(не)Культурные заметки Ди

На днях наконец-то добралась до Музея русского импрессионизма, где давно планировала #культурный_визит на выставку «Журнал красивой жизни». Если кратко - это, правда, очень красиво! То самое искусство, в котором не нужно искать скрытого смысла и пытаться понять, что хотел сказать художник. Ты просто смотришь, наслаждаешься и впитываешь красоту✨ Выставка посвящена журналу «Столица и усадьба», который выходил в очень неспокойное время - с 1913 по 1917 года. И этот журнал стал для его читателей настоящей отдушиной, местом, куда можно нырнуть и уйти от суровой реальности. Мир, созданный Владимиром Крымовым, издателем журнала, крутился вокруг интеллигенции Санкт-Петербурга, их домов, нарядов, досуга, личной жизни. Персонажи в целом те же, что и сегодня - жены государственных деятелей, княгини, фрейлины, артистки и просто красивые женщины (содержанки😅). Что отметила для себя - некое неприятие реальности современниками. Время выхода журнала - это период, когда дворянство уже переживает свой упадок. «Антоновские яблоки» Бунина и «Вишневый сад» Чехова тому подтверждение. И в то же время журнал возносит этот слой общества, как будто стараясь уцепиться за последние моменты этой роскоши и богатства. Художники, чьи картины публиковались или описывались в журнале, тоже реагировали на этот процесс и на Первую Мировую войну. Отсюда множество мотивов дворянства Николаевской эпохи, когда был его расцвет, и даже Древней Руси. Людям того времени казалось, что раньше было лучше. Это «лучше» и воспевали, и как будто не хотели принимать реальность. Что вполне понятно, учитывая всю жестокость, грусть и боль от происходящего. Что интересно - в это же время появляются футуристы со своими безумными формами и мотивами. Но их работ не было на страницах журнала - это издание было все же про другое. И тут весьма кстати комментарий Льва Бакста: Два течения господствуют в настоящее время в искусстве. Одно - раболепно ретроспективное, другое, враждебное ему, футуристическое, горизонты которого впереди, в оценке потомства. Где же искусство наше, где искусство современное? Как вы хотите, чтобы я чувствовал себя современником, чтобы я совершал живые, добрые дела среди искусства, которое все время лишь меланхолически поет, что всё в прошлом?! А теперь посмотрите на другой лагерь, лагерь смертельных врагов "пассеистов", на пресловутый футуризм. Такое же, одинаковое, как и у пассеистов, презрение к сегодняшнему дню. Произведения, пишущиеся для того, чтобы их впоследствии оценили. Вот такая красивая жизнь, которая, по словам Крымова, доступна не всем, но все же существует. А выставку очень рекомендую, если хочется как раз разбавить свою жизнь понятной красотой) Выставка до 6 октября

Только прочитала, как США и Великобритания перестраивали свои отношения во время Второй Мировой войны, и тут же попадается интересный факт про Черчилля и его визиты в Белый Дом. Во время своего первого визита в США в 1941 году у Черчилля случился небольшой конфуз. Премьер-министр по утрам принимал ванну, в которой активно работал. И вот Черчилль выходит из ванной, он в чем мать родила, а к нему уже рвется Рузвельт, вдохновленный работой над Уставом будущей ООН. Рузвельт увидел, что Черчилль только вышел из ванной и голый. Президент извинился, сказал, что придет в другое время. Но Черчилль не растерялся и сказал: Мне нечего скрывать от Президента Соединенных Штатов. Интересно стало, была ли эта ситуация на самом деле. Немного почитала - в разных источниках дают разные данные: ⚫эту историю якобы подтверждали стенографист и телохранитель Черчилля. ⚫Сам Черчилль тоже упоминал эту ситуацию в своих мемуарах, только там не было никакой наготы. Публично он и вовсе отрицал такой случай. ⚫В опубликованных дневниках близкого друга Рузвельта тоже упоминается эта история. ⚫При этом составитель речей Рузвельта рассказывал, что напрямую однажды спросил у Черчилля, было это на самом деле или нет. На что Черчилль ответил, что это полнейший бред, и он никогда не принимал Президента США, не обернувшись хотя бы полотенцем. Кто из них говорит правду - мы никогда уже не узнаем. Поэтому оставляю на ваше усмотрение - верить этой истории голой дипломатии или нет🧐 #история_из_истории

Ну что, вот и подходит к концу лето🥲 Предлагаю сегодня в рамках рубрики #арт_отпусккрасиво проводить это 31 августа и насладиться теплыми лучами уходящего солнца на картинах Архипа Куинджи (и вживую) Надеюсь, что за эти 3 месяца вы успели и погреться на солнышке (но не обгореть), и провести время на свежем воздухе, и получить долю ярких и теплых впечатлений, которые потом будут греть душу осенними и зимними вечерами. P.S. Присылайте в комментариях фото своих летних моментов - устроим минутку ностальгии💫

Известные картины в русских музеях. Часть 1 - Эрмитаж в Санкт-Петербурге В комментариях под прошлым постом увидела некое сожаление от того, что картины Рембрандта хотелось бы посмотреть вживую, но они находятся в музеях Европы или США. Ко многим шедеврам это, действительно, применимо - мало того, что поехать куда-то сейчас сложнее, так еще и взаимодействие между музеями, которое всегда было сложным, сейчас стало еще хуже. Но у нас тоже есть много интересно. В российских музеях довольно большое собрание мировой живописи, и чтобы перечислить всё собрание Эрмитажа и Пушкинского, надо заводить отдельный блог) Поэтому расскажу про самые знаковые картины мировых художников, которые можно найти в Эрмитаже: ✨Леонардо да Винчи: «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта». Леонардо представлен в России только этими двумя картинами, и они в Эрмитаже. ✨ Так же и с Караваджо - в России есть всего одна картина «Лютнист», и она тоже в Эрмитаже. ✨Рубенс: хранится 22 работы, включая «Союз Земли и Воды», «Персей и Андромеда», «Возчики камней», «Вакх». И тут же мужской портрет, на котором можно полюбоваться мастерством художника рисования кружев, о чем писала тут. ✨ Есть отдельный зал Рембрандта, в котором показано 20 картин. Особенно выделяется «Даная» и «Возвращение блудного сына». ✨ Из английской живописи выделила для себя Томаса Гейнсборо и его «Даму в голубом». ✨Франсуа Буше и Жан Оноре Фрагонар: два представителя эпохи рококо и французского галантного века. Нравится эта эпоха, её представители и небывалая вольность в живописи. Более яркая работа Буше «Геркулес и Омфала» хранится в Пушкинском музее, а в Эрмитаже хранятся «Пигмалион и Галатея» и его пейзажи. Зато в Эрмитаже есть замечательный «Поцелуй украдкой» Фрагонара. ✨ Среди более поздней французской живописи особенно выделяются «Мост Ватерлоо» Клода Моне, «Портрет Жанны Самари» Ренуара. ✨ Среди постимпрессионистов в Эрмитаже хранится «Мужчина с трубкой» и «Натюрморт с драпировкой» Сезанна, «Женщина, держащая плод» Гогена, «Арена в Арле» Ван Гога. ✨ В Эрмитаже можно посмотреть и на пуантилизм, о котором писала недавно - есть две картины Поля Синьяка «Большая сосна» и «Гавань в Марселе». ✨ Большое собрание Матисса, среди которого в Эрмитаже, пожалуй, самая известная картина - «Танец». Это лишь малая часть того, что можно посмотреть в Эрмитаже - выбрала самые сливки. Полную коллекцию музея можно посмотреть у них на сайте. Пусть этот пост станет хорошим поводом посетить северную столицу и сходить в Эрмитаж) Если интересно посмотреть, что есть в Пушкинском музее в Москве, то ставьте🔥 - сделаю подобную подборку самого-самого. P.S. Поделитесь в комментариях, какие картины хотели бы увидеть вживую? Возможно, ваши мечты совсем близко) #культурный_визит

На ночь глядя увидела портреты Рембранта и впечатлилась кружевом - это же надо так вырисовывать все эти узоры и текстуру! А если кружево в несколько слоев, то ещё и передается некий 3D эффект. Честно говоря, именно ткань и одежда больше всего привлекают мое внимание на этих портретах - если присмотреться, то видно, что, кроме кружев, еще и все черные ткани имеют свой узор и текстуру. В общем, очень красиво! #кто_это_нарисовал

Первый американский художник и Россия Читаю сейчас про историю внешней политики США, где среди прочего затрагиваются разные этапы взаимоотношений между Россией и Америкой. В один из периодов, когда мы «дружили», Россия внесла свою лепту в становление художника, которого американцы считают одним из своих первых художников. В 1840-х годах в России строилась Николаевская железная дорога из Санкт-Петербурга в Москву. В это время Россия активно приглашала американских специалистов для своего индустриального развития. Так, в Санкт-Петербург приехал Джордж Уистлер со своей семьей, который стал инженером строящейся дороги. У Джорджа Уистлера был маленький сын - Джеймс. После переезда в Россию он в 11 лет поступил в Императорскую академию художеств. Уистлеры прожили в России 6 лет, и после учебы в Питере Джеймс писал своему отцу: Я надеюсь, мой дорогой отец, ты не будешь возражать относительно моего выбора стать художником, так как я очень этого хочу... Я надеюсь, ты скажешь в следующем письме «да», и что дорогая мама не будет против. Потом Джеймс Уистлер жил в Лондоне, учился в Париже, на его искусство влияли разные течения. Но академическую базу он получил именно в России, которую сам называл колыбелью своего творчества. Во время учебы в Санкт-Петербурге Джеймс Уистлер вдохновлялся картинами Брюллова и Айвазовского, а Репин, Серов и Левитан потом высоко оценивали работы Уистлера на выставках. Куинджи заимствовал у американского художника некоторые приемы и техники, в творчестве Сомова тоже находят влияние Уистлера. В 2006 году проходила выставка в Третьяковской галерее «Уистлер и Россия», которая показывала все грани взаимосвязи американского художника с нашей страной. С большим удовольствием сходила бы на эту выставку🥲 На фото автопортрет художника 1872 года, который он назвал «Аранжировка в сером: портрет художника». Уистлер использовал музыкальные термины в названиях своих картин, чтобы подчеркнуть тональные качества и композицию, и нивелировать повествовательный элемент картин. #кто_это_нарисовал

На этой неделе захотелось провести #арт_отпускв Африке - ярко и насыщенно. Под такой запрос отлично подошли работы Анри Матисса, который путешествовал по Марокко. Его работы очень отличаются от остальных художников, которые были в Африке и писали в стиле ориентализм. Это стало ещё одной причиной выбрать работы именно Матисса, хотя сам стиль художника мне не сильно близок. Сегодня поглощаем яркие, насыщенные, фантастические цвета Африки Матисса и сохраняем эти оттенки для воспоминаний дождливыми осенними днями🔥

Королева Виктория - главный свадебный трендсеттер 🌼 Если задуматься о свадебном платье, то на ум почти на 100% придет именно белое платье. Хотя традиция белых свадебных платьев появилась относительно недавно по историческим меркам - около 180 лет назад. И все благодаря королеве Виктории. В 1840 году королева Виктория вышла замуж за принца Альберта. Для свадьбы королева выбрала белое платье, что было не сильно распространено в то время. Замуж выходили в желтых, голубых, серебряных платьях, а белые наряды выбирали крайне редко по нескольким причинам: 🤍 белый цвет был очень дорогим, потому что сложно было отбеливать ткань. 🤍 белый цвет был очень непрактичным. Платья не носились по одному разу, и даже свадебные наряды потом переделывали и носили в обычной жизни (да и для свадьбы обычно не покупали нового платья, а выбирали то, что уже было). Белые платья очень быстро пачкались и не подходили для такого применения. Почему королева Виктория выбрала именно белое платье? Есть несколько версий. Первая версия - поддержка местного ручного производства кружев. Во времена Виктории начинается индустриализация. Небольшие мастера, которые делали кружево вручную, сильно страдали из-за этого. Поэтому Виктория выбрала большое кружево ручной работы Honiton, чтобы поддержать английских мастеров. И так как кружево было белым, то лучше всего оно сочеталось с белым платьем. Вторая версия - сильная любовь к принцу Альберту. Некоторые историки считают, что Виктория выбрала белый цвет, а не королевский красный, чтобы подчеркнуть свою невинность и чистоту как невесты. Не известно, впечатлился ли Альберт, но на обычных людей такой образ их королевы и семейной идиллии королевской семьи произвел впечатление. Почему именно после Виктории белое свадебное платье стало популярным? Королева Виктория не была первой монаршей особой, которая выбрала для своей свадьбы белый цвет. Но именно она считается основательницей этой традиции. Почему именно она? Возможно, сила личности и влияние. Но вероятнее всего другое - развитие промышленности и фотографии. Во-первых, рисунки, а позднее фото, свадебного образа королевы разлетались по журналам и открыткам, популяризируя такой образ невесты, который хотели примерить на себя и остальные женщины. Развитие фотографии, и в частности свадебных портретов, также во многом способствовало популяризации моды на белые свадебные платья - они хорошо смотрелись и выделялись на черно-белых фотографиях. Во-вторых, развивалась химическая промышленность - белый цвет со временем перестал быть чем-то неимоверным. И развивалась легкая промышленность - появилась возможность шить платья на станках, а не вручную. Это повлияло и на скорость пошива, и на массовость, и на их доступность. Благодаря этому, все больше женщин могли позволить себе купить на свадьбу белое платье, как у королевы Виктории. Картины: 1. «Портрет королевы Виктории», Франц Ксавьер Винтерхальтер, 1847. Этот портрет королева заказала как подарок Альберту на годовщину свадьбы 2. Фрагмент «Свадьба королевы Виктории», Джордж Хейтер, 1842 P.S. В комментариях оставила фото свадебных нарядов #история_из_истории

На днях был не совсем #культурный_просмотр фильма Солтберн. Фильм наделал много шума в начале года, когда все обсуждали ту самую сцену в ванне. Я бы к этой сцене добавила еще сцену с могилой - там был не меньший треш, честно говоря (некоторые сравнивали эту сцену с эпизодом из "Грозового перевала", когда Хитклиф копает могилу своей возлюбленной Кэтрин). Фильм начался так хорошо - Оксфорд, атмосфера студенчества, английские особняки. Я люблю все это. Но потом по ходу сюжета у меня периодически глаза становились квадратными из-за сцен, которые перечислила. Не знаю, насколько они нужны были (такое ощущение будто сейчас в целом пытаются в фильмы засунуть побольше какого-то треша). У главного героя очевидно проблемы с головой, его ни капли не жалко, а его действия не вызывают никакого внутреннего отклика, только недоумение и желание его ударить. Но картинка фильма понравилась. Более того, в кадрах есть некоторые отсылки к искусству. По словам Эмеральды Феннел, создательницы фильма, она вдохновлялась Караваджо (фото 1), английским портретистом Томасом Гейнсборо и в целом эпохой Ренессанса. Кадр после вечеринки в Солтберне напоминает «Сад земных наслаждений» Босха (фото 2), а званный ужин показан в лучших традициях голландского натюрморта (фото 3). В фильме есть еще и Шекспир. Например, вечеринка в честь дня рождения главного героя тематическая - по комедии Шекспира «Сон в летнюю ночь». А одна из героинь, Венеция, заканчивает жизнь, почти как Офелия из «Гамлета» (фото 4). Кроме этого, в фильме скрыт некий мифический символизм среди произведений искусства семьи Каттон - статуя Минотавра в лабиринте и Самсон, убивающий филистимлянина. Эти статуи будто кричат о том, что будет в конце фильма. Кроме скрытых отсылок в фильме есть прямые указания на некоторые произведения искусства - это тарелка Палисси, «какой-то ужасный Рубенс» и в целом множество картин на стенах особняка Солтберн. Кстати, особняк, в котором снимали фильм, реальный - это Drayton House, в котором и сейчас живут люди. Особняк датируется 14 веком, его никогда до этого не снимали в фильмах и он закрыт для посетителей (но назойливые фанаты все равно докучают хозяевам). В общем, фильм специфический, понравится точно не всем, но красоту в нем все равно найти можно. Если смотрели Солтберн, поделитесь - как вам? Замечали какие-то интересные отсылки? P.S. В комментариях еще несколько кадров из фильма и там же небольшой рассказ про тарелки Палисси🔽

Как и обещала, сегодня отправляемся в #арт_отпуск на пейзажи французского побережья Поля Синьяка, который рисовал в стиле пуантилизм (про эту технику совсем недавно был пост). Возможно, техника специфична и понравится не всем, но мне очень нравятся цвета - они и нежные пастельно-розовые, и огненно-оранжевые. С одной стороны, ощущается какое-то умиротворение, а с другой - какая-то ядовитая яркость и дикость. Что-то в этом есть✨

Дочитала «Ночь нежна» Фицджеральда. Эта книга оставила какое-то опустошение внутри и ком в горле. Как грустно наблюдать за тем, как распадается счастье двух любящих когда-то людей. Но, если отбросить все сентименты, то финал ровно такой, каким и должен быть для главных героев. Их период совместного счастья подошел к концу, и теперь они счастливы каждый по отдельности, по-своему. Курс лечения доведен до конца. Доктор Дайвер свободен. Эта книга ещё и хорошая иллюстрация того, что за красивым фасадом розового отеля на Ривьере и роскошного образа жизни могут скрываться свои тайны, страдания, боль, обиды, проблемы. В целом, как всегда у Фицджеральда, - богатые тоже плачут. И еще "Ночь нежна" хорошо показывает, что отношения разрушаются не в один день - это длительный период, в течение которого каждый ещё надеется, что всё можно спасти. Но увы… P.S. Поделилась некоторыми цитатами, которые выделила для себя. Читали «Ночь нежна»? Если да, то какие впечатления у вас вызвала эта книга? #время_на_книги

Точечное искусство Смотрела картины для рубрики #арт_отпуск и нашла яркие пейзажи Поля Синьяка, выполненные в необычной манере - мало того, что цвета очень яркие, так еще и нарисовано точками, а не привычными нами мазками. Так вот эти самые точки - это пуантилизм - новое течение в искусстве, возникшее в 1880-х годах в Париже. Несколько фактов про пуантилизм: 🔵Основатель пуантилизма - Жорж Сёра, который в 1886 году показал на выставке импрессионистов свою картину «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (фото 1). Картина была нарисована в новой необычной манере - точечными мазками. Такая техника вылилась потом в целое новое направление живописи, которое называли дивизионизм, неоимпрессионизм и хромолюминаризм. Но закрепилось название «пуантилизм» благодаря критику Феликсу Фенеону (его портрет кисти Поля Синьякана фото 2), который активно продвигал это направление. 🔴Чистый цвет: пуантилисты не смешивают краски, а наносят чистые цвета. Подразумевается, что глаз смотрящего сам будет смешивать краски, добиваясь более яркой палитры, чем любое рукотворное смешение цветов. 🔵Искусство, базирующееся на науке: пуантилизм во многом основывается на научном труде «О законе одновременного контраста цветов» Мишеля Эжен Шеврёля. Он был химиком, которого однажды пригласили на фабрику гобеленов, которая хотела улучшить яркость красок ковров. Изначальной задачей химика было поработать над формулами красителей, но в итоге Мишель Шеврёль обнаружил, что дело не в них, а в том, как сочетаются различные оттенки, усиливая насыщенность друг друга. Это открытие использовали в своих работах и пуантилисты. 🔴Представители пуантилизма: Жорж Сёра и Поль Синьяк - пожалуй, самые яркие представители течения. Но пуантилизм пробовали и Ван Гог, и Камиль Писсарро, и Матисс, и Василий Кандинский, и Пикассо. Ван Гога, правда, надолго не хватило - все таки пуантилизм требует усидчивости, техничности, даже математической точности. Сложно представить Ван Гога в такой технике. А Анри Матисс из-за ярких и насыщенных красок из пуантилизма постепенно перешел в фовизм. Картины в стиле пуантилизма: 1. "Воскресный день на острове Гранд-Жатт", Жорж Сёра, 1886 2. "Портрет Феликса Фенеона", Поль Синьяк, 1890 3. "Бек-дю-О, Гранкан", Жорж Сёра, 1885 4. "Сеятель на заказет солнца", Винсент Ван Гог, 1888 5. "Роскошь, покой и наслаждение", Анри Матисс, 1904 6. "Портрет женщины", Пабло Пикассо, 1936 P.S. Ставьте😍и отправимся к пейзажам Поля Синьяка в #арт_отпуск этим воскресеньем) #кто_это_нарисовал