(не)Культурные заметки Ди

Жемчужные загадки С 16-го века на картинах королев разных государств появляются очень похожие друг на друга жемчужины: они крупные и каплевидные. Долгое время все считали, что это все одна жемчужина — Перегрина. Даже собственники украшений путались постоянно. Но вероятнее всего, это три разные жемчужины: жемчужина Тюдоров, Перегрина и Пелегрина. По крайней мере, Перегрина и Пелегрина точно разные (хотя названия можно было бы и как-то пояснее разделить), а вот с жемчужиной Тюдоров неясно. Попробуем разобраться ⬇️ Жемчужина Тюдоров В 1554 году английская королева Мария I Тюдор (Кровавая Мэри это она, кстати) появляется на нескольких портерах с огромной жемчужиной (фото 1). Она получила ее как свадебный подарок от испанского короля Филиппа II. Но в 1558 году Мария Тюдор умерла, а жемчужина исчезла. Ее не было в завещании, ее больше не видели при английском дворе, и другие жены Филиппа II ее не носили. Или все же носили? Ответа на этот вопрос нет. Но на портрете уже следующей жены Филиппа II, Елизаветы Валуа, в волосах видна снова огромная жемчужина (фото 2). Правда, многие считали, что это Перегрина. Но тут снова несостыковка. Портрет Елизаветы Валуа написан в 1560 году, а Перегрина по официальным данным попала в Испанию только в 1579 году. Перегрина Впервые эта жемчужина упоминается в 1609 году. В этом же источнике сказано, что жемчужина прибыла в Испанию в 1579 году. Тогда торговец пытался продать ее тому самому Филиппу II, который и купил жемчужину. Еще один вариант, как жемчужина попала в Испанию — раньше ею владела австрийская ветвь Габсбургов. И в Испанию ее привезла Анна Австрийская, которая в 1570 году стала четвертой женой Филиппа II (фото 3). В общем, Филипп II явно что-то знал про Перегрину, но как и когда точно она попала в Испанию — неясно. Как бы там ни было, испанские королевы, уже после Филиппа II и его жен, часто появлялись на портерах все с той же огромной жемчужиной (фото 4-6). Только теперь все точно говорили, что это Перегрина. В 1808 году испанским королем становится старший брат Наполеона — Жозеф Бонапарт. И в лучших традициях Бонапартов он собрал в кучу драгоценности испанской короны и приказал направить их в Париж. Но Перегрину он припас для себя) У Жозефа в Испании не сложилось, его оттуда выгнали через 6 лет, но Перегрина навсегда осталась с ним, и перешла по наследству Наполеону III. Наполеон III еще до получения этого статуса продал Перегрину Джеймсу Гамильтону. Английский маркиз купил ее для своей жены. Гамильтоны владели жемчужиной до 1969 года. А потом она стала еще одним дорогим подарком — актер Ричард Бертон купил Перегрину для своей жены Элизабет Тейлор. Пелегрина Вернемся немного к Филиппу II. Испанскому королю, видимо, нравился жемчуг, потому что он якобы купил не только Перегрину, но и ее «младшую сестру» — Пелегрину.Но про эту жемчужину становится точно известно только в 1660 году. Тогда испанский король, уже Филипп IV, подарил Пелегрину своей дочери Марии Терезии в честь ее свадьбы с французским королем Людовиком 14. С тех пор Пелегрина была во Франции. Но после Великой Французской революции, когда лихие молодцы вынесли почти все украшения французской короны из Гард-Мёбль (про это писала тут), след Пелегрины пропадает. И появляется вновь только в 1826 году, уже в Петербурге и у семьи Юсуповых (фото 7 — портрет Зинаиды Юсуповой). Уже после Октябрьской революции жемчужина уехала из России вместе с Феликсом Юсуповым, который продал ее в 1953 году некоему швейцарскому ювелиру. #история_из_истории

Перед выходными делюсь идеей для #культурный_просмотр — «Большие надежды» Альфонсо Куарона. Это экранизация одноименного романа Чарльза Диккенса. Но от него там осталось немного) Разве что название, некоторые имена и общая сюжетная канва. Но это совсем не портит фильм. Мне такой вариант понравился даже больше, потому что полноценную экранизацию книги я уже посмотрела в своей голове, пока читала. И очень часто фильмы, сделанные слово в слово с книгой, получаются не очень. Куарон поместил персонажей романа 19-го века в Америку конца 90-х и рассказал почти историю Золушки, только в мужском обличии и приближенную к реальности. История главного героя мне в фильме понравилась даже больше (хотя актер жутко бесил), безумная тетушка была просто потрясающей, а Гвинет Пэлтроу очень красива. Добавим сюда же осенний Нью-Йорк, солнечно-морскую Флориду, старинный особняк и в целом атмосферу американских old money. Вообще фильм очень красив с точки зрения визуала. Вроде 1998 год, казалось бы, что мы ещё не видели в других более современных фильмах. Но он сумел чем-то зачаровать. И очень понравилось, как Куарон сделал эротические сцены: они не пошлые, но наэлектризованные. При чем это ощущается почти весь фильм, хотя моментов 18+ там минимально. В общем, красивый фильм, над которым можно подумать, а можно и просто отдохнуть и получить удовольствие от картинки, Нью-Йорка, светской жизни американского общества и страстей главных персонажей. P.S. Если смотрели фильм, то расскажите, как вам?

Идеальная книга для чтения на фоне новостей об очередном ограблении французского музея — «Проклятые драгоценности» Аны Триго. Триго — оценщица искусства и антиквариата. Однажды одна из её клиенток захотела продать свой браслет, который передавался по наследству по женской линии. Но его никто не надевал, потому что считали украшение приносящим несчастье. Так Триго пришла в голову идея написать книгу про другие подобные украшения. Только уже не из частных коллекций, а про драгоценности, которые видели королей и королев, которыми украшали гербы, мечи и короны, которые застали смену государственных режимов и пережили революции и войны. В книге можно найти истории про алмаз Хоупа, который принадлежал 4 королям, и алмаз Кохинур, который сейчас украшает английскую корону, а до этого его носили индийский раджа и монголы. Не обошлось и без российских украшений: Белого и Черного алмазов Орлова и утраченной императорской диадемы в виде кокошника с сапфирами и бриллиантами, узор которой имитирует морские волны. Есть и протот самый алмаз Регент, который воры несколько дней назад решили не выносить из Лувра, и про огромную жемчужину Перегрину, вместе с которой позировала Мария Тюдор и испанские королевы на картинах Веласкеса, а потом Элизабет Тейлор снималась в кино. Каждый рассказ — это не просто перечисление характеристик украшения или его собственников и указание его стоимости. Это история людей и их судеб, история целых государств и народов. Мне это особенно понравилось, потому что я люблю, когда про искусство рассказывают в том числе в связке с историей. Это как раз такой случай. И именно все эти истории показывают, почему украшения считают проклятыми (хотя кажется, что дело больше в людям, чем в украшениях). Единственное, что меня смутило — это простой язык повествования. Но это, наверно, у меня деформация после текстов законов, судебных актов и научных статей) А так, думаю, что научпоп таким и должен быть: простым, понятным и легкочитаемым. Благодаря этому,мне «Проклятые драгоценности» показались идеальным вариантом для вечернего интересного чтения, когда не хочется перегружать мозг, а вот узнать что-то новое очень даже хочется. #время_на_книги

Я думаю, что если не все, то очень многие уже слышали про ограбление Лувра. Поэтому про него не будем. А расскажу лучше про другие кражи искусства, а точнее про некоторые рекорды (и про Мону Лизу в этой подборке не будет😅). Самая первая кража Считается, что эту почетную роль себе забирает инцидент с триптихом «Страшный суд» Ханса Мемлинга (фото 1). В 1473 году картину переправляли на корабле, который атаковали пираты. Они же и забрали картину, которая вместо Флоренции оказалась в польском Гданьске. Работу не смогли вернуть ни дипломаты, ни Медичи, ни булла Римского папы. «Страшный суд» и сейчас в Гданьске. Правда, картина успела побывать и в Лувре, и в Эрмитаже. Самая часто похищаемая работа Гентский алтарь Яна и Хуберта вай Эйков (фото 2) похищали полностью или частями 13 раз за 600 лет. Происходило это по разным причинам. Сначала было Иконоборческое восстание, во время которого алтарь разобрали на 12 частей. Что-то удалось спрятать и сохранить, а что-то потерялось. Потом 4 кусочка забрал себе Наполеон, когда завоевал Гент. В 19-м веке часть алтаря похитил викарий собора и продал брюссельскому торговцу. В 20-м веке орудовали уже профессиональные воры, которые требовали за части алтаря выкуп. Что-то вернули, но главную панель, «Праведные судьи», так и не нашли и ее пришлось заменить копией. А во время Второй Мировой войны алтарь буквально на кусочки растаскивали себе Гитлер, Франция и американская армия. Самые похищаемые художники Этот статус делят Пабло Пикассо и Рембрандт. По состоянию на 2012 год было украдено 1147 картин Пикассо, а у Рембрандта зафиксировано минимум 86 украденных работ. Из них чаще всего пытались украсть «Ночной дозор» (фото 3): на него покушались 4 раза. Такая разница в количестве картин объясняется тем, что у Пикассо просто в целом очень много работ и есть не только картины, но и графика, керамика и т.д. Ещё у воров популярны Шагал, Уорхолл и Дали. Самое крупное музейное ограбление В 1990 году двое воров, переодетые полицейскими вынесли из Музея Изабеллы Стюарт Гарднер 13 картин. Среди них был единственный пейзаж Рембрандта «Христос во время шторма на море Галилейском» (фото 4), пять работ Дега, картины Вермеера и Мане. Общая стоимость работ — больше $500 млн. Ни одну из картин так и не нашли. Самый продуктивный вор Это почетное звание достается французу Стефану Брейтвизеру. С 1995 по 2001 он украл больше 240 предметов искусства, стоимость которых оценивается в $2 млрд. Он воровал примерно раз в две недели, обычно в небольших музеях провинциальных европейских городов. И делал это не ради денег. Он просто очень любил искусство и так собирал свою коллекцию) Вот только получилось максимально неудачно. Когда этого ценителя прекрасного арестовали, его мать уничтожила большую часть его коллекции, чтобы скрыть улики. Брейтвизер отсидел в тюрьме чуть больше двух лет. Но в 2011 полиция нашла ещё украденные работы, и «коллекционер» снова оказался в тюрьме. Ситуация повторилась в 2019. Но отделался Брейтвизер легко: домашний арест и браслет на ноге. #история_из_истории

Нетерпеливый бунтарь Брюллов Брюллов был мастером светского портрета, и каких только дам, графинь и барышень он ни рисовал. К нему стояли в очереди многие аристократы. При этом у Брюллова нет ни одного законченного портрета члена императорской семьи. Есть эскизы, наброски, акварели. То есть работа начиналась, но до конца так никогда и не дошла. Что же случилось? 1836 год. Брюллов вернулся из Италии в Россию. Уже три года, как написан «Последний день Помпеи», Брюллов знаменит и купается в лучах славы. Ему жутко не хотелось возвращаться из теплой и солнечной Италии в холодный и серый Петербург. Но Николай I сказал ехать, значит едем. Вернув домой звезду, Николай I сразу заказал Брюллову три портрета с изображением жены и дочерей. На одной картине Александра Федоровна должны была быть с дочерью Марией на лошадях (эскиз нафото 1). И вот в один прекрасный день, пока императрица ездила на лошади по улице, а Брюллов делал с нее эскизы, пошел дождь. Прекратил ли художник работу? Нет. И императрица еще какое-то время ездила под дождем, позируя Брюллову. На втором портрете Александра Федоровна хотела, чтобы ее нарисовали в старинном русском костюме. Императрица сначала передала художнику богато расшитое платье, чтобы он во всех деталях изобразил его великолепие. Но эта работа не вдохновила Брюллова, дело шло медленно, и однажды Николай I решил заехать и посмотреть, как идет процесс. Но Брюллова на месте он не застал, а платье оказалось сброшенным в угол, уже помятым и покрытым пылью. На следующий день костюм забрали, а Брюллов порезал неоконченный портрет на кусочки. На третьей картине императрица должна была позировать со своими дочерьми. Брюллов сделал эскизы каждой из них отдельно (фото 2 — императрица, фото 3 — княжна Мария Николаевна), уже утвердил их с императором, но для полной картины нужно было собрать всех женщин вместе. А они не собирались! В итоге Брюллов плюнул на это, отказался от работы и снова порезал незаконченную картину. Не повезло не только женской части императорской семьи, но и самому императору. Николай I заказал свой портрет Брюллову, назначил день и время встречи. Брюллов пришел, подождал 20 минут и ушел. Дело в том, что Николай I славился своей пунктуальностью, а тут дерзнул опоздать. В итоге от Брюллова император получил только короткое сообщение: «Карл Павлович ожидал ваше величество, но, зная, что вы никогда не опаздываете, заключил, что вас что-нибудь задержало и что вы отложили сеанс до другого времени». Другого времени и сеанса уже, конечно, не было. Интересно, что это вообще никак не повлияло на карьеру Брюллова. У него всегда были другие заказы, денег было предостаточно, и в опалу он не попал. Выходит, творчество и талант превыше всего) #кто_это_нарисовал

Так хорошо провела вечер, что хочется сразу и поделиться) Сегодня вечером был #культурный_визитна лекцию, посвященную Карлу Брюллову, которую проводило культурное объединение «Слово». Я весной была на экскурсии в Русском музее, где мы провели 3 часа с научным сотрудником музея. После такого я думала, что меня уже не удивить. Но нет. Если в Русском музее мне показали «Великого Карла», то на лекции показали и обратную сторону его творчества. Лектор предложил попробовать отказаться или по крайней мере задать вопросы двум главным стереотипам о Брюллове. Первый как раз о том, что это Великий Карл и Пушкин русского искусства, а второй — Брюллов был салонным художником, который не знает, что сказать. В итоге мы разобрали, как развивалась итальянская и русская живопись, почему Брюллов, безусловно, был первопроходцем в русском искусстве, что нового он привнес в портрет и почему его «Последний день Помпеи» понравился итальянцам и совсем не зашел французам. И главный вопрос, на который каждому предстояло ответить: но значит ли это, что Брюллов был гением? Мне понравился такой альтернативный взгляд на художника. Я все-таки за то, что нужно смотреть с разных углов на одно и то же, с разных сторон узнавать творцов, их произведения и их жизнь и не бояться задавать и ставить перед собой вопросы. Это был как раз такой случай. P.S. Я часто смотрю разные лекции онлайн, а вот на офлайн мероприятия в Москве уже несколько месяцев не выходила. Как приятно, когда духовная пища органично соединяется с вкусными блюдами, есть повод нарядиться и пообщаться с новыми людьми.

Вчера в комментариях к картине «Плот „Медузы“» написали, что она похожа на «Последний день Помпеи». Для меня они тоже похожи. И это понятно: стиль у картин один — романтизм. И сегодня я решила собрать подборку картин, которые показывают не самую романтичную сторону этого течения. Если посмотреть на эти картины, то что у них общего?Все это работы на тему реальных исторических событий. А еще на них много смерти и мертвых людей. Любили романтики все такое. Дело в том, что смерть очень хорошо ложится на все каноны романтизма: 🔴чувства вместо рационального и культ сильных эмоций: какое чувство сильнее, чем горе от смерти другого человека, страх перед собственной кончиной, возможные муки перед этим. Добавим к этому то, что никто не знает, что происходит после смерти — рацио тут совсем не применимо. 🔴стремление к единению с природой: смерть для романтиков — это такое своеобразное единение с природой и возвращение в ее лоно. Отсюда еще много изображений кладбищ, мрачный пейзажей, руин. У того же Каспара Давида Фридриха много такого. 🔴сильная и трагическая любовь: для романтиков любовь — это максимальный накал и высший уровень блаженства. Для того, чтобы испытать что-то подобное хоть раз в жизни, можно и умереть. И в то же время эти чувства всегда трагические, потому что такие ощущения не совместимы с обычным мирным существованием. От осознания этого и последующих страданий тоже можно умереть, и смерть будет очень даже романтичной. 🔴способ вернуться в утраченный рай: романтизм весь пропитан подспудным ощущением, что люди потеряли свой рай, живут неприкаянно, оторванными от Бога и чего-то высшего. Как вернуть этот рай? Правильно — умереть. Это не гарантия попадания в рай и к высшему блаженству, но а вдруг. И мне кажется, что этот пункт подходит для большинства картин из подборки. На многих работах умершие люди при жизни на самом деле страдали: кто-то болел чумой, кто-то оказался в открытом океане, кому-то пришлось спасаться от извержения вулкана и т. д. Поэтому для них смерть стала освобождением от страданий, переходом в лучший мир, а жизнь была настоящим адом. В общем романтики часто обращались к теме смерти, люди заигрывали с ней, а в моде были меланхоличные, «полумертвые» и грустные настроения. Хорошо это видно и в литературе того времени. P.S. Почитаешь и можно подумать, что смерть — это прям прекрасно. Но предлагаю для сильных чувств и выражения любви провести время с близкими и показать им эти свои чувства, напомнить самому себе, каково это их ощущать, а не умирать. Для единения с природой выйти на прогулку, созерцать и пытаться находить красоту в простом. А для поиска утраченного рая, может, стоит подумать, что важно и ценно для вас. Возможно, у вас это уже есть, и рай совсем не утрачен, а просто стал чуть менее заметным в череде дней. P.P.S. Все названия картин написала в комментариях #кто_это_нарисовал

Сегодня расскажу про одну из самых впечатляющих и масштабных картин (она размером 5*7 метров), которую мне довелось увидеть вживую. Это работа Теодора Жерико «Плот „Медузы“», 1819 года. В 1817 году молодой Жерико ищет себе сюжет для масштабной картины. Но у него, как мы бы сейчас сказали, творческий кризис. И вот ему попадается книга «Гибель фрегата „Медуза“», где очень подробно и во всей красе очевидцы этого события рассказывали, что же там происходило. А происходило там страшное. В 1816 году у берегов Сенегала потерпел крушение французский фрегат «Медуза». Люди начали эвакуироваться. Кто-то получил место на лодках (в том числе капитан корабля), а кому-то пришлось ютиться на построенном плоту. И таких оказалось большинство: 147 человек поместились на 20-метровой конструкции. Их должны были тянуть за собой на канате те самые лодки. Но плот оказался перегружен, тянуть было тяжело, людей было много, поэтому канаты быстренько разрезали. В итоге лодки успешно добрались до берега, а людям на плоту пришлось выживать в нечеловеческих условиях в открытом океане. В итоге только за первую ночь были убиты и покончили жизнь самоубийством около 20 человек. Во время штормов люди боролись буквально на смерть за наиболее безопасное место. Потом пошел каннибализм и выбрасывание за борт слабых, больных и сшедших с ума. В итоге, за 13 дней такого плавания из 147 человек живыми добрались только 15. Им очень повезло, потому что их случайно заметил другой корабль (эту небольшую надежду можно увидеть на фото 3). При этом те, кто добрался спокойно до берега на лодках, не организовали даже никакой спасательной миссии. Мало того, что это иллюстрация по-настоящему человеческой трагедии, которая потрясла в то время всю Францию, это еще и мощное политическое высказывание. Дело в том, что время трагедии «Медузы» и написание картины — это период второй реставрации Бурбонов, когда после Революции к власти вновь пришли все те же короли. И как-то ничему они не научились: пытались восстановить старые порядки, устроили террор среди офицеров и чиновников, служивших при Наполеоне, и развели кумовство. Это и стало причиной трагедии «Медузы»: капитаном назначили человека, который не выходил на воду уже 20 лет, не имел опыта управления таким судном, но зато был дворянином, который поддерживал Бурбонов. Мир увидел картину Жерико в 1819 году, когда про трагедию еще не забыли, а у власти были все те же Бурбоны. Поэтому художник предусмотрительно назвал работу просто «Сцена кораблекрушения». Но все всё поняли. Возможно, поэтому во Франции она изначально не прижилась. А вот в Англии имела безумный успех. В Лувр картина попала только после смерти короля Людовика 18, при котором кораблекрушение и случилось. #кто_это_нарисовал

Я сейчас немного погружаюсь в культурную дипломатию США, и вчера прочитала про один из примеров такой дипломатии, который активно использовали во время Холодной войны — балетные гастроли. В конце 1950-х США и СССР решили обменяться балетными труппами: танцоры Большого театра поехали в США, а танцоры Американского театра балета — в СССР. Обе труппы были сильными, но подходы к танцу были совершенно разными. Советский балет основывался на традициях еще имперского балета и в Америке они показывали «Лебединое озеро», «Жизель», «Ромео и Джульетту». Американские же танцоры привезли в Советский Союз новый танец и новые школы: Марту Грэм с модерном и Джорджа Баланчина (а точнее Георгий Баланчивадзе) с неоклассическим балетом. Считается, что именно в этом проявлялась идеология двух стран: капитализм с его новыми формами, идеями и индивидуализмом и коммунизм с желанием в первую очередь образовать людей, повысить их культуру и подчеркнуть значение общности. Но дальше та самая культурная дипломатия, видимо, проявляется во всей красе) Если почитать американские источники, которые рассказывают про гастроли советской труппы, то там примерно что-то такое: советские танцоры необычайно сильные, они волшебные и прекрасные (хвалили наших танцоров прям очень), но танец, постановки — все это уже устаревшее, как и коммунистическая идеология. А когда советская труппа приехала во второй раз в 1962 году и показывала «Спартака» (балет уже советского времени, вот вам новинка!), американские критики писали, что и тут СССР отстал — в 1960-м вышел фильм Кубрика. И мол американцы охотнее пойдут в кинотеатр, чем будут смотреть на балет. Ну и обязателен рассказ про сбежавших в США Нуреева, Барышникова и т. д. У нас что-то подобное, но чуть подобрее) Американских танцоров хвалили за технику, но ругали за некую холодность в чувствах. Говорили и о том, что этот ваш новомодный балет как-то не особо понятен, а музыка на некоторых постановках — чистая какофония. Но что бросается в глаза и чего я не увидела в американских источниках — очень хвалят отечественных танцоров и делают акцент на влиянии русского балета на американский. Возможно, так получилось из-за того, что рецензии на постановки Баланчина не всегда проходили цензуру, а освещать «балетный обмен» надо было) Как бы там ни было, гастроли советских и американских трупп собирали аншлаги и залы были переполнены на двух полушариях (все-таки американцы шли и на балет, а не только в кино на «Спартака»). Так что будем считать, что культурный обмен удался. А там уже что каждый из зрителей взял для себя и чем вдохновился, удивился, поразился — оставим на их суждение. #история_из_истории

В сентябре я несколько недель рассказывала вам про свое путешествие во Францию и делилась историями про достопримечательности, художников, музыкантов и монархов. Сегодня расскажу немного свою историю) В 14 лет я познакомилась с Дюма. У дедушки было целое собрание из более 30 книг. Первое, что я взяла читать — это «Две Дианы») Так началась моя заочная любовь с Францией. После «Двух Диан» пошли по порядку следующие произведения Дюма, потом был марафон по Виктору Гюго и Морису Дрюону. Став постарше, я взялась за Генриха Манна и Стефана Цвейга, которые рассказывали про отдельных личностей из истории Франции. А потом купила огромную книгу Андре Моруа «История Франции». Ни одно другое государство меня так не привлекало, как Франция. И с 14 лет я все мечтала поехать в Париж и увидеть те места, о которых я читала, пройтись по тем же улицам, посмотреть на эти замки. Мне рассказывали, как там плохо, вонюче, все кишит мигрантами и крысами и делать вообще нечего. Но мечта есть мечта) Потом к литературе добавилось искусство. Я стала узнавать все больше про картины, художников, ходить регулярно в музеи. И читая про ту или иную картину, не раз замечала, что она хранится в Лувре или Орсе. Так желанных мест для посещения стало больше. В этом году мне исполнилось 25 лет. Я уже не раз планировала поездку в Париж, но все время откладывала, все время что-то «мешало». То учеба, то работа, то слов я мало знаю на французском, то сезон не тот, то «как же я поеду одна». Но на мое 25-летие мама сказала ехать!Ехать и смотреть все, что я хотела посмотреть, делать фотки, копить воспоминания и запомнить это время. Так и случилась эта поездка. Посмотрела я, конечно, не все) Просто физически не успела. Я бы хотела вернуться еще, не раз и уже не одна. Но эта поездка точно была особенной. Мне захотелось сохранить ее как-то более основательно, поэтому я сделала свою первую фотокнигу. И честно говоря, буквально «пролистать» воспоминания и пройтись по «страницам» путешествия оказалось куда более интереснее, чем просто смотреть фотопленку в телефоне. В общем, небольшое напоминание в этот понедельник: не откладывайте свои мечты, путешествуйте, смотрите, узнавайте новоеи сохраняйте воспоминания. Это стоит того на все 1000%! P.S. Кстати, если интересны мои впечатления и выводы о Париже и Ницце, то ставьте 💘. Наберем 50 сердечек и напишу кратко, совпали ли у меня ожидания с реальностью)

Сегодня начался октябрьский книжный клуб, на котором мы читаем «Грозовой перевал». Первая встреча, как всегда, была посвящена знакомству с автором, так что сегодня узнали чуть поближе Эмили Бронте. Я рассказала: 🤎про семью и родной поселок Бронте, который во многом повлиял на довольно мрачную атмосферу работ Эмили; 🤎про характер писательницы, который отчасти отразился в персонажах «Грозового перевала», и ее непростые отношения с обществом; 🤎почему первые работы сестер Бронте считают прообразами современных фанфиков; 🤎кто был «продюсером» сестер Бронте; 🤎как викторианская мораль повлияла на восприятие «Грозового перевала» современниками Эмили Бронте. Теперь берем две недели, чтобы прочитать сам роман, и встречаемся на обсуждение. Уже интересно узнать, будем ли мы также называть «Грозовой перевал» диким и аморальным или все же найдем в нем и что-то хорошее) P.S. Спасибо девушкам за фото и интересные обсуждения после лекции! Честно говоря, я не устаю радоваться тому, насколько все начитанные, образованные и умеющие поддержать любую тему! #книжный_клуб@discultnotes

На ночь глядя я с модными кошмарами. Иногда на портретах 15-17 веков женщин можно увидеть с необычными (и, как по мне, жутковатыми) меховыми аксессуарами-зверьками. Официальное их название — zibellino. Название пошло от латинского слова, которое обозначает «соболь». Но делали их еще и из куниц. Такой аксессуар держали в руках, обматывали вокруг шеи или талии. Некоторые зверьки украшены еще драгоценностями и «одеты» в золотые «шлемы». Особенно такая мода была распространена в Северной Италии. Точно известно, что у некоторых женщин семьи Медичи были особенно богатые zibellino (одна из них на фото 5). Но потом мода перешла в другие регионы и даже в Англию и Шотландию. Например, Мария Стюарт привезла несколько таких аксессуаров во Францию, а несколько жен Генриха 8 имели zibellino с изумрудами, рубинами и бриллиантами. Такого же зверька получила однажды в подарок на свой день рождения английская королева Елизавета I. Но зачем женщины использовали такой аксессуар до конца не ясно. Есть несколько версий. 1. Показать свое богатство Мех соболя и куницы всегда был дорогим, его традиционно носили очень богатые и монаршие особы. А украшенные драгоценными камнями, zibellino становились полноценным украшением, которое отлично показывало статус. 2. Символ деторождения и плодовитости Куница считалась просто олицетворением плодовитости, потому что люди верили, что она может родить даже через ухо (ну бывает). Еще на это повлиял миф о рождении Геркулеса. Его отцом был Зевс. А Гера, жена Зевса, очень хотела, чтобы ребенок не родился, поэтому попросила богиню плодородия предотвратить роды. Но этому помешала служанка матери Геркулеса, и ребенок все же появился на свет. А богиня плодородия превратила ту самую служанку в куницу, которая теперь должна была рожать через рот (кошмар на кошмаре). Именно по этому считается, что как раз головы zibellino всячески украшали. Еще в пользу этой версии говорит то, что zibellino обычно носили женщины и вокруг талии. А на фото 4 конкретный пример: беременная женщина с zibellino в руках. 3. Символ превосходства человека над природой Человек в целом был в центре внимания в эпоху Ренессанса, а тут его могущество показано буквально: он поймал, убил и укротил ловкое и хищное животное. Некоторые zibellino были еще на цепочке, что дополнительно показывает, что теперь зверем управляет человек. 4. Инструмент для ловли блох Это самая не подтвержденная и самая поздняя версия, которую придумали только в 19-м веке. Автор этой версии предположил, что блох должен был привлекать мех зверя. Поэтому насекомые прыгали не на людей, а на их аксессуары. Версия сомнительная, но тут хотя бы есть какое-то практическое применение в отличие от всего остального. #история_из_истории