жизни, начали появляться какие-то изуродованные портреты (фото 3). Ну а их творец нашел себе другую музу. 4️⃣Мария-Тереза Вальтер С Вальтер Пикассо познакомился на Французской Ривьере. Ей 17, ему 46. Так что надоевшая жена и маленький сын довольно быстро были брошены. Пикассо с Марией-Терезой будут вместе 13 лет. И именно этот период в жизни художника искусствоведы назовут вершиной его творчества. Но стоило Вальтер родить дочь, как Пикассо покинул ее ради нового увлечения. А в 1937 году он написал ее портрет «Женщине в берете» (фото 4), про который сказал: «Наверное, для девушки болезненно видеть на картине, что её время проходит». Вальтер в это время было 27 лет. 5️⃣Дора Маар Маар была художницей и фотографом. Пикассо запечатлел её на мрачной и страшноватой картине «Плачущая женщина» (фото 5). Встречаясь с Маар, художник не забывал и про Вальтер: по выходным он проводил время с ней, как примерный семьянин. И при этом Пикассо не развелся с Хохловой. Такая ситуация не нравилась Маар, она очень ревновала художника. В итоге они разошлись, а женщина попала в психбольницу. А Вальтер так и не дождалась художника обратно и повесилась. Пикассо же был увлечен уже другой. 6️⃣Мари Франсуаза Жило В 1943 году Пикассо уже 62 года. Но возраст не помешал ему начать отношения с 22-летней Мари (ее портрет на фото 6). Она была из обеспеченной семьи, училась на художницу и тоже рисовала в стиле кубизм. И это тот исключительный случай, когда два творческих человека смогли ужиться. Они провели вместе 10 лет, Мари родила Пикассо двоих детей, каждый занимался своим творчеством. Но Пикассо не был бы Пикассо, если бы он не изменил. Узнав про это, Мари забрала детей и сама ушла от художника. Не привыкший к такому, Пикассо пытался всячески мешать развитию творческой карьеры Жило. 7️⃣Жаклин Рок Последние 20 лет своей жизни Пикассо провел с Жаклин (портрет на фото 7). Она утешала его после ухода Жило, была его секретаршей, натурщицей и музой — за время их совместного проживания художник написал около 400 портретов Рок. Она же называла его великим маэстро и делала все для него. И в итоге Пикассо официально женился на ней в 1961 году (Хохлова умерла в 1955 и Пикассо официально стал свободен). #кто_это_нарисовал

Судя по погоде в Москве, осень решила, что ей пора вступать в свои законные права. И чтобы отвлечься от этого холода, серого неба и общей начинающейся недружелюбности природы, предлагаю посмотреть на работы чешского живописца Альфонса Муха. У него очень осенняя цветовая гамма практически на всех работах. Но только одна из картин в этой подборке — это аллегория осени (фото 5). Если присмотреться на другие работы, то можно заметить, что тут есть и рекламные плакаты (например, фото 4 — это реклама шоколада, а фото 9 — мыла), и театральные афиши, и туристические плакаты (фото 2). Именно с такой коммерческой живописи Муха и начинал: он писал рекламы, афиши, календари, ресторанные меню, приглашения, визитные карточки. Позже его приглашали иллюстрировать книги. А поворотным в судьбе художника стал заказ от театра «Ренессанс» — нужно было нарисовать афишу для постановки с Сарой Бернар. И так как заказ пришел под Рождество, все остальные художники были заняты, а Муха был готов взять заказ. Это стало началом творческого тандема Бернар и Мухи. После этого у художника становилось все больше заказов, а картины с его узнаваемыми женщинами хотели получить себе эстеты, коллекционеры, богатые дамы, лучшие отели и рестораны. Я их понимаю — от такой красоты я бы тоже не отказалась) #кто_это_нарисовал