(не)Культурные заметки Ди

Вчера нежданно-негаданно разгорелась дискуссия о русском языке и роли Пушкина в его создании) Грех после такого не рассказать про это подробнее! До и во время Александра Сергеевича было два отдельных русских языка: высокой литературный, который базировался на церковнославянском, и простой народный. При этом на литературном языке в повседневной жизни не говорили даже дворяне и образованные люди. В литературе ни в коем случае нельзя было смешивать эти языки, и для каждого стиля были свои правила и слова (они делились даже на три группы: высокий, средний и низкий язык). Пушкин отошел от этой строгой системы разделения стилей, которую придумал Михаил Ломоносов, и начал все смешивать. При этом в таком коктейле стилей пропорция простых слов была больше. И они стали все чаще появляться в его работах, а литературный язык начал приближаться к разговорному. При этом полностью простой и слишком народной литература не стала, Пушкин как раз был против этого. Второе, что делал Александр Сергеевич, — это упрощение предложений. Они у него были короткие и несложные, с прямым порядок слов. По этому поводу даже пишут, что современному читателю легче понять Пушкина из 19-го века, чем современных писателей. Следующее, чему мы обязаны поэту, — это иностранные слова. Именно благодаря ему у нас в языке появились слова «ростбиф», «бифштекс», «денди», «жилет». Он их не русифицировал, не делал из жилета косоворотку и считал, что влияние языков друг на друга в целом нормально. И у него в произведениях они звучат очень естественно, и так, будто всегда и были в русском языке. При этом русский язык Пушкин любил, и ему очень нравилось, когда в гостиных говорили на русском, а не на французском. При этом не сказать, что Пушкин придумал много новых слов. А именно про это и думают, когда слышат, что он создал наш современный язык. Зато тут есть интересные примеры у других писателей. Например, Николай Карамзин от слова «промысел» образовал «промышленность» и ввел в язык слова «трогательный», «занимательный», «впечатление», «катастрофа», «будущность». От Салтыкова-Щедрина у нас слово «халатный», а от Игоря Северянина — «самолет» и «бездарь». Возвращаясь к Пушкину. Такие его реформы приводят исследователей к одному важному выводу: Александр Сергеевич внедрил в сознание людей, что русский язык (как и любой другой) не стоит на месте, а изменяется, и это абсолютно нормально. И после прочтения нескольких статей про это, сложилось такое впечатление, что жил бы он в наше время, то очень классно и искусно орудовал бы всякими «кринж», «имба», «сигма», «тюбик» и «масик». P.S. Простите, если какие-то слова уже устарели, я уже олд и следить за ними всеми для меня ту мач #история_из_истории

Сегодня встречались с девушками из книжного клуба для обсуждения «Портрета Дориана Грея» Оскара Уайльда.Мы как-то не остались в восторге от самого Дориана Грея, у многих он вызвал только негативные впечатления. Но за счет его персонажа мы разобрали важные, как мне кажется, темы. Сначала мы порассуждали на тему влияния, бывает ли оно хорошим или это всегда априори что-то плохое (как говорил персонаж романа, лорд Генри). Тут же не смогли пройти мимо темы выбора и ответственности каждого человека за свои поступки. Пришли к выводу, что многим ох как удобно перекладывать ответственность на других и говорить что-то про плохое влияние. Это же относится и к книге Уайльда. Многие его современники критиковали «Портрет Дориана Грея» за то, что он способствует разложению общества. Но не проблема ли это общества, а не книги? В связи с этой темой много еще обсуждали аморальные поступки Дориана Грея, а точнее как таковое их отсутствие в книге (кроме убийства), и рассуждали, а может ли один человек нести ответственность за действия и решения других. Не прошли стороной и тему наслаждений. Но мне не хотелось спускаться во что-то низменное и подражать Дориану Грею, а наоборот хотелось показать, что счастье можно получать от простых вещей. Поэтому я попросила девушек подумать над какими-то обычными, самыми простыми вещами, которые в повседневной жизни приносят им радость и наполняют душу теплом. И оказалось, что для сильных позитивных чувств вовсе не нужно пускаться во все тяжкие, нарушать закон и моральные границы. Но понимаю, что у Дориана особенное положение: у него все есть. И в таком случае пресыщение может наступить очень быстро, а ощущение вседозволенности снимает все границы. Поэтому тут мы порассуждали, чем бы каждая из нас занималась, если бы у нас тоже все было и даже с излишком. И снова тут не отказалось ничего из того, что делал Дориан) В общем, составили для Грея список, чем ему потенциально можно было бы заняться и в чем поискать смысл жизни) Обсуждая эту книгу, нельзя пройти мимо и темы красоты. Одна из основных идей «Портрета Дориана Грея» в том, что вся сущность человека, как правило, видна на его лице. Но мы разбили эту теорию и все согласились, что добрые и эмпатичные люди часто выглядят хуже, чем самые последние мерзавцы, и красота внешняя не всегда равняется красоте внутренней. Тут же порассуждали о том, что для каждой из нас значит красота в человеке и спасет ли она мир. В общем, получилось очень как-то по-личному. Поэтому очень благодарна каждой девушке за собственную точку зрения, мнение и ту самую красоту души, которая и спасет мир! #книжный_клуб@discultnotes

Вдохновленная красивейшим снежным пейзажем за окном, захотела собрать подборку зимних пейзажей русских художников. Собираюсь сделать это уже который раз, но все никак не получается, потому что мне не очень нравится зима на картинах🥲 Но увидела эту картину, и она меня просто зачаровала! Очень красивый бело-серебристый снег получился. А автор картины - Иван Айвазовский (кто бы мог подумать). За свою жизнь он написал около 6000 картин!И это один из немногих примеров, когда на работе Айвазовского не море. #кто_это_нарисовал

Вечер субботы как будто идеальное время для того, чтобы рассказать про постеры и картины с изображением известного кабаре «Мулен Руж». Одним из завсегдатаев заведения был французский художник Анри де Тулуз-Лотрек. Еще в самом начале работы кабаре его наняли, чтобы он писал рекламные постеры. Один из самых известных – постер «Ла Гулю» (фото 1), на котором изображена сама Ла Гулю (Луиза Вебер), жемчужина «Мулен Руж». Именно эта танцовщица придумала идею финальной концовки канкана: кружась в бешеном ритме, в головокружительном прыжке вскидывать ногу и с визгом садиться на шпагат. Публика собиралась толпами, чтобы увидеть этот номер, который со временем лег в основу главного шоу «Мулен Руж». На другом постере Тулуз-Лотрек изобразил еще одну танцовщицу кабаре, Мэй Милтон (фото 2). Художник нарисовал этот плакат в качестве рекламы тура Милтон по Америке. Мне он хоть и не очень нравится, а вот Пикассо он так запал в душу, что он даже изобразил работу Тулуз-Лотрека на своей картине «Голубая комната» (фото 3). Я привела только два постера, но всего Тулуз-Лотрек написал для «Мулен Руж» около 350 гравюр, 30 плакатов и множество театральных программок и обложек для книг и нот. Были у художника и полноценные картины со сценами из кабаре. Одна из них так и называется «В Мулен Руж» (фото 4). На этой картине справа мы видим крупным планом лицо странного цвета той самой Мэй Милтон, а слева группа людей, среди которых сам Тулуз-Лотрек (он справа от рыжеволосой девушки, прям по центру картины). Кстати, эта рыжеволосая девушка, вероятно, одна из муз художника, которую он называл Рыжая Роза. Она также была посетительницей кабаре. Другая картина, «Танец», изображает все грани посетителей кабаре (фото 5). В центре у нас пара неистово танцует канкан, да так, что у девушки аж красные чулки видны (не очень порядочно и прилично для того времени). Это новая танцовщица кабаре, которую учит известный танцор и акробат Валентин по кличке Бескостный. Он стоит рядом с ней и элегантно натягивает носочек. А справа на них смотрит дама в розовом платье. Она точно аристократка, она холодна и неприступна. Но посетить «Мулен Руж» не прочь. Всем же интересно) А на картине «Англичанин в Мулен Руж» (фото 6) у нас уже более привычная публика кабаре: интеллигентный мужчина, друг Тулуз-Лотрека, о чем-то разговаривает заигрывает с двумя танцовщицами. Работы Тулуз-Лотрека необычны, где-то карикатурны и даже неприятны. Но его ценили за необычную технику: художник вдохновлялся японскими гравюрами, делал штриховой рисунок пастелью и цветным мелом по тонированной бумаге и добавлял цвета акварелью или гуашью. Так у него с не самым большим арсеналом получались довольно выразительные работы, которым добавляли акцента яркие цвета. Но современники не очень жаловали Тулуз-Лотрека, и признание к нему пришло только после его смерти. #кто_это_нарисовал

Вообще характер у Гоголя в целом был скверный. И одна из не самых лучших черт — это постоянная обманчивость и скрытность. Вот, что Юрий Лотман пишет про него: Гоголь был лгун. Вершиной романтического искусства считалось стрем­ле­ние открыть перед читателем душу и сказать „правду“. Вершиной гого­лев­ского искусства было скрыть себя, выдумать вместо себя другого чело­века и от его лица разыгрывать романти­ческий водевиль ложной искрен­ности. Принцип этот определял не только творческие установки, но и бытовое поведение Гоголя. Достаточно просмотреть его письма, чтобы убедить­ся, что он систе­матически мистифицирует своих корреспондентов: то, нахо­дясь в России, пишет как бы из-за границы, то выдумывает несуще­ствую­щие де­тали, превращающиеся потом в мучительные загадки для его биографов. С друзьями он часто скрытничал и многое недоговаривал, а в школе его называли «Таинственный Карла». А сам Гоголь говорил про себя так: Я почитаюсь загадкою для всех, никто не разгадал меня совершенно. Николай Васильевич не раз писал о знакомствах с теми людьми, с кем он не был знаком, и придумывал отговорки о болезни родственников, чтобы сбежать с какого-то мероприятия (тут понимаем и не осуждаем) и даже с собственной премьеры «Ревизора». Некоторых почитателей своего творчества (даже довольно высокопоставленных) Гоголь откровенно разыгрывал, притворялся кем угодно, но только не самим собой. Под некоторыми произведениями Николай Васильевич ставил неверные даты, а его «Выбранные места из переписки с друзьями» вовсе и не настоящая переписка, асобственное сочинение. Поэтому многие и не верят, что Гоголь сжигал второй том «Мертвых душ», и склоняются к тому, что сжигать в целом было нечего. P.S. В декабре в книжном клубе кстати читаем Гоголя🌚Очень интересно вновь познакомиться с этим писателем и рассмотреть его под другим, не школьным, углом

Вчера на аукционе Sotheby’s картину Густава Климта «Портрет Элизабет Ледерер» купили за $236,4 миллиона или примерно за 19 млрд руб. Сейчас это самая дорогая картина современного искусства и самая дорогая картина, когда-либо проданная Sotheby’s. До этого самой дорогой картиной у Климта была «Дама с веером», которую продали за $108,4 млн в 2023 году. А самой дорогой картиной 20-го века считался портрет Мэрилин Монро авторства Энди Уорхола (она стоила $195 млн). Ну а возглавляет топ самых-самых картина Леонардо да Винчи «Спаситель мира», которую купили за $450 млн. Теперь немного про «Портрет Элизабет Ледерер» За два года до своей смерти, в 1916 году, Густав Климт изобразил дочь Августа и Серены Ледерер. Это богатейшей еврейская семья промышленников и меценатов Вены, главные покровители Климта и его близкие друзья. Родители заказали портрет дочери еще в 1914 году, но художник все никак не мог его закончить и постоянно был недоволен результатом. В итоге мать Элизабет в один прекрасный день просто забрала портрет из мастерской художника. В 1938 году, когда нацисты присоединили Австрию к Германии, семья Ледерер стала жертвами гонений против евреев, а их коллекцию искусства успешно разграбили. Семья сбежала, а Элизабет осталась в Вене и во время Второй Мировой войны говорила, что на самом деле она дочь Климта, чтобы ее не считали еврейкой. Девушка умерла в возрасте 50 лет еще до окончания войны. У портрета тоже не самая завидная судьба. После кражи он хранился в замке Иммендорф, который сгорел в самом конце войны. Но портреты семьи Ледерер хранились отдельно от основной коллекции и благодаря этому пережили пожар. В 1948 году портрет своей сестры получил обратно брат Элизабет Эрик Ледерер. Портрет до конца его дней был в его коллекции. А в 1983 году его купил наследник империи Estée Lauder Леонард Лаудер. Портрет висел у него дома, в столовой. И по словам консультанта, которая помогала Леонарду собирать его коллекцию, когда Леонард обедал дома, он всегда это делал за небольшим круглым столом напротив портрета Элизабет Ледерер. В июне этого года Леонард Лаудер умер, и теперь с молотка уходит его роскошная коллекция искусства. P.S. Просто чтобы почувствовать все грани искусства: на этом же аукционе продали золотой унитаз авторства Маурицио Каттелана за $12 млн. Художник назвал свое произведение «Америка». И если за картину Климта 20 минут боролось 6 коллекционеров, то купить такой унитаз пожелал только один человек (а точнее какой-то бренд). Другое творчество Каттелана — это тот самый банан, приклеенный скотчем к стене. Его в прошлом году купили за $6,2 млн и почти сразу съели🙈 #кто_это_нарисовал

Случайно обнаружила, что в лобби отеля Балчуг Кемпински идет фотовыставка, посвященная 100-летию Майи Плисецкой. Вот так была на работе, а случился мини #культурный_визит. Выставку организовали совместно с Бахрушинским театральным музеем. Она небольшая, но каждое фото показывает яркие образы Плисецкой, её невероятную харизму и мастерство. И меня особенно тронули снимки с супругом балерины, композитором Родионом Щедриным! Очень они милые, счастливые и настоящие! P.S. Специально к выставке в ресторанах отеля разработали тематическое меню. Я ничего не пробовала, но мороженное в ресторане лобби очень вкусное и одно из моих любимых)

Сегодня открываем для себя нового Клода Моне. Он не только рисовал импрессионистические пейзажи и десяток лилий, но и баловался карикатурами) Первые карикатуры Моне нарисовал еще в художественной школе. Тогда предметом зарисовок становились учителя и одноклассники (мне кажется, все школьники в той или иной степени были карикатурщиками в свое время). В свободное время будущий художник писал карикатуры местных жителей своего родного города Гавра. В итоге Моне однажды написал: В пятнадцать лет я был хорошо известен в Гавре как карикатурист. Моя репутация настолько укрепилась, что я получал запросы на сатирические портреты со всех сторон. Обилие заказов и небольшие суммы денег, которые мне давала мать, вдохновили меня на смелое решение, которое, очевидно, шокировало мою семью: ястал брать деньги за портреты. За один месяц число моих клиентов удвоилось. Если бы я продолжал в том же духе, то сегодня был бы миллионером. Но Моне не стал карикатуристом-миллионером во многом из-за встречи с Эженом Буденом. Он рисовал море и пейзажи и приобщил Моне к художественной работе на природе. Так постепенно от карикатур Моне перешел к своим импрессионистическим пейзажам. И, как по мне, все получилось именно так, как нужно было. #кто_это_нарисовал

Личный фотограф королевы и хроникер 20-го века В этой подборке лишь небольшая часть работ британского фотографа Сесила Битона. В 23 года он стал штатным фотографом Vogue, потом заключил контракт с Vanity Fair, а после Второй Мировой войны стал личным фотографом британской королевской семьи. Именно он фотографировал королеву Елизавету II в день ее коронации и снимал свадьбу Уоллис Симпсон и Эдуарда VIII. Его же приглашали делать личные семейные фото членов королевской семьи. На фотографиях Битона запечатлены главные лица 20-го века. Тут и Сальвадор Дали с Галой (фото 1), и Марлен Дитрих (фото 3), и Пикассо (фото 6), и Мария Каллас (фото 9). Он будто собирал хронику этого непростого времени, показывая его красивую, мирную и созидательную часть. Но Битон был больше чем хороший светский фотограф. Пожалуй, одно из главных его фото - это фото из госпиталя трехлетней девочки, которая пережила бомбардировку Великобритании со стороны нацисткой Германии (фото 5). Это фото в 1940 году попало на обложку Time и стало одним из факторов, который побудил США начать оказывать помощь Великобритании. Всего за время Второй Мировой войны Битон сделал около 7000 фотографий, которые считаются одной из важных и мощных частей антигитлеровской пропаганды.

Как Роден обезобразил Бальзака или … сделал «величайшее произведение искусства» В 1850 году умер Оноре де Бальзак. Его путь к славе был долгим и непростым, но в итоге он стал одним из главных французских писателей. После его смерти Парижское общество литераторов решило заказать памятник в его честь. Кроме Родена было ещё 4 кандидата, более известных и состоявшихся скульпторов, чем Роден на то время. И если бы не Эмиль Золя, то Роден, возможно, и не получил бы заказ. Но заказ на трехметметровую статую в итоге оказался у Родена, который пообещал сделать её за полтора года. Хороший план, вот только на изготовление памятника ушло 7 лет. Дело в том, что Роден взялся за дело со всей серьезностью: он читал романы Бальзака, ездили к нему на родину, заказывал у портных одежду, похожу на ту, который носил Бальзак, изучал его фотографии. А все потому, что Роден никак не мог решить с концепцией статуи. Бальзак у него то мускулистый мужчина, то обнаженный и обрюзгший старик, то карикатурный памятник. В итоге у Родена получилось около 50 разных набросков будущего памятника, в которых он постепенно отходил от фотографического изображения Бальзака к образу автора в целом. И получилось то, что получилось. Я бы не назвала эту статую комплиментарной Бальзаку (она мне напоминает Франкенштейна, особенно на первом фотоили Чудовище из «Красавицы и Чудовище»), не понравилась она и Парижскому обществу литераторов, которое не приняло заказ. В итоге статуя перекочевала в дом Родена. Выставили ее только через 22 года после смерти скульптора, в 1939 году. А в 1969 году британский историк искусства Кеннет Кларк написал: Статуя Бальзака Родена — это величайшее произведение скульптуры 19-го века, возможно, даже со времен Микеланджело. Бальзак с его потрясающим пониманием человеческих мотивов презирает общепринятые ценности, бросает вызов модным мнениям, как это делал Бетховен, и должен вдохновить нас бросить вызов всем тем силам, которые угрожают ослабить нашу человечность: ложь, танки, слезоточивый газ, идеологии, опросы общественного мнения, механизация, планировщики, компьютеры. И тут нужно сказать, что и Бальзак, и Роден по-своему были новаторами, и их идеи будто продолжают одна другую. Так, Бальзак отошел во французской литературе от романтизма и стал одним из первых, кто писал в стиле реализм. А Роден в свою очередь отошел от реализма в скульптуре и сделал своего Бальзака предвестником экспрессионизма и модернизма. #кто_это_нарисовал (а точнее слепил) P.S. А как вам эта скульптура?

Я снова со страшилками на ночь) Прочитала только что про удивительное учение о сигнатурах. Рассказываю теперь вам. Был в 16 веке в Италии ученый и маг одновременно Джамбаттиста делла Порта. Еще с юношества он собирал всякую травушку-муравушку, пробовал ее и экспериментировал с ней, а потом рассказывал про ее свойства. Так он написал 20 работ, в которых описал как будто все, что можно делать с помощью растений: начиная от наведения красоты для женщин и заканчивая изготовлением поддельных драгоценных камней и невидимых чернил. Спустя 20 лет делла Порта опубликовал свой следующий труд о травах, который базировался на учении о сигнатурах. Про него писали ещё в Древней Греции, потом в Средневековье, а делла Порта забрал это учение себе в эпоху Возрождения. А смысл учения в том, что те растения, которые похожи на человеческие части тела, предназначены для их лечения. Наглядный пример - это более менее современные рисунки с гравюр книги делла Порта на фото. На что растение похоже - то и лечит. Ученые думали, что так Бог оставил людям подсказки в природе. Несмотря на то, что правдоподобность такого учения было под сомнением уже в 17-м веке, в 20-м веке все ещё встречались работы, в которых писали про такую взаимосвязь между растениями и органами людей. P.S. Если погуглить учение о сигнатурах, то можно увидеть неожиданные сравнения привычных овощей и фруктов с самыми разными органами) #история_из_истории

С утра пораньше захотелось рассказать про один из самых значительных рассветов в истории искусства. Это «Восходящее солнце» Клода Моне. Или просто «Impression». Эту картину Моне написал в своем родном городе, Гавре, и изобразил местный порт на рассвете. Таких изображений у Моне много, но это стало особенным. Дело в том, что в 1874 году художник решил выставить эту картину, но красивого названия не придумал. У него спрашивали, как подписать картину, и Моне не задумываясь сказал «Impression». Но на критиков работа не произвела нужного впечатления, того самого impression не случилось. Картину назвали грязной, неряшливой и незаконченной, а про художника писали, что у него нет вкуса и он покушается на настоящее искусство. А один критик пошел дальше и написал, что на этой выставке все работы такие. И буквально обозвал художников импрессионистами. Эта выставка потом стала известна, как первая выставка тех самых импрессионистов. Вот так благодаря небрежно брошенному слову появилось название для целого нового стиля в искусстве. При этом сам термин не был новым: до этого его использовали для описания воздействия природной сцены на художника и воздействия картины на зрителя. #кто_это_нарисовал