Композиция смыслов

Сегодня роли художника и галериста поменялись. Теперь не галерея служит художнику, а художник служит галерее. Слова шефа-куратора галереи современного искусства «Триумф» Марины Бобылевой: «Популярность художника выгодна галереям, […]. Нам хорошо, что художники продвигают себя». Я не ставлю задачей разрушение этих процессов, но почему бы не разрушить 4-ю стену между зрителем и художником, показав зрителю важность той роли, которую он играет в продюсировании художника как личного бренда, которым теперь должен являться любой представитель арт индустрии? Художник сегодня встает перед необходимостью постоянной самокоммерциализации, что изменило традиционный рецепт карьерного роста, согласно которому ему было нужно создавать искусство, чтобы иметь аудиторию. Сегодня же художнику нужна аудитория для создания искусства. Так искусство приспособилось к особенностям социальной среды, которую невозможно представить без современных методов коммуникации. Эти методы общения обеспечивают нам мега-корпорации, например Мета или Гугл. Сила, которой обладают социальные сети в отношении того, как они встраиваются в культурную ткань, глубоко проблематична. Вопросы коммуникации, конфиденциальности, проблемы идентичности, психологии, эстетики – более богатого и актуального поля для художественной исследовательской деятельности сложно вообразить. Но в данном проекте я хочу сконцентрироваться на исследовании механизмов соцсетей с точки зрения критики современной культурной индустрии. Наличие собственного цифрового следа становится рецептом физического выживания, и в этой зависимости происходит драматическое столкновение виртуальной и реальной жизни. Творческая деятельность в виде культа самого себя, выраженная в феномене господства личных брендов – это культура или симулякр культуры? Чем детерминированы наши представления о ценности искусства в этой системе? Количественный социальный капитал, выраженный в знаках внимания аудитории соцсетей создает измеримую ценность, отличающую художников друг от друга. Это стимулирует порочную систему, основанную на рыночной конкуренции, что полностью противоположно созидательной творческой деятельности, к еще большей коммерциализации, в итоге чего социальная популярность личного бренда побеждает качество производимого искусства. Зритель ставится выше идеи, произведения, автора, поскольку обладает силой конструирования количественно измеримой социальной материи. Таким образом, любой художник превращается в курируемый виртуальной толпой культурный проект, от успеха которого зависит рост культурной значимости и весомости «универсального товарного предложения» личного бренда в арт-мире. Нарушение вертикальных связей приводит к тому, что шансы рождения автора увеличивают не непосредственно прямые социальные связи, то есть не те люди, которых художник знает лично, а та безликая толпа фоловеров, которая следует за художником. «Общество Спектакля» Ги Дебора тоталитарно вторгается в пространство сокровенной личной кухни художника и требует перехода на его территорию, что приводит к «симулякризации» – предельной иллюзорности культурной ценности, полностью убивающей искусство. Художник и его искусство стало уникальным товарным предложением, к которым стали применимы аналогии с товаром Ж. Бодрийяра. Покупается (и продается) искусство – или лишь обертка в виде личного бренда? Если убрать маркетинговую надстройку, как мы можем судить о самом искусстве? Способ оценки искусства знаками внимания аудитории соцсетей достиг пугающего уровня. Капиталистическое стремление превратить социальные маркеры в товар и заработать деньги на социальных предпочтениях людей делает для меня обнажение этой проблемы перед зрителем максимально актуальной темой исследования.

Ну... Время пришло) Выставляю на ваш суд текст своего выпускного проекта с курса по совриску, в котором я хочу поднять в общественный дискурс мифы функционирования арт-рынка и продемонстрировать реальный и прозаичный процесс становления художника в маркетинговой неэко-системе. Мой проект направлен на деконструкцию внутренней механики культурной индустрии и является протестом против прямого участия институций в смерти глубокого и качественного искусства. Проект будет показан в Инстаграме в течение 30 дней. Буду рада всякой обратной связи, более того, ваше участие сделает достижение целей исследования более вероятным. Помните, совы не то чем кажутся. Текст концепции ниже.

На этой неделе я заново осмыслила фразу Оби-Ван Кеноби: "Только ситхи все возводят в абсолют". Осознание пришло пока шла к метро, во время прослушивания последнего стрима одного любимого КПТ психолога марксиста. По сути эти парафраз Парацельса "Все есть яд, и все - лекарство, то и другое определяет доза". Именно этим крылатым выражением я решила закончить второй набор курса по Композиции, последний урок которого состоялся в четверг. Какими бы универсальными ни казались законы классической композиции, но нужно уметь от них освободиться, если этого требует творческий поиск истины. И я надеюсь, что студенты поняли, что никакие законы гармоничного построения плоского изображения нельзя возводить в абсолют. Это путь на темную сторону. Грустно расставаться, конечно. Но я надеюсь, что многих увижу на персональных занятиях или как-нибудь еще пересечемся..

Женщина + художник = стабильные эмоциональные качели 💯💯💯 Мне повезло, что у меня есть персональный «психолог» и в моменты слабости, он всегда рядом и находит нужные слова. Ещё мне помогает этот канал в телеграме, потому что тут можно писать длинные тексты и получать от вас слова поддержки. Спасибо вам!!! В понедельник я хочу с вами поделиться тектстом выпускного проекта с курса по стратегирования и начну… да.. начну показывать, что сделала. Назойливо, 30 дней, немножко в виде онлайн перформанса, немножко в виде искреннего видео дневника, множко странно и даже пошло.. Посмотрим как пойдет. Ожидания минимальные.

Люсьен Фрейд о том, как развить свой вкус (почерк, стиль) в искусстве: "Художник делает реальными для других людей самые сокровенные чувства по поводу всего, что его волнует. Тайна становится известна каждому, кто смотрит на картину через интенсивность, с которой она ощущается. Художник должен дать полную волю любым чувствам и ощущениям. Он не может отвергать ничего, к чему его тянет естественным образом. Именно это потакание своим слабостям действует для него как дисциплина, посредством которой он отбрасывает то, что для него несущественно, и кристаллизует таким образом свои вкусы. Вкусы художника должны вырастать из того, что так овладевает им в жизни, чтобы ему никогда не приходилось спрашивать себя, что ему делать в искусстве. Только через полное понимание своих вкусов он может освободиться от всякой склонности смотреть на вещи так, чтобы они соответствовали какой-то готовой концепции." Желаю нам всем быть настоящими - проявляться! Даже если эта настоящесть душная, как у меня)

Чудесный Люсьен Фрейд написал за свою жизнь всего лишь один малюсенький манифест. Вот его часть, перевела для вас. "В создании произведения искусства момент полного счастья никогда не наступает. Обещание этого чувства ощущается в акте творения, но исчезает к завершению работы. Ибо именно тогда художник осознает, что он создает всего лишь картину. До тех пор он как будто смел надеяться, что картина сможет ожить. Если бы не этот факт, то могла бы быть написана совершенная картина, по завершении которой художник мог бы уйти на пенсию. Именно эта великая недостаточность толкает его вперед. Таким образом, процесс творчества становится для художника, пожалуй, более необходимым, чем картина." Художникам, вечно не довольным собой и своими работами посвящается)

Просто прекрасное интервью с Виталием Пушницким! Я получила огромное удовольствие и потихоньку начинаю закрывать гештальты. Очень рекомендую отвлечься от происходящего цирка и думскроллинга за приятной беседой. Со мной поделился им Пермский известный художник, мой старший товарищ Александр Греков, а я поделюсь с вами. Для тех кто не знает - Виталий один из ведущих современных российских художников, которого отличает наличие академического образования. Он закончил факультет графики в институте им. И.Е.Репина и с 1994 года состоит в СХ Санкт-Петербурга (но при этом ни разу там не выставлялся). Зафиксировала тут пункты, которые представляют для меня наиболее болезненные точки и наибольший интерес: "Искусство - альтернативный путь социализации. С одной стороны он имеет отношение к обществу, с другой стороны, вы не обязаны совпадать с ценностями, которые это общество диктует" "Художник всегда отражает общество, как лакмусовая бумажка. Попадает в успех тот художник, который идеально соответствует сейчас прообразу общества. Художник не может симулировать это. Совпадение ситуации общества и ситуации художника это редкость. Вдруг случается, что совпадают действия, решения, ментальность, философия, и тогда общество говорит: "Вот наше знамя". Сейчас художник - это бизнес проект." "Есть продукт от художников, достигших карьеры определенным способом, и от них не хочется ничего. А есть художники, достигающие вершины карьеры через долгий путь и доказавших свой путь качеством продукта, и тогда этот продукт очень интересен." "Есть художники хорошие, а есть те, кто просто занимается своим менеджментом." "Для коммерчески успешного художника нужно, чтобы ты выдавал один и тот же продукт, чтобы ты был узнаваемый. Как только продукт захватил рынок, все хотят точно такой же продукт." "С одной стороны ты должен расти над собой как личность - «градировать», а это значит отрицать то, кем ты был вчера. С другой стороны - ты должен оставаться стабильным как продукт, не должен «градировать», должен оставаться на определенном уровне. И есть третий аспект. Если ты не получаешь деньги от социума, то возникает дилемма психологического плана. Ты не социализирован, следовательно никому не нужен. Welcome to наш клаб. Надо решать массу разнонаправленных проблем сразу. Получается, что вы какую-либо из проблем не можете решить, либо одну, либо же все три. Вы всегда будете не довольны. Поэтому надо тренировать смирение. Если вы не смиритесь с этой ситуацией, вы не сможете ее принять. Надо принять потери, которые вы в любом случае понесете добровольно." "Мысли о смерти не плохие, если они не приводят к депрессии." "Живопись это такой труп который все никак не умирает" "Живопись просто надоела , она скучна в таком количестве. Ее слишком много" "Энгр: чем отличается хороший художник от плохого? Тем, что у хорошего иногда бывают хорошие картины. А у плохого никогда" "Музей не занимается больше историей. Музей фиксирует случившийся факт - кураторы обсуждают, пресса бубнит. Дамьен Херст - это не об искусстве. Это об успешном бизнес проекте." "Люди (художники) думают на том этапе развития, на котором они готовы думать. Кто-то думает, что искусство это хобби; кто-то думает, что нельзя продавать, потому что это плохо; кто-то думает что надо только продавать, потому что искусство это коммерция; а кто-то думает ещё 10-ю разными способами." "Если ваши действия не приводят к желаемому результату - делайте иначе." "Как выработать свой стиль? Подражать трудно, подражая художник пробивается сквозь себя в другого, пытаясь сделать так, как другой. И все равно копия не получается. Можем ли мы быть не самими собой, если мы даже не хотим? Может быть, мы всегда находимся в своем стиле даже если не хотим? Даже если вы боитесь не выработать свой стиль - вы его выработаете." https://www.youtube.com/watch?v=hYPdtjGNySM

Появилось настроение на быструю заметку по еще одному направлениюв практике современного искусства - редукция. Заметка будет короткой, потому что в этом методе работы в поле совриска все весьма банально и понятно. Более подробно на курсе у Каролины https://www.instagram.com/karo.peskisheva/ Сегодня часов 7 (с перерывом на полдник) проверяла домашние задания у любимых студентов, которые за выходные прям жару устроили, и поняла, что в принципе, этот способ самовыражения присущ многим, и не важно в каком поле человек работает - в традиции, в интерьерке, в совриске или он вообще еще студент на первых карьерных шагах. Метод сводится к выборочному самоограничению в средствах выражения, который отчасти приходит интуитивно, сам собой, отчасти осознанно в работе над стилем. В итоге мы имеет весьма скупую палитру художественных средств, но зато очень узнаваемую, и она органично ложится на ваш "личный бренд" (извините, что снова поднимаю эту тему). Это может быть не только узнаваемая стилистика, прием. Наверное вы сможете назвать сотню примеров авторов, работающих с этой стратегией. Гораздо сложнее назвать авторов, которые не придерживаются четких рамок в принципе и говорят, что все эти ваши личные бренды, рамки, стандарты - лишь ограничивают творчество. Таких панков от искусства не так много 🤘. На моем курсе по композиции я вскользь затронула эту тему, и в пример такого свободного отношения к навязанным рынком стандартам, поставила Роберта Раушенберга, который отказался от последовательного и логичного движения в рамках индивидуального стиля, равно как и от единой техники. Он развил, а местами и переосмыслил, все техники, в которых работал, постоянно изменяя их и ставя все новые эксперименты. Исходя из традиций Марселя Дюшана, Джозефа Корнелла, и многих других радикальных классиков модернизма, Раушенберг постепенно уничтожал границы между рисованием и скульптурой, живописью и фотографией, фотографией и гравюрой, скульптурой и фотографией, скульптурой и танцем, скульптурой и технологией, технологией и перформансом и т. д., стремясь, по сути, сделать едва ли различимой саму разницу между искусством и жизнью. «Нет плохих сюжетов. Пара носков не менее годна для живописи, чем дерево, гвозди, скипидар для масляной живописи на холсте», - говорил Раушенберг. Сегодня друг-художник сказал, что сейчас я стою на нулевой отметке и поэтому мне можно абсолютно все. А сейчас к тому же в выпускном проекте курса по стратегиям никак не обойтись без эксперимента с формой, слишком намудрила. А у вас есть свой стиль? И если да, то как он появился - сам собой или в результате целенаправленной работы?

Сегодня у Марины Альвитр в сторис была сформулирована такая мысль, что личный бренд это инструмент, который все больше осваивает современное искусство и что художнику снова возвращается ответственность за продажи и продвижение своих проектов. Было это преподнесено как нечто хорошее. Она назвала это рождением новой художественной стратегии, основанной на личности художника, которая теперь почти официально продает лучше, чем любая галерея, и получается что галерея потихоньку становится атавизмом, а художник человеком оркестром и это норма. Раз галерея снимает с себя роль продюсера художника, то художник, становясь перед выбором становления человеком оркестром или работой в стол, просто убивает искусство? «И швец, и жнец, и на дуде игрец, и в хоре певец» - ироническое замечание про человека, который за все берется, и ничего нормально сделать не может. Такое у нас будущее? На исследование этой проблематики и того, как в итоге проявляется ценность искусства, будет направлен мой проект. План на июль)

Я надеюсь, вы дочитали до этого момента. Потому что сейчас поистине гениальный автор МАУРИЦИО КАТТЕЛАН - прям кайфовейший пример институциональной критики, чего только стоит его банан на скотче с сертификатом подлинности. Тут смена настроения от серьезных щей в тотальную пост-иронию. Вообще Мауриццио Кателлан самый веселый художник современности, панк от искусства. На заре своей творческой деятельности, когда открывалась его первая персональная выставка, он закрыл галерею, ушел и оставил записку – «Ушел, скоро буду». Налицо работа с культурным наследием в виде выставки Кляйна «Пустота». Там, напомню, была показана совершенно пустая галерея под слоганом «Личное присутствие на престижном арт-мероприятии важнее искусства, на этом арт-мероприятии продемонстрированного». Тут же публика была фрустрирована еще больше – их даже в помещение не пустили. Так же известна его участие с Йенс Хоффманом в проекте«Унесенные ветром: 6-я международная Карибская биеннале» в котором они высмеяли нишевый рынок «биеннального искусства", который отличает «гигантские размеры и пустые замыслы». Эта категория искусства демонстрирует склонность кураторских дискурсов к все более зрелищным событиям. Они пригласили ряд художников, таких как Ванесса Бикрофт, Олафур Элиассон, Марико Мори, Крис Офили, Элизабет Пейтон, Тобиас Ребергер, Пипилотти Рист и Рикрит Тиравания, которые, по их мнению, были самыми распространенными на международной биеннальной сцене, сделали крутую рекламу, грамотный маркетинг, но по прибытии на остров Сент-Китс в Вест-Индии художники и кураторы просто отдыхали — никакой выставки не было. После этого они выпустили полноцветный глянцевый каталог со снимками из отпуска, текстами и высказываниями, представляющими их опыт. Таким образом, «Карибскую биеннале» можно рассматривать как саморефлексивную критику кураторства, нишевого биеннального искусства. На этом все, буду рада всем комментаторам, хочется узнать, что вы думаете обо всем этом безобразии?

Сегодня поделюсь с вами своим пониманием очень редкой и едкой критической стратегией в совриске с названиием Институциональная критика. Как можно понять из названия, стратения изначально стоит на позиции скепсиса. Про нее часто говорят и впервые я услышала о ней в свободных лекциях Гараж, у Ирины Кулик, и затем более подробно у Каролины Пескишевой, которая классифицировала стратегии в стройную систему. Скепсис направлен на всевозможные институции (музеи, галереи, биенале, ярмарки, выставки), на трансформирующую власть, которые они имеют над художниками, которая унифицирует авторов под требования и стандарты. Критика может быть направлена и на арт-тусовку, на арт-сообщество, и на самого себя, как винтика в этих механизмах. Это очень редкая стратегия, мало кто работает с такой обличительной, еще и обличительной изнутри, повесткой. От этого еще более привлекательная. Для меня. У меня чувство, что я попала в свою среду, давно не испытывала такой восторг и интерес от создания искусства, как сейчас. Даже спать не могу, настолько "Exciting". Поэтому уже почти закончила разработку концепции целого проекта, который будет направлен на деконструкцию и демифологизацию всевозможных арт-институций. Мой куратор сказала, что проект социально значимый, а подруга искусствовед - что тема болевая и во всех смыслах представляет интерес. Чешутся руки поскорее начать ее воплощать, но если все не продумать до мелочей, не достаточно хорошо опереться на поддержку философии, то можно соскользнуть в неуверенность и при первой же дискуссии показать свою несостоятельность. Поэтому быстренько читаю Ги Дебора и Ролана Барта, и надеюсь в июле начну физическую работу над осуществлением) А пока примеры институциональной критики из мира искусства. Самый крутой автор - Ханс Хааке (Hans Haacke) – американский художник-концептуалист немецкого происхождения. Ханс Хааке – один из наиболее бескомпромиссных представителей институциональной критики. Его цель состоит в изобличении связей между известными галереями мира и «сильными мира сего», чьи действия преступны или несправедливы по отношению к определенным социальным группам. Под его критику попадают все галереи, с которыми так или иначе сотрудничают (или сотрудничали) – в первую очередь как спонсоры – политики, бизнесмены, общественные деятели и т.д. Смысл работ Хааке заключается в том, что все искусство политизировано. Музей для него – «интерпретатор» истории, он диктует, как мы должны видеть это мир и кем в нем быть. С одной стороны, это серьезное образовательное учреждение, с другой – пропагандистский аппарат. Кроме расследований и разоблачений Ханс Хааке также создает работы на социальные и политические темы. С помощью своих инсталляций Хааке «общается» с социумом, доносит до него свою идею – политика и искусство тесно связаны. На выставке «Информация» (1970) в Музее современного искусства в Нью-Йорке (МоМА), где членом попечительского совета был губернатор Нью-Йорка Нельсон Рокфеллер, была представлена работа Хааке «MoMA Poll». Инсталляция представляла собой две прозрачные урны для голосования с подписями «Да» и «Нет» на каждой. Надпись возле них была обращена к посетителям выставки и содержала вопрос: «Стал бы для Вас факт, что губернатор Рокфеллер не осуждает политику президента Никсона в Индокитае, достаточным, чтобы не голосовать за него в ноябре? Если да, бросьте свой бюллетень в левую урну. Если нет – в правую». Итог был очевиден – в левой урне оказалось в два раза больше бюллетеней.

Новость из мира современного искусства, друзья, которая поразила меня своей комичностью относительно нашего опыта. Или мы настолько отстали от передовых поисков совриска, что они успели «туда-обратно», а мы только только собрались идти «туда»? 📌Интернет-издание Artnet отметило интересную нарастающую тенденцию в актуальном искусстве: художники все чаще пишут портреты своих лучших друзей, не так уж сильно экспериментируя с формой, как можно было ожидать от представителей постконцептуального искусства. Все это называется «гиперсентиментальным» портретом. Но речь тут не столько о сентиментализме, сколько о биографичности искусства. В частности, заметный виток общественной дискуссии на тему нового сентиментализма начался с работы Элизабет Пейтон, которая написала портрет своей подруги, наследницы галерейной империи Zwirner, и дебютировала с этой работой на ярмарке Art Basel в Гонконге. (Чтоб вы понимали с таким дебютировать почти невозможно, типа архаика, скукота). Художница таким образом перенесла эпизод своей жизни в живописную практику, в работу. Тут же стало очевидно, что это не единственный случай: в последнее время мы видим много картин в этом ключе – работы, которые обыгрывают интимные отношения, закодированы так, что их легко прочитает зритель, вписанный в небольшое художественное сообщество. Другой такой пример – своеобразная коллаборация Анны Вейант и Эйлин Келли. Вейант написала портрет Келли, а Келли потом пригласила ее в своей подкаст. Artnet, кстати, выпустил отдельный подкаст о «гиперсентиментальном» искусстве. Короче прикиньте, обычный портрет вернулся в контекст, только теперь с модной прической и в модных джинсах и зовется он «гиперсентиментальное» искусство. 🤯