Записки Аранжировщика🇺🇦🇮🇱

​​Давно задумывался о своей домашней студии, но не знал с чего начать? Начни с моего подкаста "Слышь!" и его третьего выпуска о структуре домашней студии, проработке дизайн-проекта и организации рабочего пространства. Со дня на день подкаст будет выложен, так что следи за обновлениями и не болей✌️ #Слышь! #Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky#ДомашняяСтудия

​​🎸 Как программировать бас Как бы вы не относились к карантину, но это прекрасное время для практики. Вот почему сегодня мы попрактикуемся в создании сочного звука баса. Как и всегда, любому композитору и аранжировщику, я советую взять уроки игры и понять принцип звукоизвлечения на бас гитаре. Фортепиано, кстати, тоже отлично подойдет. Потому что структура баса достаточно похожа на любом инструменте и если ее понять, то можно хоть джаз, хоть техно и дабстеп прописывать. Теперь по плагинам. «Пацанам на Винде» я советую скачать «Broomstick Bass». Легкий в освоении (и по весу), но потрясный плагин с кучей достойных звуков. Ну и все юзайте «Trillian» — ничего лучше я пока не видел. И здесь наступает распутье. Если нужен живой инструмент, то к нему и претензии соответствующие. Прописывается не только «Velocity» и длина ноты, но и специфические звуки: слайд, слэп, поп. А для большей реалистичности: Шорох слайда, случайные удары по корпусу и (как у контрабаса, например) просто ритмические удары по струнам без ноты как таковой. У синтезатора таких приколов нет, зато намного важнее становится «Лееринг» — несколько синтезаторов, играющих одну партию нота в ноту. Можно с разницей в октаву или две. Поработать с громкостями, дав одному или паре синтов лидерство, где-то даже поиграть с панорамой. И вот у тебя уже свой собственный звук, который четко передает нюансы из твоей головы. (Кстати хороший совет для структуры — ультранизкий «punchy» бас можно добавлять на припеве, чтобы добавить ему мощи, а заодно отделить от куплета). А чтобы басовый низ контролировать — используй «Multiband» компрессию. И не забудь выбрать разные полосы частот для бочки и для баса, чтобы они не пересекались, создавая кашу и муть по низам (которую, кстати, можно отследить только на хорошей громкости в хороших мониторах). И слушай лучших. Не только звуки, но и принципы аранжировки бас партий постоянно меняются, но это не значит, что нужно гнаться за трендами. Это значит — узнавать новое и брать то, что актуально лично для тебя. Цель аранжировки — максимально эффективно донести мысль и настроение песни, а не показать твою гениальность и умение «напихать всего, что установлено». Даже одна нота, сыгранная на дешевом синте и длящаяся такт, может звучать интересно и актуально. Так что расчехляй свою миди клавиатуру и удачи тебе с этим, музыкант✌️ #Звук#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​🥁 Как создать реалистичную барабанную партию в цифровом секвенсоре. Наверное я слишком мало лазил в интернете, но конкретных советов найти не смог. А тема-то сочная, ведь мало у кого есть возможность круто писать живые барабаны в дорогой студии (да, помещение чуть ли не важнее микрофонов). Так что впереди ждут наработки моего более чем десятилетнего опыта в этом. Скажу сразу — чтобы понять качество звука, насколько оно реалистично или "сочно", сначала нужно услышать звук реальной установки и (в идеале) поиграть на ней. И вообще — возьмите десять уроков игры на барабанах. Это повернет всю вашу музыку в совершенно другое русло. Дальше идет выбор семплера. Советовать что-то — дело неблагодарное, потому что всегда найдутся люди, любящие совершенно другой звук, но для себя я выбрал EZDrummer и BFD. У первого плагина есть еще старший брат — Superior Drummer, но его первая версия мне не зашла, а новую я еще не пробовал. Для меня это плагин быстрых и надежных решений с минимальной возможностью вмешаться. То ли дело BFD (особенно третья). Собираешь установку сам, микрофоны по комнате расставляешь, взаимопроникновения звуков одного барабана в микрофон другого выставить можно. Не говоря уже о количестве семплов и видов удара по каждому барабану, чтобы все было максимально реалистично. Для меня это — универсальная и очень удобная, хоть и немного громоздкая платформа для записи всего. От перкуссии до электронных битов. Дальше уровни громкости. Самым мощным и громким должен быть звук снейра, а остальная установка выстраивается вокруг него. Тут уже все зависит от жанра и предпочтений. Больше бочки, меньше хета, тарелки сделать едва различимыми — вариантов масса и постоянно появляются новые. Очень важно правильно выстроить силу удара, она же "Velocity". Несмотря на функцию "Humanize" я все равно стараюсь выстраивать силу вручную. Потому что разницу между слабой и сильной долей "хьюманайз" тебе не сделает, как ни крути (когда мы говорим о партиях, которые вы сами протыкали, а не о заранее записанных "лупах" или секвенциях). Плюс даже небольшая разница в силе удара по снейру и томам сделает пробежки более живыми из-за ощутимого изменения тембра. К танцевальной музыке это тоже имеет отношение, не расслабляйтесь. Ну и комната. В любом нормальном секвенсоре есть канал "OH" (OverHead) для съема звука тарелок и установки в целом. А в любом отличном секвенсоре есть канал "Room" и "Ambience", которые дают звук уже отражений комнаты и дополнительных призвуков. И регулируя их громкость относительно основных каналов можно получать "dry/wet" звучание в той степени, которую требует трек. Конечно это довольно поверхностный взгляд, но он поможет вам начать смотреть на барабаны не просто как на "тупо бит", а как на сложную и кропотливую часть музыки, от которой зависит добрая половина итогового микса. И это была первая часть в мини серии о том, как правильно прописывать цифровые инструменты. В следующий раз я напишу про бас. Так что музыканты не чихайте, а то всех клиентов распугаете✌️ #Звук#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​📶 Конволюционные и не очень ревербераторы Реверберация — достаточно тонкий и для большинства слушателей незаметный процесс, но если ее убрать, то все сразу станет очевидно. Сегодня я расскажу, за что я люблю те или иные плагины и про их радикальные различия. Для справки — можно пользоваться хоть встроенными в DAW эффектами, к счастью для большинства задач они достаточно хороши уже давно. Конечно же плагины серии Lexicon, эмулирующие лексиконовские железки. По понятным причинам (💵) я пользовался только эмулятором и сравнивать мне не с чем, но эти плагины уже давно стали моим основным инструментом в работе, потому что достаточно гибки в управлении и содержат все, что мне нужно для музыкального продакшна. Сюда же можно включить FabFilter Pro R, как такой же легкий и удобный ревербератор. Эти плагины подходят, если не нужно сильно заморачиватся со звуком комнаты, потому что и Lexicon и FabFilter звучат достаточно "абстрактно" (нет конкретных звуков конкретных комнат) И вот здесь уже появляются конволюционные ревербераторы, такие как Altiverb или Waves IR-L. По принципу работы все просто — есть файлы с импульсами комнат. Грубо говоря — на микрофон записывается звук отклика комнаты, чтобы передать все нюансы помещения. Вроде бы описание не оставляет шансов обычной цифровой реверберации, но вот в чем штука — далеко не всегда нужен звук натуральной комнаты, плюс сами характеристики "отражений" сильно разнятся. Поэтому я советую иметь под рукой оба вида реверов и пускать их в ход в зависимости от задачи. При музыкальном продакшне я использую Lexicon, как простой и понятный ревер. Отлично подходит для электрогитары (если нужна эмуляция пружинного). Да и для вокала тоже часто беру именно его. Для саунд дизайна, конечно, более подходит конволюция (и не обязательно Altiverb. Он достаточно дорогой и покупать его ради учебы не стоит. Проще скачать бесплатный, благо их тоже есть). Когда нужна эмуляция конкретного пространства (который ты видишь визуально в фильме/клипе), то обычный цифровой ревер не даст такой же точности, как импульс. Плюс на вокале импульс звучит чуть мягче. Но, конечно, как всегда все зависит не от инструментов, а от умения ими владеть. Так что я просто рекомендую взять запись чистого инструмента, попробовать разные виды ревербераций, а потом проверить эти же реверберации в миксе. Ну и выбрать несколько любимых, чтобы они были под рукой в любой нужный момент. Так что желаю вам чистого звука и четкой середины в миксе✌️ #Плагины#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

Второй выпуск подкаста "Слышь!", в котором я расскажу об истории развития звукозаписи и о том, почему это не убило музыкальную индустрию. 🕰 4 эпохи развития индустрии 🎼 До начала эпохи 🎙 Фонограф и микрофон 🎞 Магнитная лента 💿 Цифровая запись #Слышь! #Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​Пока мир катится в экономическую жопу я предлагаю вам оглянуться в прошлое и посмотреть, как изменялась музыка и принципы звукозаписи от зарождения и до наших дней. Подкаст "Слышь!" за номером 2 уже в пути к вам, мои дорогие любители хорошего звука. #Слышь! #Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​​​​​​​​​​​​​​​💻 "Автоматизация процессов при постпродакшне" Рано или поздно каждый аранжировщик и звукарь понимает, что надо учиться автоматизации, которая люто облегчает многие задачи. Для начала разберемся, что это за зверь. Автоматизация, как видно из названия, это - программирование процессов для изменения их в реальном времени. А теперь проще: ты можешь включать и отключать эффекты, изменять их уровень и даже каждый отдельный параметр. И все - в реалтайме, жёстко следуя таймингу трека. Обычно включение автоматизации выглядит, как вот такой значок ... / ¯ (вы не представляете, как я намучился это здесь рисовать) , но это не точно. Сразу после включения под треками прявляются дополнительные дорожки (а для громкости вообще поверх основной). И вот там, с помощью инструмента "карандаш" можно рисовать изменения параметров. Пример можно увидеть на картинке к посту. Как я уже писал, изменению поддается практически любой параметр, что вы имеете на руках. Будь то изменение частоты в эквалайзере или уровня реверберации - все можно сделать плавно или резко обрубить на нужном моменте песни. Я понимаю, что мое описание выглядит довольно страшно и кажется, что это невозможно освоить с налета. Но я рекомендую просто попробовать. Взять одну дорожку, повесить на нее, например, эквалайзер и просто поиграться с автоматизацией его параметров. Одного раза будет более чем достаточно, чтобы понять принцип. Тут точно понадобиться удача, которую я традиционно и пожелаю. Развлекайся, музыкант ✌️ #Аранжировка#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​📊 "Уровни аранжировки" Каждый раз, когда я работаю, мне хочется максимально упростить процесс. И здесь в дело вступают паттерны. Заготовки проектов, звуков, инструментов и партий. Но что если копнуть глубже и разложить на удобные составляющие сами базовые принципы? Ну это вроде "в литературе и кино всего 7 сюжетов, а остальное — вариации на тему". Вот так же я отношусь к уровням музыкальной ткани. Если попытаться структурировать все, что мы имеем на руках, то этих уровней получится не так уж много. Я насчитал себе пять, но вы в комментариях можете меня поправить, если придумаете более удобную классификацию или с чем-то не согласны. 1) Первый и самый заметный — основная мелодия. То, что занимает все наше внимание при первом же прослушивании. И "мелодия" — это очень условное название. Это может быть барабанный бит, бит в сочетании с басом, гитарный или синтезаторный рифф. Ну и вокал, разумеется, куда без него. 2) Дальше идет основное тело песни. Барабаны-бас-гитара-пиано. Короче все то, что можно легко услышать, если отвлечься от мелодии. Все партии четко разбираются и снимаются, если немного покорпеть. А вот дальше интереснее. 3) Подклад, он же "Pad". Все то, что даже после десятка прослушиваний не сразу услышишь. Потому что обычно этот уровень делают легким и тихим, почти незаметным. Им создают атмосферу и заполняют дыры, а не швыряют вам в лицо. Струнные, синтезаторы, мелодическая и "не" перкуссия. Достаточно постоянные в пространстве звуки. 4) Акценты. Вот здесь вообще раздолье, так как акцент может быть использован вообще раз за песню. Например удар в гонг или колокольчик. Зато самих "инструментов" может быть сколь угодно много и их громкость может варьироваться от весьма заметных, до "легонько чешущих ухо где-то справа". 5) Шумы, куда без них. Совершенно саунд-дизайнерская история, но в музыке тоже куда как применима. Для меня это нечто среднее между пэдами и акцентами, потому что шум может как длиться в пространстве, так и выделять важный момент песни. И он сто процентов не музыкален, даже не обязательно ритмичен. Стук по клавишам, телефонный разговор, шум ветра или дождь — все это нужно использовать очень дозировано, добавляя песне "перчинку". Ну вроде бы все рассказал, что хотел. Про автоматизацию и программирование помню, просто вдруг родилась тема, куда более интересная мне сейчас. Надеюсь и всем вам тоже. Удачи вам, музыканты. Помните, садясь за аранжировку: ночь длинна, а у трека только три минуты✌️ #Аранжировка#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

Я не мог не поделиться такой новостью. Теперь если у вас будут проблемы с придумыванием мелодии — ее всегда можно взять из архива https://meduza.io/feature/2020/02/26/my-sozdali-vsyu-vozmozhnuyu-muzyku

​​🎛️ "Динамический эквалайзер и зачем он нужен" Компрессорами мы все активно пользуемся, а вот про динамические эквалайзеры мало кто знает. Так что приоткрываем завесу тайны. Как несложно догадаться, это тип эквалайзеров, который изменяет нужную частоту не постоянно, а при изменении некоторого порога. Можно решить, что такой эквалайзер не нужен, раз есть multiband компрессия, но для людей, которые любят тонкую настройку звука это вещь незаменимая. В отличие от компрессора, который довольно грубо работает с частотой и ее динамическим диапазоном, эквалайзер уменьшает (или увеличивает) только условную громкость этой частоты. Как это применимо? Ну, во-первых, динамический эквалайзер хорош при подрезании сибилянтов у голоса. "С,Ч,Ш,Ц" становятся не такими ядреными и при этом яркость остального вокала не страдает. Так же, в прочем, можно убирать и бубнящие звуки. Ещё есть хитрый прием, когда подчеркивается нужная частота (т.е. эквалайзер работает на увеличение, а не на вычитание) в определенные важные для динамики песни моменты. Например удар по crash'у в начале припева, чтобы дать ему ещё больше мощи (тогда как в других местах crash делается мягче). Так мы плавно подошли к программированию и автоматизации, о чем я напишу в следующий раз. А пока удачи тебе, музыкант, учись вниманию к деталям ✌️ #Плагины#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​🎧 "Современная музыка лучше старой" Так уж получилось, что я просто люблю музыку. И создавать, и слушать. Поэтому багаж наслушанного достаточно большой. Я не выделяю какого-то конкретного жанра или определенный год — просто слушаю то, что нравится. Мы постоянно слышим: "Вот раньше музыка была музыкой, а сейчас уже не то. Нет звезд, есть только отдельные неплохие музыканты". Но так ли это на самом деле? Если начать копаться в нашем пыльном музыкальном шкафу, вытаскивая на свет все более древние треки, то мы будем замечать, как с годами уходит не только качество записи, но и мастерство самих музыкантов. Чем ближе к сотворению мира, тем хуже голоса попадают в ноты, музыканты исполняют более простые партии, плюс аранжировки тоже гораздо банальнее звучат. Но почему мы считаем, что музыка "тех" лет — эталон и превзойти его практически невозможно? Просто до нас доходит избранное, золотой фонд музыки, прошедший через эпоху отбора и оставшийся в веках, сердцах и головах. Плюс это была эпоха, когда люди экспериментировали с самыми базовыми принципами. Поп песня, как таковая, вообще начала зарождаться годов с 20х прошлого века. Что же сейчас? У нас есть компьютеры, интернет, дешевые средства записи и новые инструменты. Неограниченное количество дорожек, когда раньше приходилось экономить ленту. Доступ к любым стилям и жанрам, только купи подписку. Плюс комбинирование стилей и выразительных средств сейчас куда смелее, чем раньше могли себе позволить. А самой музыки столько, что каждый уж точно найдет себе что-то по душе. Не хватит человеческой жизни, чтобы отслушать все новое, интересное и качественное. Так что если здраво и холодно посмотреть — современная музыка качественней и лучше. Просто ей надо "отлежаться", а уже новые поколения поймут, что из этого "шедевр", а что — "шлак". Как, впрочем, всегда и было. Так что добра вам, музыканты, творите историю ✌️ #Размышления#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky

​​🎚 "4 Вида хорошего звука и почему они все неправильные" Привет всем, давно не виделись! Я уже почти забыл как писать, но руки-то помнят. А это значит, что новый сезон моих текстовых изысканий официально открыт. Каждый из нас хотя бы раз задумывался: "Какой ты, хороший звук?". Первое, что я понял для себя довольно быстро — мы однозначно можем сказать, какой звук плох, а вот о хорошем можно долго спорить, потому что крайне индивидуальная оказалась штука. И вот совсем недавно я вывел для себя четыре критерия звука, по которым можно судить о его "хорошести": 1) Звук интересный. Он же необычный. Когда ты слышишь, что песня сведена крайне непривычно для тебя, что в ней есть какие-то совсем странные эффекты или совершенно дикая гармония, но каким-то чудом оно работает. Звучит. Приковывает к себе и заставляет вслушаться, а не выключать. Как пример, песня "Baby's on Fire" из фильма "Velvet Goldmine". Монотонный синт, дикое соло и скрежещущий вокал вместе звучат очень и очень хорошо. 2) Звук оправданный. Согласитесь, что странно будет слышать современную песню с барабанами, расположенными не привычно (бочка и снейр в центре, а тарелки и томы по панораме), а сведенную как в пятидесятых (каждый инструмент в своем канале). Или Deathcore соло в песне, аранжированной под синти-поп. Звук должен соответствовать стилю, времени и месту записи. И тогда получится не кривой кадавр, а вполне себе вкусно. Кстати из этого вытекает... 3) Звук актуальный. Здесь все просто — если ты следишь за трендами, то легко понять, чем сейчас живет мир. Пост Хип-хоп, нео-диско и акустический сонграйтинг с электронными вставками — вот тренды 18-19 годов. Да и сейчас все продолжается. Как у того же "The Weekend" с его "Blinding Lights". 4) Звук эталонный. Это как "template" для плагина. Так же и с аранжировками: есть блюз, есть фанк, есть рокабилли. И да, для некоторых случаев стоит не выдумывать новые виды звучания, а взять уже имеющиеся и создать что-то пусть и вторичное, но подходящее. Например саундтрек для кино вполне может делаться по лекалам. Как аранжировочным, так и звуковым. Но, как понятно из названия, ни один из этих вариантов не подходит, когда приходит время эксперимента. Когда есть время, силы и желание поработать над своим треком и сделать его в достаточной мере уникальным. Тут может сработать все что угодно и пока лично ты не попробуешь свою идею, до конца так и не узнаешь, работает ли она или ты сделал очередной проходняк Так что удачи тебе, музыкант, экспериментируй✌️ #Аранжировка#Записки_Аранжировщика#Адамский_Музыка#Adamsky