(не)Культурные заметки Ди

Сегодня расскажу про #культурный_визит в музей Матисса в Ницце. Судя по очереди на входе, он намного популярнее музея Шагала. Еще он будет побольше: тут несколько этажей, есть даже мастерская для творчества посетителей, а экспозиции делятся на постоянную и временную выставку. Но постоянная почему-то оказалась очень скудной. Возможно, что-то переделывают или картины путешествуют по другим городам. А вот временная выставка очень даже интересная. Она посвящена Средиземноморью на картинах Матисса и рассказывает, как путешествие художника по Корсике, Марокко, Ницце, Марселю и другим прибрежным городам отразилось на его работах. Выставка начинается с пляжа в Сент-Тропе, который Матисс нарисовал в стиле пуантилизма (фото 3). Это ранняя работа и дальше видно, что художник довольно быстро отошел от этих мелких точек и стал рисовал большими цветными участками. На это повлиял особенный свет Средиземноморья и его восприятие Матиссом. А последнее играло немаловажную роль. Например, он мог написать пляж красным, хотя песок был белый (фото 7). Но на картине он красный, потому что жара и яркое солнце вызывали у художника ассоциации именно с красным. Мне больше всего понравилась «оконная» серия: картины, на которых Матисс изображает немного внутренней обстановки комнаты, окно и вид из окна (который почти всегда на Средиземное море). Так, комната стала для Матисса чем-то вроде театра, где окно-занавес приоткрывает (но никогда не показывает полностью) главного действующего персонажа - бесконечную синеву Средиземного моря, которая сливается с небом. Еще я очень прониклась рисунками Матисса на черном фоне. Белые линии, силуэты и ничего лишнего. Еще в музее есть аппликации художника, вдохновленные подводным миром. На эту же тему у Матисса были стулья в виде ракушек (фото 8). P.S. Несмотря на то, что музей Матисса больше и экспозиция тут обширнее, я вышла немного разочарованной. Но это проблема моих ожиданий) Я изначально шла с предвкушением увидеть картины из Марокко и Алжира. Но их там не оказалось (ну и ладно, было другое красивое). А потом я узнала, что несколько работ из этих серий вообще-то есть в России) Да и в целом после посещения нескольких музеев в Ницце поняла, насколько крутые и масштабные проекты делают наши музеи сейчас. И это в условиях, когда многие возможности ограничены.

27 мая 1840 года в Ницце умер Никколо Паганини. Правда, похоронили его не тут, а в Парме. И только спустя 56 лет🥲 Дело в том, что многие священники отказывались проводить похороны. Мало того, что перед смертью Паганини не успел исповедаться, так его ещё называли скрипачом дьявола. Людей смущала жутковатая поза скрипача, а музыка восхищала так, что сложно было поверить, что человек так умеет. После концертов Паганини газеты пестрили статьями, где писали, что у него за спиной стоит дьявол, есть копыта и черные крылья. А музыкант и не сопротивлялся таким историям: это только привлекало больше народу на его концерты, и скрипач зарабатывал большие деньги. Но в волшебной игре Паганини дело было не в дьявольском вмешательстве. Он учился играть с самого детства и очень много тренировался. А ещё у Паганини предположительно было генетическое заболевание, из-за которого пальцы рук были очень вытянутые и гибкие. Вот что писал его лечащий врач: Кисть его не больше нормальной величины, но он может удвоить ее длину растяжением всех ее частей. Так, например, он сообщает фалангам пальцев левой руки, которые касаются струн, необычайно гибкое движение, отчего пальцы без малейшего смещения кисти передвигаются в сторону, противоположную их естественному сгибу, причем делает это изумительно легко, точно и быстро. Еще у Паганини одно плечо было выше другого. Поэтому и поза во время игры была не самая изящная, а довольно скрюченная. Добавьте эмоциональный порыв во время игры и всё — перед нами скрипач, который продал душу дьяволу. Все это привело к тому, что забальзамированное тело Паганини разрешили похоронить только в 1876 году. Но на этом приключения не закончились. Гроб с телом ещё несколько раз перекапывали, потому что кому-то слышались из-под земли странные звуки. В 1896 году в Парме тело Паганини наконец-то нашло последнее пристанище. #история_из_истории

Второй день в Ницце я почти полностью провела в местных музеях: музее Шагала и музее Матисса. Сейчас расскажу про #культурный_визит в первый из них. Музей Шагала в Ницце — это уникальный музей, потому что его открыли ещё при жизни художника (хотя это, скорее, художник уникальный). Сам Шагал тоже был на открытии, которое прошло в его 86 день рождения. Вторая необычность этого музея в том, что он посвящен одному сюжету — «Библейскому посланию». Это 17 картин, на которых Шагал изобразил различные сцены из Библии. Тут и сотворение человека, и изгнание Адама и Евы из Рая, и Ноев Ковчег. «Библейское послание» в узнаваемом стиле Шагала, но в то же время оно по-своему особенное. Во-первых, все картины в одной цветовой гамме, где превалирует синий. На некоторых работах мы видим то, что происходит на земле и на небесах. И тут синий отвечает за небесную и божественную часть. Но на работе «Ноев Ковчег» синий — это уже символ воды. Шагал, кстати, был первым художником, который решил изобразить именно то, что происходит внутри ковчега. Только две работы в другом цвете: «Авраам и три ангела» (фото 5) в красном, а «Моисей получает свод законов» (фото 2) — в желтом с белым. На этих работах Шагал, конечно, не обошел сторон свои корни и оставил множество отсылок к истории, страданиям и культуре еврейского народа: по бокам от основного сюжета картины Шагал рисовал небольшие сторонние сцены с такими отсылками. А сюжет некоторых картин нужно «читать» справа налево, как иврит. Еще одна отсылка, которая есть почти на всех работах, — это Витебск, родной город художника. Если присматриваться, то в разных частях картин есть витебские избы и домики. Еще в музее есть мозаика Шагала «Пророк Илия». Художник придумал её специально для музея и сделал на основную тему всей экспозиции. Но так как к моменту создания мозаики Шагалу было уже больше 80 лет, то выкладывал рисунок другой художник. Сам музей камерный и небольшой. А перед ним — просто великолепный сад, где очень вкусно пахнет лавандой! Если будете в этих краях, то обязательно после музея сходите в небольшое кафе в этом саду. Там очень уютно, умиротворенно и вкусно. Но есть риск, что потом не захочется вставать и идти в музей Матисса неподалеку)

Провожаю лето (хотя, скорее, продляю его) в Ницце. На Французской Ривьере Френсис Скотт Фицджеральд справлялся с безумством своей жены Зельды. Тут же потом окажутся персонажи его романа «Ночь нежна». В Ницце жил Сомерсет Моэм и почти 40 лет прожил Анри Матисс. Тут же писал картины Марк Шагал, а Ницше работал над «Так говорил Заратустра». В этом городке жил и Чехов, который боролся с туберкулезом. Тут он дописывал «Три сестры». Сюда приезжали на зимовки английская знать вместе с королевой Викторией и русская императрица Александра Федоровна. В Ницце похоронены члены семьи Ван Клифф и русский революционер Александр Герцен. Хочется бесконечно ходить по улочкам старого города, разглядывать таблички на ярких разноцветных здания и понимать, что ты прикасаешься к частичке истории✨

Книжный клуб сентября — «Лолита» Владимира Набокова Сентябрь в книжном клубе мы начнем с самой чистой, самой абстрактной и тщательно выстроенной книги Набокова. Именно так охарактеризовал писатель свою «Лолиту». Этот роман принес Набокову славу, деньги и звание американского классика. А он хотел сжечь книгу! Остановила Набокова жена Вера, которой «Лолита» и посвящена. Думаю, что сюжет все более менее знают: взрослый мужчина притворялся отцом девочки и спал с ней. Для многих роман порнографический. Именно поэтому «Лолиту» сначала отказывались публиковать. Книгу согласилось напечатать только одно европейское издание, которое специализировалось на эротической литературе. Целевая аудитория такого чтива «Лолиту» не поняла, а остальные до нее не добирались. Но однажды один американский критик назвал работу Набокова лучшей книгой 1955 года. На это ему ответил другой, назвав «Лолиту» самой грязной книгой года. Так начался публичный спор критиков, писателей и издатель по поводу «Лолиты». Все это только повышало продажи книги. «Лолита» перебралась в США, где первое издание разошлось трех миллионным тиражом. Одновременно роман запрещали во Франции, Англии, Бельгии, Аргентине, Новой Зеландии, Бирме, ЮАР и переводили на всевозможные наречия Индии. Некоторые продолжали считать «Лолиту» порнографией, другие называли ее смешной, страшной и гениальной. Решить, какая же она для нас, нам предстоит на встречах клуба: 🌼7 сентября я пришлю в отдельный чат лекцию про жизнь Набокова. Познакомимся и с самим автором, и с историей создания «Лолиты», которая была непростой; 🌼21 сентября мы встретимся в Москве, чтобы обсудить книгу и персонажей. Стоимость участия в клубе: 3500 руб. В стоимость входит печатная книга, лекция про автора и офлайн встреча, дополнительные материалы по книге и отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes P.S. На фото небольшая подборка обложек «Лолиты» разных изданий из разных стран. И только первая более менее отвечает пожеланиям самого Набокова. Про это тоже поговорим)

К выходным расскажу про недавний #культурный_просмотр сразу двух фильмов с Кирой Найтли про реальных исторических личностей. «Герцогиня», 2008 Фильм рассказывает историю герцогини Джорджианы Кавендиш. Девушка рано вышла замуж за нелюбимого человека, который ей постоянно изменял. Но Джоржиана была не робкого десятка: она была законодательницей мод, активно участвовала в политической жизни Англии и ломала привычные устои своего времени. Например, Джорджиана сама кормила грудью своих детей. Еще один известный случай с Джорджианой — их семья состояла из трех человек: она, муж и любовница мужа. И оценки такого сожительства расходятся: кто-то жалеет Джорджиану, а кто-то пишет, что она была совсем не против и даже делила любовницу с мужем. В фильме Джорджиану показали, скорее, в роли жертвы. Но понравилось, что сделали акцент не только на любовной истории, но и показали, что она была умной и образованной женщиной, которая участвовала в политической деятельности партии вигов. А это на секундочку 18-й век, и до того как женщинам дадут избирательное право еще почти 200 лет. «Опасный метод», 2011 Этот фильм рассказывает про отношениях Зигмунда Фрейда, Карла Юнга и Сабины Шпильрейн. Мне показалось, что акцент сделали именно на Фрейде и Юнге (хотя там все как-то очень по верхам было), хотя история Сабины не менее интересна и точно заслуживает большего внимания, чем ей уделили в фильме. Сабина Шпильрейн в 18 лет попала в психиатрическую клинику, где ее лечил Юнг. Сначала она была его пациенткой, потом стала его любовницей. Но что более важно — Сабина заинтересовалась психоанализом. Она работала вместе с Юнгом, после выписки из больницы поступила в Университет Цюриха на медицинский факультет и написала работу про шизофрению. Ее тезисы всколыхнули психиатрическое сообщество, а Юнг потом заимствует некоторые ее идеи по этой теме. Потом Сабина защитит свою работу и станет первой женщиной, которая получила ученую степень в области психологии. В 1923 году семья Сабины вернулась в СССР, где как раз активно развивался психоанализ. В России девушка заведовала секцией детской психологии в 1-м Московском государственном институте, участвовала в Русском психоаналитическом обществе, преподавала, начала развивать детский психоанализ. Но жизнь её закончилась трагически: братьев Сабины расстреляли в 30-е годы, потом умер муж, а в 1942 уже немцы расстреляли женщину и её дочерей. P.S. Если в «Герцогине» Найтли более менее в своем привычном образе, то такой, как в «Опасном методе», я её ещё не видела. Очень понравилось, как сыграла психически нездоровую!

Перебирала фотопленку и увидела фото с выставки «Путь на Восток. Русские художники в Центральной Азии», о которой не рассказала. Эту экспозицию готовили 15 лет. Работы собирали по крупицам, а некоторые картины специально реставрировали для выставки. Многое там показывают впервые за десятки лет. Остальное время картины живут в запасниках. Выставка рассказывает о том, как русские художники в 1920-1940-х отражали в своем творчестве загадочный и манящий Туркестан. Туда ехали многие: сначала это были командировки в составе агитационных поездов, потом исследовательские экспедиции и строительство магистрали, которая соединяла Восток с Сибирью. На выставке вы посмотрите на не самые привычные работы известных мастеров и точно откроете новых художников для себя. На их картинах — яркие колоритные цвета, восточный быт и сочетание голубого и песочного цвета, от которых прям чувствуется сухость климата и жара. Ну а мой фаворит — «Гранатовая чайхана» Александра Волкова (фото 5). Для меня в этой работе соединилось две вещи, которые я очень люблю - чаепитие и красный цвет (просто потрясающие оттенки и гамма красного! Но надо смотреть вживую, на фото не то). А сам художник писал так: Пройдя через ряд живописных течений – футуризм, кубизм, экспрессионизм, подошел к примитиву, в котором ввел систему треугольников… Этот цикл был закончен в 1924 году картиной «Гранатовая чайхана» – это мой символ веры. И напоследок небольшое предупреждение. Я думаю, что на эту выставку стоит идти тем, кто уже был на Брюллове, Кустодиеве, Машкове и других более менее популярных выставках и кто хочет чего-то нового, не заезженного и камерного. Иначе выставка может показаться скучноватой. #культурный_визит

Увидела эти фотографии и никогда бы не подумала, что это рекламная съемка косметики Louis Vuitton. Мне кажется, это самое настоящее искусство — так видеть, строить композицию и умело совмещать западный продукт для массового потребителя с азиатской культурой. Автор этих работ — китайский фотограф Лесли Чжан. Сначала он учился в художественной школе и планировал быть художником, но потом перешел в фотографию.

Осенний книжный клуб Книжный клуб возвращается с летних каникул! Уже готово расписание на следующие три осенних месяца🍁 Начнем мы с одного из самых скандальных романов — «Лолиты» Набокова. Уверена, что нас ждут бурные обсуждения! А октябрь и ноябрь мы проведем в готической атмосфере английских романов и прочитаем «Грозовой перевал» Эмили Бронте и «Портрет Дориана Грея»Оскара Уальда. Мне кажется, что эти книги созданы для медленного, вдумчивого чтения, когда хочется не просто следить за сюжетом, а погружаться в атмосферу, глубины и потаенные уголки человеческой природы, размышлять, обсуждать и наслаждаться текстом. Именно этим и займемся в рамках книжного клуба) Все детали можно узнать на фото, а посмотреть, как проходили наши прошлые встречи по хештегу #книжный_клуб@discultnotes Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik

Собрала сегодня такую прекрасную подборку) Все эти картины на один сюжет. Вот только каждая из них постепенно повышала уровень скандальности изображения женской обнаженной натуры. «Спящая Венера», Джорджоне, 1510 Эта картина считается по-своему революционной, потому что тут Венера не в привычной обстановке, нет купидонов, она не прикрывается, а показывает свою наготу. Она отчасти эротична, но совсем не пошлая или вызывающая. Такое ощущение возникает из-за того, что глаза у Венеры закрыты, а цвета на картине холодные. Мы можем наслаждаться ее красивыми телом, но как будто подойти ближе уже нельзя. А из-за мраморности тела (на нем практически нет теней) кажется, что богиня в целом невесома и еле касается драпировок, на которых лежит. «Венера Урбинская», Тициан, 1538 Тициан был учеником Джорджоне и даже участвовал в написании «Спящей Венеры». Но свою Венеру он сделал уже совсем другой. Во-первых, она смотрит прямо на нас. Это сразу ломает стену между нами и богиней, которая будто ни капли не стесняется своей наготы. Во-вторых, цвета уже более теплые, а сама Венера более осязаема. И, думаю, тут уже посильнее ощущается эротизм. В целом, это было допустимо, потому что, вероятнее всего, Тициан писал эту картину на заказ в честь свадьбы, а Венера — это портрет невесты. И многое на картине говорит о браке: сундук с нарядами на дальнем плане — это приданое девушки, собачка у ее ног — это символ верности. Но вот эта рука)) Она не дает покоя исследователям и критикам, которые говорят, что это и не невеста вовсе, а проститутка. У «Венеры» Джорджоне рука в таком же положении. Но все остальное не позволяет говорить, что это кто-то еще, а не богиня. «Маха обнаженная», Франциско Гойя, 1797 Эта картина ломает уже все возможные стены: это никакая не богиня (обнаженные богини были ок, а вот реальные люди — нет), она смотрит прямо на нас, румяная и вполне себе осязаемая. Кто на картине — точно неизвестно. Но есть версия, что это любовница премьер-министра Испании, который и заказал эту картину для своей коллекции. В 1808 году художника арестовали за такое изображение женщины. Арест, скорее всего, был политическим и больше направленным на премьер-министра (потом даже требовали его отставки). Гойю допросили и отпустили, когда художник смог доказать, что на самом деле он следовал вековым традициям изображения обнаженных женщин (не совсем😅) и ничего плохого не сделал. «Олимпия», Эдуард Мане, 1863 В данном случае даже название было скандальным. Обнаженными были Венеры, Данаи, одалиски. А тут Олимпия — негативный персонаж из «Дамы с камелиями», порочная и безнравственная женщина, да еще и скрытое наименование дам полусвета времен Мане. Тут сразу понятно, кто перед нами) А украшения и обувь говорят, что это не древний мир, а вполне себе 19-й век. На этой картине еще многих злил взгляд Олимпии прямо на зрителя. Из-за этого, как писали, многие ощущали себя клиентами этой девушки. Но, как говорится, нечего на зеркало пенять) Если у Гойи получилось избежать крупного скандала, так как картина была в частной коллекции, то у Мане — нет. Он представил свою «Олимпию» на Парижском салоне и сразу огреб кучу критики. Вот, например, один из отзывов: Никогда и никому ещё не приходилось видеть что-либо более циничное, чем эта «Олимпия». Это — самка гориллы, сделанная из каучука и изображённая совершенно голой, на кровати. Её руку как будто сводит непристойная судорога… Серьёзно говоря, молодым женщинам в ожидании ребенка, а также девушкам я бы советовал избегать подобных впечатлений. «Автопортрет», Флорин Штеттхаймер, 1915 Ну и вишенка на торте — обнаженный женский автопортрет, который Штеттхаймер написала в свои 45 лет. Тут уже никто не пытался облечь это в мифические сюжеты. Наоборот — художница откровенно говорила, что написала себя. Такую работу сейчас можно было бы сравнить с публикацией обнаженных фото в какой-нибудь соцсети) Но если сегодня таким уже мало кого удивишь, то в начале 20-го века такая картина стала фурором — до этого женщины не писали своих обнаженных портретов в открытую. #кто_это_нарисовал

Продолжу немного про Машкова и расскажу про необычные интерпретации его натюрмортов. На первый взгляд это просто овощи, фрукты, цветы, предметы. Но давайте немножко пофантазируем) Первый натюрморт называется «Тыква». Но овощ тут такой большой ияркий, что похож на солнце. А что, если это Король-Солнце в окружении своей свиты? Справа от него «серый кардинал»-кувшин. А рядом жандармы, цвет формы которых был как раз баклажановым. На переднем плане перчики-молодые люди, которые прям даже лезут друг на друга, желая увидеть короля или, наоборот, показать себя. А сбоку отдельной группой скромно стоят румяные девушки-яблоки. Кто скрывается за луком и артишоками оставляю на ваше усмотрение и фантазию) А второй натюрморт с камелией оказывается и не натюрмортом вовсе. По центру у нас камелия. После романа Дюма название этого цветка закрепилось за дамами полусвета и в целом женщинами, которые ведут богемный образ жизни и зависят от мужчин. Допустим, у нас тут такая статная светская дама не самых высоких моральных качеств. А рядом с ней буквально какой-то крендель) Маленький, вероятно, полный, но обеспеченный мужчина. Перед ними — их сладкие деточки-фрукты на тарелочке. Драпировки на заднем фоне и реквизит по бокам намекают на то, что они делают семейное фото в фотоателье. Никогда не смотрела на натюрморты с такой точки зрения) Искусствоведы в Третьяковке открыли такие неочевидные интерпретации. Не знаю, задумывал ли Машков какие-то из своих работ с таким подтекстом, но как новый взгляд на привычные вещи, мне кажется, интересно. #кто_это_нарисовал

Вчера была в ресторане «Пушкинъ» на ужине, который стал идеальным продолжением выставки Машкова и ещё больше вдохновил на посещение выставки Кустодиева. «Пушкинъ» вместе с Третьяковской галереей разработалидва сета, в которых каждое блюдо - это кулинарное воплощение картин из собрания музея. Например, на закуску нам принесли ломоть свежего теплого хлеба, под которым скрывалась устрица. Нам то повезло ее попробовать, а вот аристократ с картины Павла Федотова «Завтрак аристократа» довольствовался только хлебом. Другая закуска - это вариация картины «Селедки» Давида Штеренберга. Такой вкусной селедки я ещё не ела)) На горячее в одном из сетов подавали нежное суфле из перепелки с картофельным гратеном по мотивам картины Машкова «Снедь московская». Второй вариант - кулебяка с рыбой и раковым соусом, которая отсылает к картине «Половой» Кустодиева. На десерт был персик с картины Машкова «Фрукты на блюде». Это воздушный мусс с персиковым пюре. Мне показалось, что я ела облака😅 Настолько воздушным оказался этот персик) А десерт из второго сета сделан в лучших купеческих традициях с картин Кустодиева. Это кекс, пропитанный темным ромом, с изюмом (и мне показалось, что ещё и с розой), пломбирным кремом и малиновым вареньем. А к нему обязательно черный чай! Для полноты картины не хватало только самовара) Но, как видно по моему довольному лицу, все и так было хорошо) Такие сеты можно попробовать в «Пушкине», «Шануаре», «Матрешке», «Турандот» и других ресторанах Maison Dellos до конца августа. Очень классная коллаборация музеев и ресторанов, которая превращает еду в искусство, а искусство делает ближе! Так что вполне можно сказать, что это был #культурный_визит P.S. Я впервые была в «Пушкине». Какое же это атмосферное место! Ощущение, будто попала на ужин в особняк к какой-то княгине✨