(не)Культурные заметки Ди

Книжный клуб в мае - «Эпоха невинности», Эдит Уортон Это тонкий роман о любви, долге и социальной несвободе с потрясающей атмосферой Нью-Йорка 1870-х. У Ньюленда Арчера есть все, о чем можно мечтать. Он строит карьеру адвоката, входит в высший свет Нью-Йорка и скоро собирается жениться. Но внезапная встреча со свободной и независимой женщиной ставит под вопрос все, что он считал правильным. Вместе с персонажами книги мы поговорим о социальных правилах и ожиданиях, о борьбе между долгом и чувствами, о жертве, которую человек приносит ради одобрения и статуса.И все это на фоне «сливок» нью-йоркского общества: такого блистательного и манящего, но такого лицемерного и совсем не невинного. В этом плане это еще и очень «исторический» роман - Эдит Уортон сама была частью этого мира и очень точно и остро подмечает в книге все правила, нормы, подводные камни и нелицеприятные черты Нью-Йорка 1870-х. Вероятно, именно за эту неприкрытую правду в «Эпохе невинности» Уортон и стала первой женщиной, которая получила Пулитцеровскую премию. ⏺️Встречи в Москве пройдут по воскресеньям, 11 и 25 мая, в 12:00 (стоимость - 3500) ⏺️Онлайн встречаемся по субботам, 10 и 24 мая, в 16:00 (стоимость - 2500) В стоимость входит 2 встречи, печатная или электронная книга и отдельный чат с участниками клуба, куда я присылаю дополнительные материалы по книге. В онлайн формате будут записи первой лекции и обсуждений. К первой встрече книгу читать не нужно. На ней мы познакомимся с историей жизни Эдит Уортон и «позолоченным» веком США. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

Детали картины Мне очень нравится игра Брюллова на контрастах. Картина изображает горе, трагедию, страх и ужас. Но одновременно она вся пронизана любовью. Сыновья несут на плечах старенького отца (фото 1), родители прикрывают собой своих детей (фото 6), Плиний пытается уговорить мать бежать вместе с ним, а она отталкивает его, будто убеждая его бежать самому (фото 2). Тут же новобрачные (фото 3). Только вместо радости горе: жених только что потерял невесту. Плиний, кстати, наблюдал извержение Везувия и описал потом свои воспоминания. Правда, он был в другом городе, за несколько десятков километров от Помпей, поэтому и остался жив. Но Брюллов чуть изменил факты для своей работы. Считается, что мать с двумя дочерьми в левой стороне - это реальные люди (фото 4). Три скелета в подобной позе нашли при раскопках. А Брюллов вернул им жизнь на своей картине. Кстати, есть точка зрения, что моделями для этих девушек стала графиня Юлия Самойлова со своими воспитанницами Джованниной и Амацилией. Брюллов очень дружил с Самойловой и ее образ можно найти на «Помпеях» 4 раза: мать с двумя дочерьми (фото 4), лежащая на земле женщина с ребенком в центре картины (фото 5), женщина, которая вместе с мужем и двумя детьми пытается бежать из города (фото 6) и женщина с кувшином на голове (фото 9). Интересно противопоставление жреца и христианского священника (фото 7 и 8). Жрец в белом одеянии, у него в руках какие-то приборы из языческого храма. Он убегает в попытке спастись. А в самом нижнем левом углу картины - христианский священник. Он наоборот смотрит прям в лицо трагедии и будто безропотно принимает свою участь. С одной стороны, это показательный пример от Брюллова в пользу христианства. С другой стороны, считается, что это аллегория смены верований: язычество убегает, а христианство смотрит вперед и наблюдает, как рушатся прежние идолы. Не забыл Брюллов нарисовать и себя. Он в образе художника с коробкой кистей и инструментов стоит в группе людей в левой части картины (фото 9). #кто_это_нарисовал

Итак, «Последний день Помпеи» Монументальная картина размером 4,5 на 6,5 метра - это два сшитых холста, таких размеров просто не было. Масштабы хорошо видны на видео: люди совсем маленькие по сравнению с «Помпеями». История создания Идея работы пришла в голову Карлу во время его поездки в Неаполь. Там он вживую увидел раскопки Помпеи, которые очень его впечатлили. Это в целом была популярная тема в то время: в 1822 году английский художник Джон Мартин пишет «Разрушение Помпеи и Геркуланума», а итальянский композитор Джованни Пачини - оперу «Последний день Помпеи». В Неаполе Карл был не один. Все его спутники неизвестны, но среди них была одна богатая и влиятельная графиня - Мария Разумовская. Считается, что изначально именно она сделала Брюллову заказ на «Последний день Помпеи». Но потом, видимо, графиня поняла масштаб задумки, оценила это в деньгах и на одном вечере хитро «уступила» заказ 15-летнему наследнику огромного состояния Анатолию Демидову. Идея есть, заказ есть, эскиз тоже получилось довольно быстро сделать. Но дальше было тяжеловато. Вот что пишет сам Брюллов: Для написания «Помпеи» мне ещё мало было таланта, мне нужно было пристально вглядеться в великих мастеров. Надо было пережевать 400 лет успехов живописи, дабы создать что-нибудь достойное нынешнего требовательного века. Для этого Карл ездил в Рим, Венецию, Болонью. Смотрел и копировал работы Тициана и Рафаэля, изучал ватиканские фрески. Подход отличный и профессиональный, но это сильно затягивало сроки сдачи работы. Демидов уже думал отказаться, но в итоге согласился продолжить финансирование. И не прогадал. Брюллов написал картину, которая произвела фурор в Европе и которую высоко оценил Николай I, приняв ее в дар от Демидова. Про отдельные сцены картины ниже⬇️ #кто_это_нарисовал

Возвращаюсь с рассказом про #культурный_визит на выставку «Великий Карл», которая идет в Русском музее и которую посещала еще в апреле. Если кратко описывать впечатления - очень масштабно. 🔴 собрали много самых разных работ Брюллова (7 залов на выставке). За один раз нереально посмотреть все тщательно и осмыслить. 🔴 конечно, звезда выставки - картина «Последний день Помпеи». Ее отреставрировали только в сентябре 2024 года и отчасти ей выставка и посвящена. Очень монументальное полотно, которое не может не восхитить. Я видела его вживую впервые и это было вау. 🔴еще одна звезда выставки лично для меня - транспарант «Христос во гробе» (фото 3). Он выставляется впервые. Это удивительная техника и удивительно, что работа сохранилась до наших дней. Транспаранты очень хрупкие и многие не выжили. Из минусов выставки: очень много людей и светлое помещение. Из-за этого многие картины бликуют, а те, что висят повыше иногда сложно рассмотреть. И, как всегда, несколько интересных фактов с экскурсии про Карла Брюллова и его работы: 1️⃣ Брюллов был очень болезненным и слабым с самого детства. Но отец не давал ему спуску и муштровал сына. Например, Карлу не давали завтракать, пока он не нарисует очередную порцию фигурок. А однажды отец дал мальчику такую сильную оплеуху, что тот оглох на одно ухо. 2️⃣ Зато такое воспитание позволило Карлу поступить «на бюджет» в Императорскую Академию художеств в Питере. В Академии строго регулировалось, на какие темы можно писать. Но у Карла были поблажки: он мог писать на свои темы, а по ночам - подправлять работы других учеников. 3️⃣У Брюллова почти сразу начал появляться свой стиль и своя техника. Например, в картине «Нарцисс» он сделал не театральный фон, а более глубокий, добавив фигуру оленя вдали. Еще поиграл со светотенью. Но работу не сильно оценили - слишком все новое. Поэтому когда Карл рисовал свою выпускную работу, он перерисовал ее 8 раз - все никак не мог попасть в канон, все время проявлялось что-то индивидуальное. А важно было не выходить за рамки, чтобы получить отличную оценку и путевку в Италию) 4️⃣Многие известные портреты кисти Брюллова - это так называемые картины-портреты.В чем суть: это сочетание портрета (человек в неподвижном состоянии) и сюжетной картины (где есть какое-то движение). Наглядные пример - «Всадница» (фото 4). Женщина в белом платье сидит боком с совершенно спокойным и невозмутимым лицом, пока лошадь встает на дыбы. Но это нереальная ситуация. В светлых нарядах верховой ездой не занимались, а сохранять спокойствие и такую посадку при таком поведении лошади невозможно. Но это все как раз элементы портрета: красивый нужный наряд и неподвижность фигуры. А лошадь, собака, девочка - это уже элементы в движении из сюжетной картины. 5️⃣ Работая, Брюллов любил все проверять в жизни. Отсюда потрясающие тени как в реальной жизни и положения фигур. Например, для картины «Распятие» Карл подвесил своего ученика, чтобы понять, в каком положении должны быть руки и ноги. 6️⃣ Ну и про руки - Брюллов был мастером рисования кистей рук. Это считается тяжелейшей работой: сделать кисти и пальцы рук живыми и настоящими, а не бездушными «сосисками». Кстати, некоторые картины Брюллов рисовал частично: он делал, например, кисти и черты лица, а все остальное дорисовывали его ученики. Карл не умел работать быстро, а такое распределение обязанностей ускоряло работу, и клиентам не приходилось ждать портрета годами. Про «Последний день Помпеи» расскажу отдельно. Выставка «Великий Карл» идет в Русском музее в Санкт-Петербурге до 12 мая и однозначно стоит посещения

Почему мы отдыхаем 1 мая? Сегодня 1 мая - праздник весны и труда. Выходной не только в России, но и почти по всему миру. Что же такого произошло, что почти всю планету отправили отдыхать? На самом деле ответ простой - в один момент всех так замучили работой, что уже не было сил терпеть. Настолько, что люди взяли оружие и начали бунтовать. До этого 15-часовые смены, 6-дневная рабочая неделя, детский труд, ужасные условия работы, отсутствие трудового законодательства и каких-то гарантий для работника были нормой. Самый известный и кровопролитный митинг случился в Чикаго. Там в мае 1886 года 40 000 рабочих требовали 8-часового рабочего дня. Всего в майских забастовках 1886 года по всем Штатам участвовало до 500 000 человек. Сначала все проходило тихо-мирно. Но когда рабочие начали подходить к воротам одной из фабрик, полиция выстрелила в толпу. Несколько человек были убиты. Это событие быстро подхватили местные анархисты (а их в то время было много). Они печатали листовки с призывами вооружаться, идти на новые митинги и бороться за свои права. Так собралась еще одна забастовка. Но на удивление и она проходила мирно.По крайней мере первое время. В 10:30 вечера на место демонстрации приехал отряд полиции и приказал всем расходиться. В ответ на это кто-то из толпы бросил в полицейских самодельную бомбу. И понеслось - началась перестрелка. Сколько было убитых точно неизвестно: одни газеты писали, что не больше 10 человек, другие - больше 50. Реакция на эти события была противоположна ожидаемой - бизнес и большие компании еще больше нагружали работников (чтобы не было времени и сил бунтовать) и начали активно поддерживать полицию. А та проводила рейды и арестовывала всех, кто хотя бы отдаленно был связан с анархическим движением. Глав анархистов судили и повесили. Ну а обычные рабочие вернулись на свои работы с ненормированным графиком. Но движение за 8-часовой рабочий день продолжалось. Смертные приговоры анархистам только сплотили рабочих, а проблему начали признавать и на государственном уровне. Все пришло к тому, что Парижский конгресс Второго интернационала (международное объединение социалистических рабочих партий) назначил 1 мая 1890 года днем всемирной демонстрации в поддержку 8-часового рабочего дня. Так прошло первое 1 мая. Демонстрация была настолько популярна, что ее решили проводить ежегодно. В этом же году прошла и первая первомайская демонстрация в России. В 1901 году на этом мероприятии уже появились лозунги «Долой самодержавие» и «Да здравствует республика». Но каких-то кардинальных изменений это не давало. Потом началась Первая мировая война, когда на первое место вышли уже не интересы рабочих, а потребности государств. И тут примером для всех стала Россия. Революция 1917 года принесла 8-часовой рабочий день в новое государство. На это посмотрели рабочие в других странах и опять возобновились жесткие демонстрации и революционные настроения. Но свои выводы сделали и государства, которые решили, что им таких радикальных перемен не нужно. Так в 1919 году возникла Международная организация труда. А первой конвенцией МОТ стала конвенция о продолжительности рабочего дня, которая уже на международном уровне закрепила 8-часовой рабочий день. Так что стараемся больше отдыхать и соблюдать work-life balance. А то эти переработки до добра не доводят) #история_из_истории

Я обычно не делюсь отзывами девушек после наших встреч книжного клуба, но тут не могу не поделиться - очень меня тронули впечатления участниц. В воскресенье мы встретились, чтобы обсудить «Маленьких женщин». Обычно мы разбираем сюжет, поступки героев, общие темы, которые затрагиваются в книге. Но в этот раз я решила построить наше обсуждение иначе. И это стало, скорее, «групповой психотерапией», как сказали участницы клуба) В этот раз мы обсуждали поступки и жизнь не столько героев, сколько нас самих, но через призму тех ситуаций, с которыми сталкивались маленькие женщины в романе Олкотт. Мы поговорили о наших семьях и их важности, о границах и здоровом эгоизме. Обсудили сложные моменты детства, взросления и буллинг. Поделились, как мы переживаем сильные эмоции и боремся со своими недостатками. А в конце рассказали о своих памятных жизненных уроках и о том, чему они нас научили. Получилось, правда, очень душевно и тепло!💖 #книжный_клуб

В пятницу закончила день на лекции «Блеск Серебряного века: ювелирные украшения поэтов». Она проходила в рамках ярмарки классического, современного и ювелирного искусства Арт Москва, а лектором была автор книги «Стихи и вещи» Екатерина Горпинко. На лекции рассказали, какие украшения любили и носили поэты Серебряного века и как писали про них в своих стихах (очень красиво!). По традиции делюсь интересными фактами: ⭐Зинаида Гиппиус собирала длинное ожерелье из колец её женатых поклонников, а поэтесса Паллада Бельская носила часы и браслеты на щиколотках. ⭐Для Блока особенным был аметист. Именно этот камень ему подарила его первая любовь - Ксения Михайловна Садовская, которая была на 22 года старше Александра. Поэт позже посвятит ей стихотворение «Аметист». ⭐Анна Ахматова и Марина Цветаева не раз обменивались украшениями как подарками. А на некоторых фото у них можно заметить одинаковую брошь, которая в разное время принадлежала поэтессам. Ахматова в целом очень любила украшения и свое первое опубликованное стихотворение посвятила кольцу. ⭐Цветаева же говорила, что у нее в семье «с кольцами роман». Поэтесса носила всегда много колец сразу и любила дарить их друзьям и близким. При этом всегда потом следила за судьбой своих подарков и обижалась, если с ними что-то случалось или кольца передаривали. ⭐А Есенин мог похвастаться историческими украшениями. У него был перстень, якобы подаренный императрицей, и кольцо времен еще Алексея Михайловича. А я после лекции пошла за книгой «Стихи и вещи: как поэты Серебряного века стали иконами стиля», которую совсем недавно выпустили Альпина нон-фикшн. Я очень люблю такие пересечения моды, искусства и истории! Сразу выстраивается взаимосвязь, лучше понимаешь эпоху, великие творцы становятся чуть ближе, а понимание их творчества намного глубже. P.S. И делюсь фотографиями с ярмарки Арт Москва. Она идет сегодня последний день до 20:00 в Гостином дворе. Впервые ушла с ощущением, что современное искусство мне понравилось больше классического. #культурный_визит

Таитянки Поля Гогена В 43 года Гоген решает уехать на Таити. Ему надоела эта «испорченная» Европа со своими правилами, обществом и условностями (а еще дорогая Европа, что особенно ощущалось при нехватке денег). На Таити художник хотел слиться с природой и жить вне цивилизации. Отчасти получилось. Художник жил в чуть ли не в соломенной избушке, а его отношения с местными девушками сегодня кажутся дикими. На Таити у Гогена было несколько «жен». Они не заключали браки, просто вместе жили. Теааматуа (Техура) - первая «жена» Когда они стали жить вместе, Гогену было 43, а Техуре 13. Вот как он описывал ее в своей книге «Ноа Ноа»: Техура — девочка, ещё почти ребёнок, но уже с мягкими, пластичными движениями взрослой женщины. Она не говорит много, но её молчание — это не пустота, а как будто тишина природы… Я почувствовал, что она — часть этого острова. Её кожа — как бронза, её волосы пахнут цветами и дымом… Когда она лежит на матах в полумраке хижины, мне кажется, что я смотрю не на женщину, а на символ вечности Техуру можно увидеть на многих картинах Гогена: Merahi metua no Tehamana (фото 1), «Дух мёртвых не дремлет» (фото 2), «Семя Ареоя» (фото 3). Они прожили вместе 3 года, а когда Техура забеременела, Гоген, видимо, подумал «были там, уже проходили» (у него было 5 детей от первой жены) и уехал во Францию. Паума - вторая «жена» В 1895 году Гоген снова вернулся на Таити. В этот раз он взял себе в жены 14-летнюю Пауму, чьи родители жили в соседнем доме. Девушка родила Гогену двух детей, мальчика и девочку. Девочка умерла еще в младенчестве, а мальчика Паума воспитывала сама. Их отношения не сильно долго продлились - Паума сама ушла от Гогена. Вайра - третья «жена» В 1901 году Гоген переехал на Маркизские острова. Там он взял себе в жены 14-летнюю Вайру. Считается, что она была с ним до конца его дней (Гоген умер в 1903 году). Художник в это время уже сильно болел, но Вайра все равно с ним оставалась. Теперь немного контекста. Кажется, что это натуральная педофилия. Но и Гоген, и его таитянские жены вряд ли воспринимали это так. Такие союзы европейцев с местными жительницами были распространены в колониальной Французской Полинезии. Сами островитяне воспринимали их как часть адаптации приезжего к местной жизни. Более того, такие «браки» часто устраивали родители девушек, чтобы получить какие-то деньги и статус. Но с такой же целью и европейцы брали себе таитянских «жен». Например, на Таити негде было купить еду, потому что каждая семья сама добывала себе пропитание. Но если ты европейский художник и бегать на охоту и рыбалку особо не хочешь, то вот лайфхак: берешь в «жены» местную девушку, и тогда она и ее семья делились продуктами с тобой. При этом считалось, что в таком союзе все свободны: девушка могла уйти в любой момент. Именно так поступила вторая «жена» Гогена Паума. А первая «жена», Техура, отказалась возвращаться к художнику, когда он снова приехал на Таити. А для Гогена таитянки были не просто женщинами для удовлетворения базовых потребностей. Они, скорее, были образами. В них он видел ту самую природу и естественность, за которыми и ехал на Таити. И благодаря им художник нашел свой стиль: только во время первого визита на Таити Гоген написал около 80 картин, которые очень хорошо продавались. И именно таитянских женщин он изобразил на картине, которую сам считал своим шедевром - «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» (фото 4). #кто_это_нарисовал

На выходных был #культурный_визит на выставку современной художницы Люси Соловьевой или LU. Я думаю, вы уже много где видели эти светлые портреты. И они, правда, такие. То искусство, о котором не хочется сильно размышлять и пытаться найти скрытый смысл. Это просто красиво, на картины приятно смотреть и их хочется «сохранить» себе, чтобы возвращаться и радовать глаз. Но это не просто красивые портреты. LU рисует разные эмоции, предлагая зрителю попробовать разгадать, что сейчас происходит в душе у человека. О чем он думает, что его гложет. Возможно, так мы задумаемся, а что происходит внутри нас. Мне кажется, важно иногда задавать себе такой вопрос и прислушиваться к себе. В общем, отличное сочетание приятного с полезным. Выставка проходит в Московском музее современного искусства до 4 мая. Она небольшая, на нее можно забежать, чтобы укрыться от жаркого солнца, но остаться чуть подольше и попробовать заглянуть чуть глубже.

Христос Воскресе!✨ Нет лучше повода поделиться потрясающими видами храма Воскресения Христова (Спас на крови) в Питере чем светлый праздник Пасхи. Кстати все, что внутри храма - это мозаика, а не роспись. А алтарь (фото 3) сделан из камня, это не дерево. Такие материалы в храме не случайно - их специально выбрали для непростого климата Санкт-Петербурга. Мозаика и камень в отличие от росписи и дерева могут выдержать высокую влажность и низкие температуры. И ещё одна просто чудесная история. Во время Великой Отечественной войны в центральный купол храма попал снаряд. Но он, к счастью, не разорвался. Его обнаружили только через 18 лет! Снаряд весом 150 кг на высоте почти 100 метров доставали 6 человек: верхолазы и сапер.

Киндер-сюрприз по императорски В 1885 году император Александр III решает подарить своей супруге Марии Федоровне пасхальный подарок - яйцо с сюрпризом. И пошел для этого не в сувенирный магазин или «Пятерочку» имперских времен, а к ювелиру Эрмитажа - Карлу Фаберже. Так получилось первое яйцо Фаберже - «Курочка». По сравнению с другими работами оно довольно простое в оформлении и похоже на обычное яйцо. Простое да не совсем) Скорлупу ювелир сделал из эмали, а желток из золота. Внутри «желтка» - золотая курочка с рубиновыми глазами. Внутри курочки - миниатюра императорской короны, тоже из золота и еще с бриллиантами. Был ещё второй сюрприз - цепочка с рубиновым кулоном. А теперь представьте, насколько это ювелирная работа: все яйцо в длину 6,5 см, а фигурка курочки - 3,5 см. Несмотря на простой дизайн, яйцо очень тронуло императрицу. А все потому, что Фаберже взял за основу подарка похожее яйцо, изготовленное еще в прошлом веке и принадлежавшее родителям Марии Федоровны, королю и королеве Дании. Императорской фамилии идея с драгоценными пасхальными яйцами понравилась, и после этого Карл Фаберже должен был каждый год делать одно новое пасхальноеяйцо. Оно обязательно должно было быть уникальным и с сюрпризом внутри. Яйца Фаберже становились все изощреннее с каждым годом, а всего ювелир успел сделать как минимум 52 яйца. Интересно, что случилось с «Курочкой» потом. После революции, в 1920 году, яйцо купил лондонский торговец. Потом сменилось еще несколько владельцев, и в итоге «Курочка» оказалась в коллекции журнала Forbes (я даже не знала, что у журнала была своя коллекция искусства). В 2004 году российский миллиардер Виктор Вексельберг купил «Курочку» и еще 8 яиц Фаберже у Forbes и вернул их в Россию. «Курочка» спокойно хранилась в Питере в музее Фаберже (который тоже основал Вексельберг), а в 2021 году поехала в Великобританию на выставку. Выставка закончилась в мае 2022 года, но «Курочка» не вернулась домой. Лондон арестовал это яйцо и еще золотой портсигар работы Фаберже из-за британских санкций против Вексельберга. Вот так неожиданно сокровища императорской семьи подпали под современные санкции. #история_из_истории

На прошлой неделе у меня был #культурный_визит в Санкт-Петербург. Я ехала на три выставки: Каспара Давида Фридриха в Эрмитаже, Александра Дейнеки и Карла Брюллова в Русском музее. Буду на этой неделе про них рассказывать. И начну с самой первой - Дейнеки. Это было мое первое знакомство с художником, до этого не видела никаких его работ. Выставку организаторы построили так, что с каждым залом открывается новая грань творчества художника. Сначала это были светлые и солнечные картины, которые сменились яркими и контрастными сюжетами. Между ними - советский плакат, портреты чернокожих из США и свободных парижанок из французских кафе. Они совсем не такие как советские женщины: первые утонченные и в изящных нарядах, а вторые - спортивные, в простых платьях, но видно, что могут все. В следующем зале - яркие мозаичные композиции. Дейнека проектировал панно для станций московского метро Маяковская, Павелецкая и Новокузнецкая. А одна из мозаик оказалась замурована в стене корпуса Бенуа в Санкт-Петербурге. Пройдем дальше и увидим аппликации, которые напоминают синие бумажные фигурки Матисса. В общем, художник был очень разноплановым. Герои у Александра Дейнеки - спортивные, счастливые и здоровые советские граждане, которые смотрят в светлое будущее. И это хорошо отражает модное художественное направление того времени - соцреализм. Но я как-то не прониклась: персонажи мне казались бездушными восковыми фигурками, а я люблю рассматривать на картинах характер. Поэтому мне понравились единичные вещи: портреты и картина «Сбитый ас» (фото 6). На них как раз есть и характеры, и драма происходящего. И переношу немного ответственности за такое впечатление на экскурсовода: как-то не удалось раскрыть художника и заинтересовать им, а вместе живого рассказа было много умных англицизмов, значение которых иногда было сложно понять в контексте.